CRONOSETENTAS

.::THE STORM: “The Storm”::.

– I’ve Gotta Tell You Mama – I Am Busy -Un señor llamado Fernández de Córdoba. –Woman Mine -It’s All right -I don’t Know -Crazy Machine – Experiencia sin órgano.

Angel Ruiz Geniz : Guitarra   Diego Ruiz Geniz: Batería      Luis Genil Rodríguez: Teclista    José Torres Alcoba: Bajista   The Storm: Voz     Fernández de Córdoba . W.H. Singleton: Producción

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En alguna parte de este blog hablábamos no hace mucho de algo muy significativo al respecto de la calidad de los grupos de rock duro de los setenta. Se trataba de que nombres como URIAH HEEP, U.F.O., NAZARETH o ATOMIC ROOSTER entre otros muchos, fueran considerados bandas de segunda fila…. y lo cierto es que relativizando, llegas a la conclusión de que, al lado de RAINBOW, LED ZEPPELIN o QUEEN, efectivamente lo eran, al menos en cuanto a ventas y popularidad se refiere. Sin duda en la Inglaterra aquella década tenías que ser extraordinariamente bueno si querías asomar la cabeza. No cabían medias tintas. Comprar un instrumento no era en absoluto fácil y de hecho hay muchas bandas que admiten haber empezado su carrera con material robado por ellos mismos (BLACK SABBATH o JUDAS PRIEST sin ir más lejos).

Bien, tratemos ahora de mover ese escenario desde Inglaterra a España y tendremos el problema elevado al cubo. Si en Londres o en Birgminham no todo el mundo se veía capaz de plantearse siquiera el formar un grupo, en los años de la dictadura de Franco, había que echarle mucho valor para ponerse a tocar rock. No hablo de LOS BRAVOS o los SIREX (de cuyo esfuerzo y mérito ni se me ocurre dudar) si no de quienes rizaron el rizo escogiendo el peor de los caminos en un país que bastante tenía con pensar en cómo iban a terminar cuarenta años de calvario, y en el que quiero recordar que hubo gente asesinada en aquellos días por llevar el pelo largo. Intentemos ponernos en esa tesitura para entender entonces porqué un grupo con un único álbum en los setenta absolutamente desconocido para la inmensa mayoría, merece estar en esta sección al lado de monstruos como UFO o THIN LIZZY , e intentemos de paso conocer lo más posible sobre una banda de auténticos pioneros en el hard rock español: THE STORM.

SEVILLA, 1969.

Esos serían los datos en el lugar y en el tiempo, para un hipotético viaje en nuestra máquina del tiempo particular. Habría que viajar más de cuarenta años atrás e ir a la popular barriada de San Jerónimo en la capital andaluza, para encontrarnos con dos hermanos gemelos llamados Diego y Angel Ruiz Genil, batería y guitarra respectivamente, que desde la tierna edad de nueve años intentaban hacer algo parecido a música con instrumentos que ellos mismos fabricaban con lo que tenían a su alcance. Con el paso del tiempo se unieron a otros dos personajes que respondían a los nombres de Luis Genil (primo de los gemelos) y José Torres, que terminaron encargándose de los teclados y el bajo después de algunos cambios en sus respectivas formaciones. Ensayaban bajo el nombre de LOS TORMENTOS en una habitación alquilada que estaba lado de una vaquería en la zona de La Algaba donde trabajaban sobre versiones y temas propios que luego interpretaban en directo en los pueblos del extrarradio sevillano, ya que la gran ciudad aun no estaba a su alcance.

En Sevilla  se había producido una importante caída en cuanto a las posibilidades de las bandas. Si bien poco antes aquella tierra había regalado los oídos de la juventud con bandas como GOMA, GONG, NUEVOS TIEMPOS o los legendarios SMASH, la desaparición de estos últimos había convertido aquel campo abonado en un erial. Eso no impidió sin embargo, que algunos locales siguiesen programando shows y fiestas con relativa asiduidad. Entre ellos destacaba una discoteca llamada Don Felipe, que ofrecía actuaciones en directo a un nivel verdaderamente profesional. Tanto era así  que contaban con los servicios de un leonés que se llamaba José Luis Fernández de Córdoba.

A lo largo de la historia del rock and roll han existido personajes que, bien desde la sombra, o en ocasiones a plena luz, han sido determinantes para el surgimiento y desarrollo de ciertas bandas: Brian Epstein con THE BEATLES,  Tom Parker con Elvis o los legendarios y temibles Peter Grant y Don Arden cuyos métodos de dudosa legalidad llevaron a la gloria a LED ZEPPELIN o SMALL FACES. Bien, pues si buscamos un símil en nuestro país, creo que bien podríamos encontrarlo en de Córdoba. Fue el primer manager de Julio Iglesias y representó también a grandes de la escena como TRIANA o LOS MÓDULOS, actividades que compaginaba con la creación de grandes eventos como fueron los “ENROLLAMIENTOS” leoneses (luego exportados a otros lugares de la geografía nacional, o las “QUINCE HORAS DE AMOR Y POP” , que reunían a la flor y nata del rock español, cuando no había rock español ( espero que se entienda lo que pretendo decir). Sin embargo antes de eso, decíamos, se había afincado en Andalucía, donde se encargaba de organizar los conciertos y conseguir artistas para las noches sevillanas. Fue algo natural que nuestros cuatro protagonistas terminaran encontrándose con él. No hizo falta mucho para convencer a de Córdoba, que vió en ellos un torrente de posibilidades, juventud y , sobre todo, gana de comerse el mundo.

Entrar en contacto con de Córdoba amplió su abanico de actuaciones de una manera impensable, abriéndoles a tocar por las salas de las ciudades del sur e incluso de fuera de la península. De hecho, fue en una actuación en la discoteca Barbarella de Palma de Mallorca, donde cambiaron su nombre al de THE STORM. Así se curtieron a base de  mucho esfuerzo durante casi dos años de someterse a una rígida disciplina de trabajo (curiosamente lo que tardan ahora muchos grupos en formarse, grabar y desaparecer de la faz de la Tierra). Ellos tenían la voluntad para llegar alto y de Córdoba la fe para que lo consiguiesen, así que les proveyó de un equipo en condiciones para que sacasen lo mejor de sí mismos.

La capital de España lo era también de nuestra música. Jugársela y viajar allí era la única posibilidad de salir adelante, y aun así era también remota, pero había que intentarlo. Se estrenan allí en septiembre del 72, combinando los escenarios de su tierra con los de la capital y sitios como Burgos y Logroño. Allí un crítico local les bautizó en la prensa como ‘los hijos de Jimi Hendrix’, algo que supongo que no debió molestarles. Como decía, la capital de Reino les acogió en varias ocasiones, y a pesar de que por aquel entonces todavía  no tocaban sus propias canciones, la prensa musical se hacía eco de sus conciertos. Buena prueba de ello es la entrevista al grupo que aparece en en nº 202 de DISCO EXPRESS  publicado en 1972, y que forma parte del dosier de prensa.

En estas condiciones decíamos, permanecen durante dos años. Siguen dejándose la piel sobre los escenarios y abriéndose día a día a otros lugares del país como Bilbao o Barcelona donde debutaron en septiembre de 1973. Las actuaciones en Barcelona resultaron ser determinantes, ya que en una de ellas estaba presente un tipo llamado W.H. Singleton, dueño de Singleton Productions quien vio en aquellos cuatro mocosos la posibilidad de revitalizar el panorama de ‘rock avanzado’ (como entonces se le llamaba) en España. De esta forma y tras varias gestiones buscando una compañía interesada en publicar y distribuir la grabación, terminaron contratando a la banda.

El citado W. H. Singleton y Fernández de Córdoba fueron los productores, José Fernández el ingeniero de sonido (según reza la carpeta del álbum) y los legendarios Audiofilm los estudios donde la banda se encerró durante las horas que quedaban libres, mientras tenía lugar la grabación de ‘Mediterráneo’ de Serrat. El tiempo del que disponían era ridículo ( apenas una noche) por lo que tuvieron que llevar las canciones mascadas y re mascadas, ya que la grabación fue en riguroso directo.

En Abril de 1974, finalmente veía la luz ‘The Storm’ su primer álbum. La edición corrió por cuenta de BASF, una compañía alemana que muchos recordaréis por que eran fabricantes de cintas vírgenes. EWn cualquier caso, los sevillanos hacían historia con ocho canciones que inevitablemente recordaban a Ritchie Blackmore y compañía, con aderezo de URIAH HEEP y una pizca de ATOMIC ROOSTER.  Nunca dejaron de reconocer qeu DEEP PURPLE eran su grupo de referencia, y de hecho, mientras su repertorio estuvo construido a base de versiones,  nunca faltaron en sus conciertos “Black Night”, “Maybe I’m a loser” o “Strange kind of woman”. Ahora reflejaban ese sentimiento en  sus propias creaciones, nacidas con un sonido muy crudo e impulsivo, que era totalmente inédito en este país, con el añadido de estar cantado en inglés.. un inglés precario, pero inglés después de todo. Títulos como ‘I got to tell you mama’, que fue extraída como single, ‘Woman Mine’ , la progresiva ‘Crazy Machine’ o ‘It’s all right’ (esta con párrafos en castellano) daban nombre al resultado de unir tesón y talento. Su manager tuvo un reconocimiento especial en una bonita canción instrumental titulada ‘Un señor llamado Fernández de Córdoba’, donde mezclaban rock sinfónico en el estilo que luego seguirían bandas como ASFALTO o BLOQUE, con melodías de raíces claramente andaluzas, algo a lo que posteriormente se agarrarían los propios STORM. Sin embargo, de modo global, grabaron un disco de puro y duro hard rock.

A partir de este punto, las cosas les fueron un poquito mejor y consiguen un promedio de quince galas mensuales (muchos las quisieran hoy para un verano entero) que combinan con participación en concursos e incluso apariciones en televisión. 1974 trascurre entre proyectos e ilusiones, unos consolidados y otros no. Fernández de Córdoba seguía haciendo su trabajo y consiguió que la compañía Carouselle Records publicase el álbum en Italia. Las previsiones pasaban por participar en el AMERICAN SHOW FESTIVAL en Los Angeles y  hacer una gira en Italia durante el mes de Septiembre, tal como Luis Genil contaba a Disco Express en Septiembre de 1974:

“Sí – comenta Luis, organista del grupo – la gira está programada para Septiembre (de 1974) aunque quizá finalmente se lleve a cabo a principios de Octubre. Nuestro single y L.P. ya se ha puesto a la venta en Italia y la gira consistirá en un recorrido promocional  del disco por las principales localidades italianas, así como radio y televisión. La gira es un logro personal de nuestro manager. Antes estaremos en el American Show Festival, el primer festival americano de rock dedicado a gente nueva. De este festival saldrá un gran grupo nuevo mundial. Estaremos por los U.S.A. seis o siete días.”

Por más que he buscado en la red no he encontrado noticia alguna sobre tal evento… quizá no fuese ese el nombre o haya errores en la fecha. En todo caso, agradecería información al respecto. También se preparó una gira junto a los franceses MAGMA por España y Francia como parte de intercambios culturales, que era una forma de funcionar bastante habitual por aquel entonces.

El año termina de la mejor manera imaginable: abriendo el show que en diciembre de ese año ofrecieron QUEEN en Barcelona. Según se cuenta consiguieron  sorprender al mismísimo Freddie Mercury, de quien la leyenda dice que no entendía porque THE STORM no hacen galas por toda Europa. Otra cosa es lo que dijo alguna prensa de aquel show. No entiendo porqué la revista VIBRACIONES le tenía hincha a STORM. ¿Era quizá por su procedencia andaluza? ¿era miedo a una banda capaz de desbancar a cualquier grupo de rock catalán? vaya usted a saber, el caso es que mientras desde POPULAR1 se daba cobertura y apoyo a esta banda, (Ganaron también el premio a la mejor banda en vivo y mejor banda revelación)desde VIBRACIONES sin embargo encontrábamos perlas como estas:

Hace unos meses, en el espacio de televisión “Mundo Pop” se habló del resurgir de Sevilla, en la onda de la más nueva música del país. Sin embargo, ni “Goma” ni “Ajedrez” – por ejemplo – parecen ser grupos que hayan evolucionado en el sentido que lo ha hecho la música en Barcelona. El ejemplo de THE STORM es flagrante, desde este punto de vista, quedando su música en puro efectismo anclado en el “hard rock” británico de los sesenta.
VIBRACIONES nº 5, Febrero de 1975

Como apoyo a la causa no está nada mal, pero mejor aun fue su crítica, también en el nº 5, de Febrero de 1975, hablando de la mencionada actuación del grupo cuando abrieron para QUEEN. Se cerraba el artículo a doble página con el siguiente comentario:

“Quisiera dedicar unas palabras solamente a la actuación de STORM. En principio creo que se debe apoyar agente española, gente que están en una línea de música avanzada y que son precisamente los que no pueden casi ni comer, pero también ceo que hay grupos mucho mejores que STORM – mezclador de sonido al margen, que les fastidió más aun si cabe la actuación –  que debían haber hecho de teloneros de QUEEN- La tentación a Hendrix fue de pena y las versiones de Rolling muy tristes.”

Se abría en nuevo año 1975 con cierta revitalización del panorama musical, especialmente en Sevilla. Suele ocurrir que cuando una banda asoma la cabeza, hay muchas otras que van al rebufo, como ocurrió con OBUS y tantos otras siguiendo la estela de BARON ROJO y pos supuesto ocurrió con THE STORM que seguramente allanaron el camino para que apareciesen bandas como TARTESOS, MANANTIAL o los mismísimos TRIANA.  Con la banda de Jesús de la Rosa actuaron a menudo, tanto en festivales como compartiendo escenario ambas bandas. También fueron parte del mítico festival “Quince horas de pop y amor”, rebautizado por la prensa oficial como “La invasión de la cochambre” y en otros como ONDA MEDITERRANEA. De nuevo forman parte del concurso EUROPEAN POP JURY, alcanzando el sexto puesto en esta ocasión y consiguen entrar en millones de hogares españoles a través de la pantalla en blanco y negro d elas televisiones en el programa “Ahora” de TVE.

En fin, todo parecía seguir su curso, pero en Abril de 1975, cuando parte de la banda ha de hacer el servicio militar, STORM tienen que de raíz con todo lo que se pareciese al rock duro. Cambiaron la guitarra por el fusil y la melena por un ‘elegante’ peinado, cortando en seco su trayectoria ascendente. La retirada se prolongó durante dos años, durante los cuales España cambió de tal manera que los sevillanos tuvieron que asumir que su sitio lo habían ocupado otros.

Detenemos aquí esta historia, no porque no continuase, si no porque lo hizo por otro camino más cercano al rock sinfónico y progresivo, el cual me merece el mayor delos respetos, pero está muy alejado de la esencia de esta página. Queda por lo tanto para el recuerdo la leyenda de estos auténticos pioneros.

DOSSIER DE PRENSA STORM:

Este ha sido uno de los dosier que más trabajo me ha costado hacer. Creo que el porqué es evidente… España, Rock y 1974 son tres conceptos que no casan ni queriendo, de manera que imagina lo liitado de la prensa dedicada al asunto. De hecho parte del dosier son recortes dellibreto que trae la reedicion del vinilo que hizo la compañía Wha-Wha hace pocos años. En espera de recibir más cosas, esto es lo que hay….

(Para recibir el dosier escribe un comentario dando tu opinión sobre el grupo en general, el disco en particular… lo que se te pase por la cabeza. Lo importante es compartir recursos y opiniones.)

– Entrevista en DISCO EXRESS publicada en Diciembre de 1973. Una página en español.
– Presentación en la revista TRIUNFO número 618 publicada en Agosto de 1974. Dos páginas en español.
– Artículo sobre Fernández de Córdoba publicado en POPULAR1 ESpeciales A03 Enrolamiento en León.Una página en español.
– Entrevista en DISCO EXRESS publicada en Diciembre de 1972. Una página en español.
– Micro reseña del álbum publicada en La Vanguardia en 1974.Una página en español.
– Seis pequeño artículos de varios contenidos, en dos páginas.
– Presentación d ela banda en el especial POPULAR1 15H de Burgos, 1975. Cinco páginas en español.
– Publicidad.

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CRONOSETENTAS

.::TED NUGENT: “Free for all”::.

 

-Free for all – Dog eat dog** -Writing on the wall -Turn it up -Street rats -Together -Light my way** -Hammerdown – I love you so I told you a lie

Ted Nugent: Guitarra y voz en * Derek St. Holmes: Guitarra rítmica y voz en ** Meat Loaf : Voz   Rob Grange: Bajo Cliff Davies: Batería

Producido por: Tom Werman, Lew Futterman y Cliff Davies Ingeniero: Anthony Reale

Grabado en: Sound Pit Studios, Atlanta. Masterizado en: Sterling Sound Studios, Nueva York.

Publicado en Octubre de 1976.

  Esta reseña se completa con un dossier de prensa cuyo contenido y forma de conseguir vienen indicados al final del artículo.

El debut de Tio Ted en solitario tras abandonar a AMBOY DUKES, había dejado el listón muy alto. Consiguieron un contrato con la multinacional EPIC y publicaron aquellos nueve pedazos de carne cruda que revolvieron los cimientos de los Estados Unidos del lejano  1976. Lograron que ‘Derek & Krebbs’ la agencia de management que tenía en cartera a AEROSMITH, SCORPIONS o AC/DC entre otros, se ocupase de conseguirles conciertos, llegando a firmar trescientos en un solo año y en fin, parecía que las cosas no podrían irles mejor, aunque la realidad era bien distinta.

Aquel grupo era como una manzana roja y brillante en apariencia, pero a la que bastaba con hincarle el diente para comprobar lo negro que estaba su corazón y lo mal que sabía en realidad.

  El origen de aquel mal karma se encontraba en la batalla de egos que permanentemente se libraba en el seno del grupo. Según parece, las ego-peleas entre Steven Tyler y Joe Perry, Mick Jagger y Keith Richards o Ritchie Blackmore y Ian Gillan estaban a nivel de patio de colegio comparadas con las de Ted Nugent y Derek St. Holmes. Ambos mantenían una lucha constante, pero, si lo miras bien, a ninguno de los dos les faltaban argumentos para creerse con la razón de su parte.

Ted Nugent por un lado, era el líder de la banda. Eso no podía discutirse. Su nombre y no otro aparecía en las portadas de los discos y en lo alto de los carteles, era el autor de la inmensa mayoría de las canciones y en resumen, era el único miembro imprescindible en el grupo.

Sin embargo, ocurría que St. Holmes era la cara visible en los conciertos y la voz que se escuchaba en los discos, y además la única canción del primer álbum que se publicó como sencillo (“Hey Babe”) había sido escrita por Derek St Holmes.

Con ella habían conseguido el puesto 28 del Billboard 200 y fue la que dio presencia a la banda de Ted en los medios, le gustase a él o no. Además ocurría algo muy curioso, y era que en aquellas poblaciones donde no habían tocado AMBOY DUKES o donde no conocían a Ted Nugent la gente que iba a los shows porque había escuchado en la radio aquella canción y luego veía a Derek cantar y tocar la guitarra, se iba con el convencimiento de que Derek era Ted Nugent, y viceversa.

Como cabía esperar esto irritaba sobremanera al ya de por sí irascible Nugge, provocando una tensión enorme y constante: demasiado estrés, demasiada presión y demasiado trabajo. Estaba claro que había que seguir adelante y aprovechar el tirón, pero como recuerda Derek St. Homes: “empezamos esta historia viviendo juntos durante dos años consecutivos fuera de casa . Y cuando estás tan cerca de alguien durante tanto tiempo, llega a molestarte hasta la forma en que respira .”

LA GRABACION

En estas condiciones físicas y mentales, se grabó “Free for all” mediado el año 1976. Ni siquiera se detuvo la gira de “Ted Nugent” (el álbum) si no que se aprovechaban los días muertos para grabar, lo que añadía más presión y cansancio. Para acabar de enredar las cosas, Derek St. Holmes y Lew Futterman , uno de los productores que además tenía voz y voto en los asuntos internos del grupo, eran como agua y aceite.

Derek era un músico hecho en la calle, y la única actitud que entendía, era llegar y grabar. No aguantaba que nadie le dijese lo que tenía que hacer, entre otras cosas porque lo tenía perfectamente claro. Futterman sin embargo era un tipo muy quisquilloso que corregía continuamente a Holmes.

El propio Cliff Davies define a la perfección aquellas situaciones: “No sé cuantas veces Lew Futterman estuvo a dos centímetros de estrellar su puño en la cara de Derek. Todo era muy violento e increíblemente difícil…. Y me estoy quedando corto.”

Como decía, Futterman tenía poder de decisión sobre la banda, así que durante una discusión, no se sabe muy bien si echó a Derek, o fue este quien se largó del grupo, pero el caso es que, con el disco recién terminado, St. Holmes no formaba parte de la banda.

Un nuevo (y bien serio) problema asomaba en la carrera del Gonzo: necesitaba encontrar un sustituto para Derek lo antes posible, ya que tenían que presentar la preproducción del nuevo trabajo a  Epic, para que les diesen el visto bueno y poner al álbum a la venta. La solución estuvo en el dúo STONEY AND MEAT LOAF , que habían editado un único álbum en 1971, en el sello Rare Earth. No era nada espectacular, simplemente versiones de varios clásicos de rithm’n blues, pero ya en su momento habían llamado la atención de Ted, quien impresionado con la cristalina voz de Marvin Lee Aday (nombre real de Meat Loaf) alquiló sus servicios para grabar el disco.

Meat Loaf grabó los overdubs para todas las canciones. Como puede apreciarse en el álbum, era un poderoso cantante que combinaba fuerza y melodía, con un gran rango de registros y capaz de adecuar su estilo a la necesidad del momento, saliendo bien parado en cualquier caso pero de alguna forma no encajaba del todo con la dirección que la banda de Nugent llevaba en ese momento.

Además el orondo vocalista estaba realmente más centrado en rematar lo que sería su multimillonario álbum en solitario ‘Bat out of Hell’ y no se implicó demasiado en aquel asunto, que parecía algo más bien transitorio para él, así que tras decidir qué canciones de las que había grabado se quedarían en el disco, y cuales se publicarían con la versión original, la alianza se dio por terminada.

Finalmente fueron tres las personas que pusieron su voz en el disco que salió a la venta en Octubre de 1976. Ted Nugent firma todas las letras y seis de las melodías de nueve canciones. La única que él canta es la que da título al álbum y con el que abre el disco: ‘Free for all’ .Toda una descarga de poder eléctrico que marca la línea que sigue casi todo el álbum . Canciones muy crudas, rápidas e intensas, basadas en riffs bastante sencillos pero con una gran presencia de desarrollos guitarreros que cortan la respiración. ‘Turn it Up’, ‘Dog eat dog’ o ‘Street rats’, son algunas muestras de ese hard rock de alto voltaje. ‘Hammerdown’ va incluso más allá, presentándose como un trallazo de proto heavy metal, pero también hay momentos perfectamente asequibles al público más amante del rock sin etiquetas.

Light my way’, muy orientada al sonido KISS , ‘Togheter’, una powerballad en toda regla o la rockera ‘I love you so I told you a lie’ hacen de este disco algo muy variado en su conjunto, pero sin por ello perder hilo central de la todopoderosa guitarra de Ted Nugent.

Hay quien considera este álbum como una muestra de que Ted no tenía las cosas demasiado claras, y estoy dispuesto a dar crédito si lo comparamos con su disco de debut, quizá más firme y consistente, sin embargo prefiero verlo como un derroche de talento y creatividad. Seguramente hubiese sido más fácil seguir el camino empezado en el debut y hacer un disco calcado a aquel (bueno, “Writing on the wall” podría ser la hija bastarda de “Stranglehold”) pero me da la impresión de que el Nugge siempre prefirió seguir a su instinto animal por encima del camino fácil.

LA PRODUCCION

El sonido del disco es realmente excepcional aunque parece ser que el mérito se lo adjudicó quien no lo merecía.

Tom Werman y Lew Futerman, eran los nombres importantes. El primero era el hijo de un alto ejecutivo de la compañía Epic, y trabajaba como cazatalentos para la empresa, pero su ambición en realidad era la de ser productor…. o más bien figurar como tal. Aprovechaba la situación y condicionaba los contratos con las bandas a aparecer como productor de sus discos. Lo cierto es que el hombre al menos era un buen cazatalentos, ya que consiguió nombres de la talla de CHEAP TRICK, MOTHER’S FINEST, MOLLY HATCHET y por supuesto Ted Nugent.

El caso de Lew Futterman , era diferente y venía de una vieja relación con Ted en la época de AMBOY DUKES, a quienes produjo algunos trabajos. Cabe reseñar la anécdota de que él fue quien llamó a Cliff Davies para que le echase una mano en la producción del primer disco de Ted Nugent. Cliff y él se conocían de principios de la década, cuando juntos habían producido a IF, que era el grupo donde Davies tocaba la batería.

El caso es que poco antes de que entrasen a grabar, el batería en Ted Nugent era Vic Mastrianni, que había acompañado al Nugge en su aventura al abandonar a AMBOY DUKES. Pero este exigía participación en los derechos, lo cual no le hizo demasiada gracia al agarrado de Teddy, que le puso en la calle. Luego contrataron a un músico llamado Brian Stafeld, pero aunque cumplía sobradamente sobre el escenario, llagada la hora de entrar en estudio no dio la talla, por lo que Futterman sugirió que fuese Davies el que tocase la batería, y así fue como uno que llegó a echar una mano, terminó siendo co productor y batería de la banda… pero no nos desviemos y hablemos sobre Anthony Reale.

Anthony era ‘simplemente’ el ingeniero, pero jugó un papel importante en la creación de ‘Free for all’ porque conocía las mesas de mezclas del estudio como su propia piel. Casi podía decirse que había nacido con ellas. El caso es que todos los productores estaban acostumbrados a trabajar con los viejos modelos de indicadores de aguja, pero los Sound Pit Studios, fueron de los primeros que introdujeron las mesas ‘Flickinger’, que devolvían señales de led sustituyendo a los viejos vúmetros de aguja, además de usar ecualizadores paramétricos en cada canal. Como quiera que Reale se había dedicado en cuerpo y alma a aprender a manejar esa nueva tecnología, supo sacar todo el partido de quienes estaban al otro lado de la pecera. Como prueba, está la leyenda que figura en la contraportada de ‘Free for All’ donde dice: “Gracias especiales a Anthony Reale por su inspiración creadora, que supera todo lo exigido”

En resumidas cuentas, a pesar de que el mayor crédito se les da a Tom Werman y Lew Futterman, parece ser que en realidad fueron Cilff Davies y Anthony Reale los que se batieron el cobre.

Al menos eso era lo que el propio Davies le contaba al periodista Martin Popoff en una entrevista: “Werman empezó firmando en el primer disco, aunque no hizo nada en absoluto. No sabía nada de nada, nunca había pisado un estudio en su vida. Todo lo que hacía era esnifar cocaína, beber y enrollarse con la primera rockera que se le ponía a tiro. Y la mayoría del trabajo teníamos que hacerlo el ingeniero y yo, sentados día tras día haciendo los overdubs de batería. Cuando la banda tenía libres unos días en medio del tour, Rob venía y grababa algo, luego llegaba Ted y grababa algo, y luego nos quedábamos Tony y yo allí grabando las baterías y mezclándolo todo, y allí no había nadie excepto Reale y yo”.

EL TOUR.

Una vez terminada la grabación, Davies asumió el papel de batería a tiempo completo y tocó en la gira de ‘Free for all’, no sin antes negociar unas mejoras económicas, tanto para él como para Grange y St. Holmes. Según sus palabras le parecía ridículo estar en un grupo que facturaba cien mil dólares al año, mientras los músicos cobraban doscientos dólares a la semana.

Además, lo que tenían por delante sobrepasaba lo humanamente soportable. Derek & Krebs, la agencia de management que se ocupaba del grupo tenía un lema: “Aprieta mientras la plancha esté caliente’, lo que en nuestro idioma sería algo parecido a ‘Pan hecho, venta espera’, es decir: si has terminado de grabar el disco, ponte a presentarlo de inmediato… y así fue.

No hubo un descanso de la gira anterior, ni durante la grabación y toda la presión acumulada no hizo sino aumentar. Bien es cierto que en algunos casos, eso fue incluso positivo para el grupo y especialmente para el público, que veía como toda esa fricción se descargaba en escena con unos conciertos antológicos, llenos de furia.

La primera parte de la gira (a partir d ela publicación del disco) tuvo lugar en Estados Unidos, donde compartieron escenario con bandas como RUSH, FOGHAT, MONTROSE o BLACK SABBATH durante los tres últimos meses de 1976 y Enero de 1977. Hay varios piratas registrados de aquellos shows, aunque con no muy buen sonido. Puedes echar un oído sin embargo al del 10 de Diciembre en Nueva York, abriendo para BLACK SABBATH.

Ya en Febrero visitaron Europa, o mejor dicho, Inglaterra, donde a finales de mes ocuparon los escenarios de varios teatros con el cierre de dos días en el Hamersmith Odeon el 5 y 6 de Marzo de 1977. ¿Y qué dirías que estuvieron haciendo durante las primeras semanas de febrero de 1977 en Londres? ¿Bailando pogo al son de los SEX PISTOLS? ¿Comprando imperdibles y ropa en las tiendas de Carnaby Street? Pues no exactamente.

Lo que estuvieron haciendo fue ¡¡grabar un nuevo disco!!. Apenas habían pasado dos meses tras la publicación de ‘Free for All’ y la banda estaba creando su siguiente trabajo.

De tal manera, las giras se solaparían y a partir de Mayo de 1977 ya no podríamos hablar del tour de presentación de ‘Free for all’ sino del de ‘Cat Strach Fever’, que salió a la venta en esa fecha. A partir de ese momento, el impulso a la carrera de Nugge es enorme, gracias al single ‘Cat starch Fever’, y llegarían los años de mayor éxito , y aun un buen puñado de grandes discos. Sin embargo, he preferido hablar de “Free for all” por lo que tuvo de decisivo y de punto de inflexión en la carrera de Ted, que cuarenta años después, sigue dándonos alegrías…. En lo musical al menos.

Miguel. Asturias.

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DOSSIER:

Si eres habitual, ya sabes lo que hay que hacer. Si no sueles pasar por aqui, simplemente se trata de que compartas tu opinión sobre este disco escribiendo un post en este blog: cual es tu tema favorito, cual es la mejor época del grupo, si los has visto en directo…. lo que se te pase por la cabeza, relacionado con este álbum a poder ser.

Biografia (hasta ‘Free for all’) publicada en POSTER en 1982. Tres páginas en español.

Biografia publicada por ENEFR MAGAZINE en su número 10 durante Febrero de 1984. Tres páginas en Francés.

Entrevista publicada por la revista CREEM en Septiembre de 1977. Siete páginas en inglés

Entrevista publicada por la revista CREEM en Junio de 1976. Tres páginas en inglés.

Biografia publicada en VIBRACIONES en Diciembre de 1982. Cinco páginas en español.

Reportaje del Reading ’76 publicado en VIBRACIONES en Octubre de 1976. Tres páginas en español.

Biografia y entrevista en la revista ROCK & FOLK de 1977. Cuatro páginas en francés.

Reportaje publicado por POPULAR1 en el numero 111, de septiembre de 1980. 8 Páginas en español.

CRONOSETENTAS

..::THIN LIZZY: “Jailbreak” ::..

– Jailbreak – Angel From The Coast* – Running Back – Romeo And The Lonely Girl – Warriors** – The Boys Are Back In Town – Fight Or Fall – Cowboy Song*** – Emerald****

Todos los temas escritos por Phil Lynott excepto * (Lynott/Robertson) **(Lynott/Gorham) *** (Lynott/Downey) **** (THIN LIZZY)

Scott Gorham: Guitarra  Phil Lynott: Bajo y Voz  Brian Robertson: Guiutarra   Brian Downey:Batería

Producido por: John Alcock

Ingeniero: Will Reid-dick

Grabado y Masterizado en: Ramport Studios, Londres

Publicado el 26 de Marzo de 1976

Brian ‘Robbo’ Robertson se unió a THIN LIZZY en 1974, formando junto a Scott Gorham el tándem que se inspiraba en las legendarias ‘twin guitars’ de WISHBONE ASH. Desde que eso ocurriera, todo el mundo aplaudía los logros encima del escenario. Sin embargo, después de editar ‘Nightlife’ en 1974 y ‘Fightin’ un año después, aun estaba por demostrar que el rendimiento en un estudio fuese en la misma dirección. “Jailbreak” publicado en el 76, fue el álbum que terminó de convencer a los escépticos y catapultó a la banda por encima de las estrellas.

LAS CANCIONES

Daba la impresión de que algún duende de los bosques irlandeses había arrojado una maldición sobre esta banda, porque el éxito parecía huir de THIN LIZZY. Si exceptuamos el que consiguieron en su momento con ‘Wiskey in the jar’ (olvidando además que ni siquiera era un tema propio) hay que reconocer el mérito que tiene que hubiesen aguantado la publicación de seis discos de discreto resultado comercial, sin haber tirado la toalla o bien haber perdido el apoyo de sus jefes.

En cualquier caso, con este álbum consiguieron algo que hasta entonces no habían alcanzado: escribir y registrar un conjunto de canciones homogéneo, sólido y bien nivelado. Si otros discos tenían dos o tres canciones muy buenas, junto a otros números sin demasiado acierto, “Jailbreak” por el contrario, parecía un disco de ‘Grandes éxitos’.

También es de destacar la variedad de estilos que pisan las diferentes canciones. Esto fue una constante en la carrera de la banda, especialmente en los setenta, pero si cabe, en este álbum se ve más acentuado. Pasan del funk presente en “Angel from the coast” a la balada “Fight for all’ o el soft rock basado en el legado de Van Morrison en “Runnig back” sin asomo de rubor. No obstante hay que matizar que es en el puro (y duro) hard rock donde se cubren de gloria “Jailbreak”, “Cowboy Song”, “Emerald” “The boys are back in town”… ¿se puede pedir más o mejor: la respuesta es ‘no’ en ambos casos.

De los temas citados, dos se publicaron como singles : ‘Jailbreak’ y ‘The boys are back in town’.

Al respecto de esta última creo que merece la pena resaltar que había sido descartada por la propia banda, ya durante el proceso de escritura del disco. LIZZY alquilaron un pequeño local donde montaron una especie de estudio para ensayar, escribir canciones y grabar demos antes de entrar en el estudio de verdad.

Estuvieron durante cuatro semanas encerrados con una una Teac de ocho pistas y grabaron quince canciones. Sin embargo por aquel entonces ( la época del bendito vinilo) no se solían utilizar más de diez, por las limitaciones de tiempo y calidad que tenía aquel soporte. Entonces fue cuando apareció por allí Chris O’Donnell, uno de los dos managers de la banda para revisar lo que habían escrito. Scott Gorham lo recordaba en una entrevista..

“Chris O’Donell era uno de los managers, el que daba la patada en la puerta y decía “ a ver, dejadme escuchar qué carajo habéis estado haciendo aquí metidos”… ya sabes. El caso es que se empeñó en escuchar las quince canciones y después dijo: “¿Sabéis? La canción esa que tenéis ahí… llamémosla “The Boys” ¿vale? Esa canción ¿por qué está fuera de la lista? “ y no supimos muy bien qué decir… “Bueno, ya sabes… no tenemos ni idea… ¿acaso te gusta?” “Joder, claro, quiero que quitéis esta de aquí y pongáis esa en su lugar” y así fue como “The boys are back in town entró en el álbum, porque nosotros la hubiésemos descartado”.

Por lo que respecta al segundo single, ‘Jailbreak’, comentar que es la justificación de las  muchas voces que insinúan que este iba a ser un álbum conceptual. El contenido de esa canción junto al arte de la portada, y los párrafos de la contraportada y el inlay así parecen indicarlo. Incluso hubo comentarios de Scott Gorham y el ilustrador Jim Fitzpatrick en ese sentido, pero en todo caso, ‘Jailbreak’ terminó siendo un disco al uso.

Otra de las grandes canciones que contenía ‘Jailbreak’, fue la que cerraba el disco. Bajo el título de ‘Emerald’ THIN LIZZY mezclaba con inmejorable resultado el folk irlandés con el hard rock. Para las letras, Phil tomó ideas de la mitología irlandesa, algo en lo que estaba realmente interesado, y en cuanto a la música, aunque todos aportaron mucho a la canción, destaca el uso de percusión que hace Brian Downey, quien utiliza toda suerte de timbales y tambores tradicionales que, unidos a la evocadora melodía que conduce la canción, supieron plasmar en sus notas el sentimiento tradicional de su tierra.

Indicar también que ‘Cowboy Song’ se publicó como single, pero un par de años después y en la versión en directo. Fue extraída del legendario ‘Live & Dangerous’ y resulta curioso comprobar que, no fue la única versión en directo de este tema que salió a la venta. En 2.008, el bootleg “UK tour 75” fue aprobado por la banda y publicado de manera oficial. Ese disco recoge el concierto que el grupo ofrecía en el Derby College of Art and Technology en Noviembre de 1975, lo que prueba que es una canción que ya llevaba en cartera desde hacía muchos meses antes de entrar a grabar. Un dato que apunto como simple curiosidad.

LA PRODUCCION.

Como hemos dicho, en los años previos a ‘Jailbreak’, THIN LIZZY eran conscientes de lo que se traían entre manos, pero circunstancias ajenas a su voluntad habían impedido que el resto de la humanidad pudiese apreciar su talento. Decididos a capturar todo ese potencial, la banda tomó la determinación de trabajar con alguien competente y en unos estudios en condiciones, un privilegio del que hasta entonces no habían gozado. Hay que tener en cuenta que ‘Nightlife’ (1974) era la primera experiencia en estudio tanto para Robbo como para Scott Gorham, y se toparon con Ron Nevison, un productor poco dado a trabajar con principiantes, cuya actitud restó calidad al trabajo de los hacheros.

Para el siguiente álbum, ‘Fightin’ (1975), Gorham y Robertson se negaron a volver a trabajar con Nevison, y aunque la banda peleó por conseguir a otro productor (querían concretamente a Roy Thomas Baker) finalmente tuvo que ser Phil Lynnot quien asumiese el papel. Como cabía esperar, el hecho de cantar, tocar el bajo, escribir las canciones y producir era demasiado para una sola persona e hizo que el resultado final se resintiese.

Llegado el momento, se hicieron con los servicios de John Alcock en la mesa de operaciones, un productor asociado a THE WHO, concretamente a los trabajos de John Entwistle, pero que finalmente  resultó ser más fachada que otra cosa. Es decir, el disco suena rematadamente bien, pero a decir de los músicos que lo grabaron, el mérito fue más de Will Reid-Dick, ingeniero residente de los Ramport Studios. Digamos que Alcock tenía buen oído y las ideas claras, pero no sabía cómo plasmarlas en la cinta, así que se limitaba a decirle a Will Reid lo que quería y era él quien tenía que mover los micros, orientas las pantallas, ecualizar la mezcla y repetir las tomas una y otra vez, ya que Alcock apenas si puso las manos sobre la mesa de mezclas.

Alcock , eso sí, supo aconsejar y orientar a la banda para que de alguna manera, dulcificase su sonido y lo hiciese más comercial. Ajustó patrones aquí y allá y consiguió que la banda (y muy especialmente Phil Lynott) se dejase guiar por su instinto profesional. El único que nunca pudo tragar al productor fue Brian Robertson, aunque conociendo la trayectoria de este pendenciero personaje, vaya usted a saber porqué.

Bien, en todo caso, el nivel de madurez e interacción entre los miembros de la banda, también fue determinante en el resultado final. Todo el grupo estuvo presente durante el proceso de grabación y cada uno aportó un buen montón de ideas al conjunto. Las drogas aun no eran un problema y el ambiente en el seno de la banda era muy bueno.

Phil era quien más partido tomaba en todo, pero el resto de la banda y muy especialmente Gorham y Robertson también se implicaron en todo el asunto.

LA GIRA

GRAHAM PARKER & THE RUMOURS fueron el grupo encargado de abrir los shows que THIN LIZZY ofreció en el Reino Unido como promoción para ‘Jailbreak’. Fue el primer tramo de una larga gira que empezó con el año, en lugar de hacerlo con la edición del álbum. El 16 de Enero se ponían en marcha mientras la imprenta escupía copias de la carpeta de ‘Jailbreak’.

Esta situación se alarga hasta el mes de Abril, momento en el que surcan las aguas del Atlántico por segunda vez, en pos de la conquista americana. Allí compartieron escenario con infinidad de bandas americanas y (sorprendentemente) europeas:

BE BOP DELUXE, GOLDENEARRING, AEROSMITH, SLADE, THE TUBES, PAVLOV´S DOG, CHARLIEDANIELS BAND, JOURNEY, NAZARETH o la IAN GILLAN BAND, pero con quienes alcanzaron un nivel más alto de contacto fue con RUSH, a quienes unió una sólida amistad.

La gira iba cumpliéndose en sus objetivos al mismo tiempo que el álbum subía en ventas, y muy especialmente los singles, uno de los cuales (‘The boys are back in town’) escalaba puestos en las listas aunque fuese meses después de haber sido publicado.

La cosa funcionaba como una especie de retroalimentación mediante la cual, el tour hacía que el single fuese más popular, y la fama que estaba ganando la canción, hacía que la gira tuviese más afluencia de público.

Durante los tres meses anteriores las cosas no podrían haber ido mejor y de hecho, lo que venía después ya era insuperable: THIN LIZZY se unía al tour de los RAINBOW de Ritchie Blackmore, que giraban promocionando ‘Rising’ y tenían cuarenta shows firmados.

Sin embargo, el rock and roll way of life pasó facture a Phil Lynott, quien contrajo hepatitis obligando a cancelar la gira. A pesar de que se rumorea que actuaron en dos shows (11 y 13 de Junio) los comentarios de la banda apuntan lo contrario. Scott Gorham para Martin Poppoff:

“No tocamos una sola nota en esa gira porque Phil sufría hepatitis desde semanas antes del concierto en Ohio, donde el tour iba a comenzar. El día que llegamos a Ohio, Phil, colapsó por agotamiento y fue llevado al hospital, donde se le dijo que había contraído hepatitis y que tenía que regresar de inmediato a Inglaterra. Allí fue puesto en la unidad de cuidados intensivos durante un par de semanas. Fue una lástima, porque habría sido una gran gira para la banda “.

Creo que nadie va a discutir eso.

Con Phil Lynott fuera de juego, casi puede darse por terminada la gira de ‘Jailbreak’. Es cierto que en septiembre volvieron a escena, pero lo hicieron en el norte de Europa y Alemania, país en el que estaban grabando su siguiente álbum ‘Johnny the Fox’. El hiper creativo Phil Lynott había aprovechado su estancia en el hospital para escribir otro de sus grandes discos en un período de lucidez y sobriedad. Hay quien dice que las drogas ayudaban a Philo a componer sus mejores trabajos, pero una escucha a ‘Johnny the Fox’ desmonta esa teoría al instante: Philo era un genio en sí mismo y hacía las cosas bien sin necesidad de drogas.

En fin,a lo que estábamos.A estas alturas, las fechas se confunden y las giras se solapan, y si hemos empezado hablando de un tour a dos meses vista de que se publicase el álbum que promocionaba, supongo que debemos hacer lomismo ahora. final.

Miguel. Asturias

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CRONOSETENTAS

 

– Tarot Woman – Run With The Wolf – Starstruck – Do You Close Your Eyes – Stargazer – Light In The Black

Ritchie Blackmore: Guitarra Jimmy Bain: Bajo Tony Carey: Teclados Ronnie James Dio: Voz Cozy Powell : Batería Martin Birch: Productor

Grabado durante Febrero de 1976 en los Musicland Studios de Munich,

 

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“Rising” inaugura una sección dentro de Metal80. Bueno, lo de inaugurar es relativo porque CRONOSETENTAS es exactamente los mismo que las CRONOLOGIAS pero con discos de los setenta. No me he complicado la vida demasiado. El porqué de hacer esto es bien sencillo. Escribir un artículo y buscar el material de los dosieres lleva un tiempo más que considerable, de manera que no parece muy normal pasarse una o dos semanas ‘investigando’ sobre ‘Animalize’ pudiéndolo hacer sobre ‘Dressed to Kill’, o removiendo Roma con Santiago para sacar adelante algo sobre ‘Blow up your video’ teniendo ‘Let there be rock’ de por medio. No tengo nada en contra de ‘Animalize’ o ‘Blow up…’ pero disfruto mucho más de los otros, así que ¿Por qué ponerse límites? En fin, supongo que no es difícil de entender. ¿Seguirán SLAYER, IRON MAIDEN y BARON ROJO entre nosotros? Naturalmente, pero esta sección abrirá las puertas a discos como “Burn”, “Sheer heart attack”, “Lights out” o, como el caso que nos ocupa hoy, el talento hecho vinilo: “Rising”.

Tan solo hicieron falta diez días para dar vida a uno de los discos definitivos de la historia del rock. RAINBOW dejaron lista esta pieza maestra en un plazo de tiempo que solo cobra sentido cuando pensamos que en este grupo había gente con apellidos como Powell, Blackmore o Dio. El derroche de talento, creatividad y nivel técnico de este grupo en aquellos momentos era algo que escapaba a lo normal y muchos vieron en “Rising” el álbum que realmente esperaban de Ritchie Blackmore cuando este abandonó a DEEP PURPLE… en cualquier caso, ‘Rising’ ha quedado en la memoria colectiva como el trabajo más sólido del ‘Hombre de Negro’ e, insisto, una pieza clave de la historia del rock.

Como decía, “Ritchie Blackmore’s Rainbow”, el debut de la banda, había tenido una acogida inferior a la que se esperaba. Lo ciert es que era como si ELF hubiesen fichado a Ritchie Blacmore como guitarrista!! De hecho, el tour de presentación arrojaba unas cifras desmoralizadoras: que un local capaz de acoger a 18.000 personas, solo atrajese a 1.500 no era exactamente lo que Blackmore y su entrono esperaban. Sin embargo, si por algo se ha definido Ritchie a lo largo de su vida, es por no amedrentarse ante nada y hacer de la necesidad virtud, así que lo que hubiese hundido a otros músicos, para él fue un reto.

Sabía que el material que estaba escribiendo era magistral y los músicos que le acompañaban para ejecutarlo estaban sobrados de talento, así que con la banda recién completada (la inclusión de Jimmy Bain como bajista había tenido lugar tan solo tres meses antes) y varias canciones en su haber, , RAINBOW entra en los Musicland Studios de Múnich en febrero de 1976.

Algunas canciones como ‘Stargazer’ o ‘Tarot Woman’ , fueron escritas durante ensayos, e incluso presentadas durante el tour de su álbum de debut. En bootlegs como “Rainbow at Pittsburgh 11.18.75”, tres de las siete canciones que forman el repertorio pertenecen a “Rising”, cuando aun no había sido grabado ni mucho menos editado. El resto del material fue creado en un local a las afueras de Múnich que alquilaron para ensayar y componer.

Ese fue, seguramente, el principal motivo para que las cosas salieran rodadas en el estudio. De hecho el álbum está grabado en una toma en directo seleccionada de tres intentos diferentes, para lo que hubo que acondicionar unas instalaciones que no estaban precisamente actualizadas. Cozy Powell por ejemplo, tuvo que hacer derribar el hueco de la escalera para conseguir el sonido brillante y potente con el que luego nos deleitaría. Ritchie Blackmore optó por utilizar una unidad móvil, algo que acostumbraba a hacer dada su aversión por las ‘peceras’ de los estudios convencionales.

Como decía, el álbum se grabó en toma única, es decir en directo dentro del estudio. Tan solo la batería tuvo que ser re grabada aparte. Sin embargo, la rapidez en la grabación también tuvo que ver con el hecho de que Martin Birch, co-productor del álbum junto a la banda, exigiese autoridad total para hacer su trabajo. El veterano productor sabía que tenía ante sí a tres tipos muy difíciles, con criterios muy fuertes y cuyo carácter era sencillamente imposible. Sabía que si les soltaba un centímetro de cuerda, cada uno de ellos querría imponer su criterio y el trabajo no se acabaría nunca, de manera que ni Dio, ni Blackmore ni Powell pudieron decir una sola palabra al respecto. Tan solo Martin Birch al mando y Reinhold Mack (a.k.a. Mac) como asistente fueron los responsables del producto. De no haber sido así, quién sabe si hoy podríamos disfrutar de un disco como ‘Rising’.

Como anécdota, destacar que durante una pausa en la grabación, el grupo no tuvo mejor idea que ir a una pista de hielo e improvisar un pequeño set con el equipo de la banda que actuaba allí cada tarde. Puedes imaginar la cara de las familias y público en general que patinaban por allí. Ritchie lo comentaba para Circus Magazine:

“Todo el mundo se sorprendió al principio, pero la mayoría de ellos nos conocían, éramos muy famosos en Alemania . Lo que hicieron fue sentarse y disfrutar del ‘Ice-Skating Blues’ . Estuvimos allí durante una hora, y luego devolvimos las guitarras a la banda, y volvimos a patinar. Era la primera vez que patinaba, y debo decir que fue agradable. Buena diversión”.

I SEE A RAINBOW RISING…

“Rising” es un disco muy engañoso, o al menos a mí me engañó. En su momento, antes de engancharme a él, tenía la idea preconcebida de que era un trabajo barroco, un alarde de virtuosismo con interminables desarrollos instrumentales que están bastante lejos de lo que me suele gustar. Su impresionante portada, el sonido tan rico en matices, el hecho de que solo tuviese seis canciones me llevó a pensar de manera equivocada.

De acuerdo, “Rising” no es “Never mind the Bolocks”, precisamente, pero sí cabalga entre lo divino y lo humano. Es decir, toma mucho de la épica, pero mucho más del rock básico. Lo que, lejos de colocarlo en tierra de nadie como ocurre tantas veces, lo convierte en un disco dinámico y accesible, pero que dejaba bien a las claras el nivel estratosférico que encerraban sus surcos. Fue además una jugada inteligente, porque de haber tomado la senda de la épica únicamente, quizá estaríamos ante un disco difícil de digerir. Muy bueno, sin duda, pero más orientado a los amantes del rock progresivo que otra cosa. Ritchie y compañía supieron darle un giro a todo eso y acercarlo a quienes preferían estructuras más básicas (como es mi caso, lo reconozco).

A lo que vamos. El álbum abre de una forma verdaderamente grandilocuente con ‘Tarot Woman’, un delirio de interpretación vocal que escondía la clásica letra de Ronnie centrada en la magia y el ocultismo sentada sobre un riff muy bien medido, que no aturde al  oyente y además es contundente y melódico a partes iguales. Esta pieza por si misma justifica lo que comentaba antes, es decir, el que recordemos este álbum como algo mucho más épico de lo que en realidad es. Pero por si eso no fuera suficiente, tenemos ‘Stargazer’, el non plus ultra de lo legendario, la fantasía y el barroquismo musical. Su melodía de tintes árabes sirve de base a una letra que nos trasporta al Egipto de los esclavos en una apabullante interpretación por parte de Ronnie Dio.

Con solo este par de canciones (una tercera parte del álbum), Ritchie y compañía consiguieron engañarnos (engañarme), por decirlo de alguna manera, e instalar en nuestro recuerdo una idea un tanto equivocada con respecto a ‘Rising’. ¿Era en realidad un álbum tan monumental? No en mi opinión. Ojo, si vamos al nivel técnico, creativo o cualquier otra apreciación de ese tipo, la palabra ‘monumental’ se quedará corta, pero en cuanto al espíritu del disco, a la hora de la verdad está mucho más cerca de lo que Ronnie Dio había hecho con ELF de que lo que el hombre de negro había hecho antes en DEEP PURPLE.

Run with the Wolf”, por ejemplo, navega sobre un riff contundente y muy enérgico que a su vez se apoya sobre el trabajo de Cozy Powell tras su kit de batería, una de las mayores bazas ganadas con respecto a su anterior disco. La letra sí encajaría en el campo de la fantasía, pero su música está, en mi humilde opinión, bastante alejada de ese concepto.

Otro ejemplo lo tenemos en “Starstruck” donde ni siquiera la letra podría corresponder a esa categoría. Ronnie y Ritchie contaban el asunto en una entrevista promocional:

Ronnie James Dio: “Starstruck” trata de una chica real, llamada Muriel, quien ha perseguido a Ritchie durante cuatro o cinco años. Es una verdadero fan de Ritchie, apareció en su jardín en Inglaterra, ella apareció en Los Angeles creo, escondiéndose detrás de los árboles… aparecía en todas partes, así que decidí escribir sobre la chica deslumbrada y Ritchie, que era el objeto de su ‘deslumbramiento”.
Ritchie Blackmore: Ah sí, Muriel es una de esas personas… lo que Ronnie estaba diciendo, en realidad no sé lo que Ronnie estaba diciendo porque yo no estaba escuchando. Ella aparecía por todas partes. Una tarde, alrededor de las seis estaba comiendo algo en mi jardín cuando la ví moverse entre los arbustos. Allí estaba la cabeza de Muriel, y yo no lo podía creer, así que le eché a los perros encima. No la he vuelto a ver últimamente…”

Do You Close Your Eyes” también se resuelve con un riff enérgico y muy dinámico pero que no deja de ser un “tres acordes” con una letra poco habitual para los recursos de Ronnie Dio. El propio Ritchie Blackmore lo reconocía en una entrevista para Circus Magazine:

“Varias personas me han recomendado que esa canción saliese como single. Es pegadiza, e incluso cartero puede silbarla mientras hace sus rondas. Es una canción de rock muy sencilla, y el público la pillará enseguida aunque no representa para nada el lugar musical donde nos encontramos. Por otra parte, la segunda cara del disco se compone de dos canciones de nueve minutos, y tampoco estoy seguro de que sea ahí donde la banda se encuentra “

Light in the black” (originalmente llamada ‘Coming Home’) que cierra el álbum, no puede considerase tampoco dentro del campo de la espada y brujería como podría sugerir su título, dicho lo cual, cabe remarcar el espectacular desarrollo instrumental que hacen todos los miembros del grupo, especialmente Tony Carey y, cómo no, Ritchie Blackmore. La precisión que alcanzan ambos músicos en la parte final del tema hace que termines exhausto al acabar el disco.

En fin, lamento insistir pero me gustaría que se me entendiese. Cuando el mismísimo alma mater de RAINBOW tenía dudas respecto a la dirección del grupo como hemos visto en sus declaraciones, que no nos ocurriría a los demás. Creo sinceramente que este disco es una de las obras maestras más importantes de la música rock, pero me parece que pude dar lugar a cierta confusión.

En parte esto se debió como he comentado al trabajo del ilustrador, Ken Kelly. Creo que los trabajos que hizo para KISS y RAINBOW, ambos en 1976, se convirtieron casi de inmediato en sendos iconos y quedaron asociados de por vida al mundo de rock. Son dos portadas que sencillamente describen de una forma difícilmente superable e contenido que ilustran, y además tienen e l mérito añadido de ser dos polos opuestos de un mismo estilo.

Ken se molestaba en oír las canciones o leer los manuscritos a fin de captar una escena que pudiese definir el conjunto de la forma más concisa posible. De esta forma, absorbió el barroquismo y la profundidad de alguna de las canciones que daban forma a “Rising” dejándolas (en mi humilde opinión) perfectamente plasmadas en los trazos y colores de su portada. Tonos cálidos y sin demasiados contrastes que reflejan la solidez de canciones como “Tarot Woman” o “Stargazer” al 100%.

LA PROBLEMÁTICA GIRA DE ‘RISING’.

La presentación de este álbum no fue un camino de rosas. Tenían un hándicap a superar del que ya hemos hablado, que era haber fracasado comercialmente con su álbum de debut, teniendo que ver pabellones con mucho menos aforo del que el grupo merecía y los locales podían albergar, especialmente en Norteamérica.

La única forma de remediar eso era insistiendo y centrando el tour en aquel vasto país. Desde la oficina de management, se programó un tour abriendo para ALICE COOPER por Texas, el medio este y la costa oeste de Estados Unidos que fue abortado por la hepatitis contraída por Cooper. Había que actuar rápido aun a costa del riesgo que suponía para ellos (RAINBOW) ir como cabezas de cartel. La solución pasaba por elegir a unos supporters competentes y los manager vieron en THIN LIZZY la solución perfecta. La banda de Phil Lynnot empezaba a hacerse grande gracias a su magistral álbum ‘Jailbreak’ y además habían dejado el campo abonado, ya que poco tiempo antes habían girado por allí con buena acogida.

RAINBOW programaron cuarenta conciertos, entre los cuales se encontraban algunos lugares ya visitados un año antes: Allentown, New York, Hempstead, Boston, Milwaukee, Chicago o Montreal volverían a tener su dosis de Arco Iris… pero no de THIN LIZZY. El motivo: de nuevo la hepatitis hizo aparición, esta vez en el maltrecho hígado de Phil Lynnot, que privó al público de ver algo tan grande como era su banda presentando ‘Jailbreak’, para cerrar la noche con RAINBOW haciendo lo propio con ‘Rising’. Ahí es nada.

No dejaron de surgir problemas a lo largo del tour, como la suspensión de su noche en el festival ‘Norwester 76 Fest’. Debían cerrar el concierto junto a BLUE OYSTER CULT y BACHMAN TURNER OVERDRIVE, pero esos últimos no se presentaron al no cobrar por adelantado, y en consecuencia, cinco mil energúmenos invadieron y destrozaron el escenario.

Si hablamos de problemas, uno constante fue el arco iris que acompañaba al grupo en escena. Se ha hablado mucho de los quebraderos de cabeza que una réplica de Stonehenge dio a BLACK SABBATH durante la gira de ‘Born Again’, bien, pues a RAINBOW les ocurrió algo parecido con. La banda estaba empeñada en que aquel artefacto coronase los escenarios donde ellos tocaban, para lo cual tuvieron que empezar por idear un sistema que evitase las interferencias con la guitarra. El propio Ritchie lo recordaba muy bien en una entrevista a Circus:

“Lo peor de nuestro último tour fue que mi guitarra seguía haciendo los peores ruidos del mundo. El espectáculo de luz provocaba más interferencia que cualquier otro con el que haya trabajado. Sé que tienes que hacer ciertos sacrificios en ese sentido, pero aquello era ridículo. Las luces estaban generando ruido tanto como yo. He hecho construir una guitarra especial, porque además me estaba cansando de la Strato marrón. Ahora tengo una blanca con un cuello normal, palo de rosa, pero el cableado electrónico es de baja impedancia. Tenemos transformadores para aumentar mi señal y hemos aislado los cables de las luces de los de mis amplificadores …

El dichoso artefacto no solo daba problemas de ruidos si no que su tamaño se convirtió ne muchos casos en un inconveniente insuperable, llegando a cancelar conciertos porque el trasto no entraba en el local.

Terminado Agosto, volaron a Europa con unas pequeñas variaciones en el repertorio. Pasaron por varios países como Francia , Suiza, Inglaterra y Alemania. Si hay algo en este mundo que se ha exprimido, ha sido la gira que hicieron por este país, de cuyos nueve conciertos tres han sido publicados en formato integro en una interesante colección que consta de “Live In Köln 25.9.1976”, “Live In Düsseldorf 27.9.1976”, “Live In Nuremburg 28.9.1976”. Estos va por separado, pero también hay una caja que bajo el nombre “Live In Deutschland 1976” los recopila todos. Esto fue publicado en 2007 por la compañía alemana AFM Records, aunque hay otro álbum bastante anterior, concretamente de 1990 que bajo el título “Live in Germany 1976” (Connoisseur DP VSOP 155) reunía tomas de varias ciudades alemanas, siendo la mayor parte del show de Colonia el 25 de septiembre.

Aquel tour tuvo como artista invitado nada menos que a AC/DC. Los australianos acababan de publicar “High Voltage” a nivel internacional recopilando lo mejor de sus dos trabajos australianos y su compañía, Atlantic, estaba barajando la posibilidad de despedirlos por su escaso rendimiento comercial.

Posteriormente, en el mes de noviembre vuelan a Australia, con BUFFALO como banda telonera y hacen diez conciertos, en uno de los cuales, una huelga de gasolineras impide que esa noche arda la guitarra de Ritchie (verídico). “Rising” había cambiado mucho la percepción de la banda por parte del público… de hecho en la ciudad de Adelaide tuvieron que hacer un show a las cinco de la tarde ya que los de por la noche habían agotado las localidades, y la demanda de entradas era increíble.

Y si en Australia arrasaron, en Japón, la siguiente parada, no fue menos. Trece conciertos con llenos totales e incluso varios sold out de los cuales tres sirvieron como base para la edición del disco en directo oficial del grupo. “On Stage” fue el título simple y directo de un álbum que reflejaba la energía de un grupo en su momento de gloria. Las tomas pertenecían a los shows que hicieron el 8 de Diciembre en el Koseinenkin-Kaikan de Osaka y dos shows el 16 en el mítico Budokan en Tokio respectivamente.

Tras concluir la gira y la publicación del disco en directo, del que hablaremos en su momento RAINBOW volvió a sufrir una debacle en su alineación y las idas y venidas de miembros serían otra vez la tónica habitual en la biografía de la banda. Afortunadamente, esas historias están al margen de nosotros el público que tenemos la inmensa suerte de poder disfrutar de un disco como “Rising”, que seguramente estará entre los diez álbumes definitivos de la historia del rock.

Miguel.Asturias

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DOSIER “RISING”

Recopilación de artículos, reseñas y entrevistas publicados en la prensa musical de varios países, en relación con RAINBOW y su álbum “Rising” en su mayoría retrospectivos. Para conseguirlo debes escribir un post comentando tu parecer sobre el disco, el grupo en general o cualquier cosa que se te ocurra, siempre y cuando guarde relación con la banda . Recibirás a vuelta de correo un enlace para descargar el dosier.
Si tienes material de prensa que no aparezca aquí y quieres colaborar en mejorar el dosier, por favor escribe a miangarri@gmail.com

– Tourbook Rainbow 1976. 20 páginas en inglés.

– Entrevista a Tom Carey publicada en HUSH magazine nº 33 en 2009. Tres páginas en español.

– Reseña del propio Carey para el libro “The more dark than purple interview”, también publicada en HUSH magazine nº 33 en 2009. Una página en español.

– Reportaje sobre la gira de ‘Rising’ publicado en THIS IS ROCK nº 28, en Octubre de 2006. Siete páginas en español.

– Anuncio gira norteamericana de RAINBOW. Publicado en CIRCUS nº 135 en Abril de 1976. Una página en inglés.

– Reportaje publicado por CLASSIC ROCK en Junio de 2011. Seis páginas en inglés.

– Reseña publicada en CREEM MAGAZINE (U.S.A.) durante Agosto de 1976. Dos páginas en inglés.

– Entrevista publicada en la revista CIRCUS durante Junio de 1976. Dos páginas en inglés.

– Reportaje álbum publicado en THIS IS ROCK 84. Seis páginas en español.