Cronología

.::BLACK SABBATH: “7th Star”::.

– In for the Kill – No Stranger to Love – Turn to Stone – Sphinx (The Guardian) – Seventh Star – Danger Zone – Heart Like a Wheel – Angry Heart – In Memory …

Tony Iommi: Guitarra, Glenn Hughes: Voz, Dave Spitz: bajo, Eric Singer: Batería, Geoff Nicholls: Teclado

Músicos Adicionales: Gordon Copley – Bajista en “No Stranger to Love

ESTE POST SE COMPLETA CON UN DOSSIER DE PRENSA. SU CONTENIDO Y LA FORMA DE CONSEGUIRLO ESTAN DETALLADAS AL FINAL DEL ARTÍCULO.

GRACIAS A VICTOR PRAP’S POR SU AYUDA A LA HORA DE SACAR ESTE ARTÍCULO ADELANTE 😉

Comienza el “nuevo curso” para Metal80, y toca hablar de un disco tan gris en su historia como brillante en su contenido. La reseña es un resumen del capítulo correspondiente de mi libro ( Francisco Umbral dixit) “Cuatro décadas entre el cielo y el infierno” (Quarentena ediciones, 2008) y su uso obedece a que no dispongo estos días del tiempo suficiente para escribir algo nuevo y recopilar el material para el dossier. En todo caso, creo que este álbum encierra tanta historia que pasarlo por alto ha sido un error imperdonable. Supongo que sus dos principales protagonistas, Glenn Hughes y Tony Iommi también fueron conscientes de ello cuando una década después, volvieron a grabar juntos, repitiendo la experiencia en dos ocasiones, ya en el siglo XXI.

Toca trasladarse a mediados de la década de los 80’s, un tiempo confuso para una banda que ni siquiera podía ser calificada como tal en esos días, ya que si bien de cara al público no se supo de forma inmediata, la historia de BLACK SABBATH se encontraba en vía muerta desde que Gillan abandonara la banda en Marzo de 1984. El resto de miembros había decidido que lo más inteligente sería tomarse un descanso, no de la música, sino del grupo, formando diferentes bandas con la que dar salida a una creatividad que la presión de un nombre como BLACK SABBATH y todo lo inherente a él, estaba ahogando.

Bill Ward quería desarrollarse como músico, ya que daba por hecho que eso le ayudaría a su desarrollo como persona, pero no se veía capaz de hacer nada en otro grupo que no fuese BLACK SABBATH. Además, quería aprender a escribir música para plasmar sobre papel las ideas que cruzaban por su cerebro. La unión de esas dos voluntades le llevó a escribir las canciones para completar un álbum al que luego daría vida en el estudio rodeándose de amigos algún tiempo después. No fue muy diferente el caso de Geezer Butler. El bajista también utilizó aquella pausa para escribir y terminar las canciones de su proyecto, THE GEEZER BUTLER BAND, uno de los muchos intentos del bajista por sacar a la luz un material verdaderamente bueno, pero que por una u otra razón, no encajaba en BLACK SABBATH.

El señor de los riffs ilustrando HIT PARADER

Tony Iommi, el tercero en la lista, nuca había escondido su voluntad de grabar un álbum en solitario. De hecho ese proyecto se venía rumiando desde 1978, cuando Ozzy había abandonado el grupo por primera vez. Ahora su deseo se había convertido casi en una obligación. Iommi había comprado los derechos del nombre del grupo, pero junto a ellos también venían las obligaciones ya que había un contrato que cumplir con la compañía.

Para ello seguiría el método de toda la vida, empezando por encontrar personal para convertir sus ideas en sonido. Para ello, pidió ayuda a quien entonces era la persona más cercana de su entorno: su novia Lita Ford, quien disfrutaba de un discreto éxito con su grupo, gracias a álbumes como “Out for blood” (Mercury, 1983) y “Dancin’ on the Edge” (Mercury, 1984) grabados junto a diferentes músicos. Para su siguiente disco, sobre el que trabajaba en los momentos que ahora nos ocupan, la banda había vuelto a cambiar, lo que coincidió con la puesta en marcha del proyecto de Iommi , quien pidió el apoyo del bajista y el batería de la banda de su novia: Gordon Copley y Eric Mensinger.

Ambos conocían a Iommi en lo musical, ya que era el productor de las demos que Lita preparaba, pero tampoco faltó empeño por parte de los dos músicos, especialmente del batería, un fan de BLACK SABBATH desde su infancia: Para Eric, aquello significaba que el tipo de los posters que hasta hacía poco adornaban las paredes de su habitación, le pedía que tocase con él!

Todo el proceso de ensayo y composición de los temas se llevó a cabo en los Cherokee Studios de Hollywood, donde Iommi, Eric y Gordon Copley desarrollaban las ideas que su inspiración hacía brotar. Para la voz, se contó en principio con Jeff Fenholt (quien colaboraba también con Geezer Butler) como ayuda para desarrollar las melodías vocales y así hacer más sencillo el proceso de composición de las canciones. Esta formación grabó una demo que ha sido objeto de culto entre los fans. Bajo el nombre “Star of India”, contiene seis canciones completas y algunas improvisaciones.

Sin embargo, la idea de Tony Iommi no era hacer un álbum al uso, si no reunir a varias de las mejores voces del rock duro, para que cantasen en los diferentes temas. Se habló de recuperar a Ronnie Dio, y se insistió en volver a intentarlo con Robert Plant y David Coverdale, quienes como seguramente recordarás, ya habían sido tentados en al menos otro par de ocasiones. Asimismo, había dos gargantas de oro en la reserva: Rob Halford de JUDAS PRIEST y el ex DEEP PURPLE Glenn Hughes, quien también había sido considerado en los días de “Heaven and Hell”, aunque entonces se le desestimase por su condición de bajista. Precisamente fue este último quien primero acudió a la llamada. Desde que grabase el soberbio trabajo “Hughes and Trall” en 1982 e hiciese la correspondiente gira, su carrera estaba en dique seco, debido en parte a su adicción a las drogas, que se había intensificado en estos años. Esto era un serio handicap pero merecía la pena intentarlo dado el nivel que mantenía Glenn, un high-class reconocido por toda la escena del rock.

Tony y los muchachos habían conseguido escribir el material suficiente para un álbum y ya contaban con los servicios del productor Jeff Glixman. En cuanto al personal que iba a grabar las tomas definitivas que darían vida al disco, hubo ciertas variaciones con respecto a quienes se habían batido el cobre durante el proceso de creación. Eric Singer conservó su puesto tras la batería. Gordon Copley, sin embargo, fue fiel a su compromiso con Lita Ford y optó por irse con ella a Hawai, donde terminarían de escribir “The Bride Wore Black”. Una lamentable decisión teniendo en cuenta que el álbum nunca vio la luz. También se desestimó la idea original de Iommi que pasaba por llamar a varios cantantes para que colaborasen en el álbum. Cuando Glixman oyó los resultados de las dos canciones que Hughes había grabado se decidió que él haría el álbum entero, a lo que Glenn no puso la menor objeción. La vacante del bajista se resolvería gracias a la intervención de Glixmam, quien tenía el teléfono de un tipo llamado Dave Spitz a quien se conocía como “The Beast”.

BLACK SABBATH … o lo que sea

Así las cosas, llegaron los últimos días de Agosto de 1985, y el grupo abandonó los Cherokee de Hollywood para trasladarse a Atlanta, donde se pusieron manos a la obra, grabando en los Chesire Bridge Studios las canciones en las que habían estado trabajando durante aquellos meses. La transformación que los temas sufrieron con respecto a lo registrado en las maquetas fue notable en cuanto a los arreglos, aunque las bases son prácticamente las mismas. Un nuevo corte, un dibujo de guitarra, un cambio de ritmo… Pequeños detalles salpicando el conjunto aquí y allí. Sin embargo, lo que sí cambió de forma radical fueron las letras, ya que ningún material de Fenholt podía ser utilizado. Geoff Nichols fue esta vez el encargado de reescribirlas transformando títulos como “Star Of India”, “Take My Heart”, “Eye Of The Storm” , “Love On The Line” y “Chance On Love” en “Seventh Star”, “No Stranger To Love”, “Turn To Stone”, “Heart Like A Wheel” y “Danger Zone”.

A pesar de estos cambios, las melodías vocales que quedaron registradas eran prácticamente idénticas a las que Fenholt había desarrollado (algo que, por cierto, se ha encargado de reprochar en cuantas entrevistas le han hecho), sin embargo, nada de ello puede ser achacado a Hughes ya que dichas melodías también fueron escritas por Nicholls, quien se las dio a Glenn apenas se incorporó al trabajo. En realidad, Hughes no supo hasta mucho después que había habido otro cantante involucrado en la grabación. Aquello como es natural fue algo chocante para él pero la madre de todas las sorpresas llegó con el final del año, cuando Don Arden se presentó con la decisión de convertir el disco en solitario de Tony en un álbum de BLACK SABBATH. Lo último que Glenn deseaba era que su nombre estuviese impreso en los créditos de un álbum de heavy metal pero Don Arden había hablado y no había réplica posible. Iommi se había quedado sin su álbum en solitario de un segundo para el siguiente.

Sea como sea, lo único cierto y claro es que el esfuerzo llevado a cabo para sacar “Seventh star” adelante sólo puede compararse a la calidad de sus canciones. Ambos son enormes. Para empezar, Tony hace un gran trabajo como compositor, demostrando hasta que punto se equivocaban quienes veían en él a un tipo que sólo era capaz de escribir el mismo tema cien veces. Aquí firma en solitario toda la música y parte de las letras de un álbum que no se ajusta a nada de lo que hubiese compuesto hasta la fecha. No hay mucho aquí de “Masters of Reality”, “Mob Rules” o “ Born Again”, si no más bien una colección de canciones en las que prueba su versatilidad con la guitarra entrando en todo tipo de terrenos y saliendo con la cabeza bien alta de ellos. “In for the Kill” o “Turn into Stone”, por empezar de alguna forma, son dos ejemplos de como se escriben temas dinámicos, agresivos e hirientes totalmente empapados de heavy metal. El inesperado plus que le añade Glenn Hughes refuerza esa potencia con una voz en pleno estado de forma, a la que incluso se le aprecian más matices, o como mínimo unos muy diferentes de los que le conocíamos. Quizá el estar acostumbrados a oirle en una tesitura más cercana al hard rock, cuando no al funk o incluso el pop, aumentó nuestra sorpresa.

En una linea diametralmente opuesta nos topamos con dos baladas que además tienen la virtud de ser muy diferentes entre sí. Por un lado “No stranger to love” y por otro “In Memory”. La primera está claramente metida

Single editado en España

en el terreno de las “power-ballad”. Si creías que Iommi era ajeno a los sonidos comerciales, ahí está ella para demostrar que no estabas en lo cierto. La canción salió como single e incluso se hizo un video de ella, por lo que posiblemente despistó a propios y extraños al ver a Tony y sus compañeros en la MTV interpretando un tema tan alejado de lo que se esperaba de él. La segunda pieza de la que hablábamos “In memory” es igualmente una balada, pero más en la línea clásica de acústica y teclado, que le da el toque elegante al disco.

Por otra parte hay un guiño a la tradición bluesy en “Heart like a wheel”, un tema comparable a la línea que Michael Schenker seguía en “Rock you to the gound” y, como no, la ya clásica visita a paisajes épicos cercana a “Sign of the Southern Cross” o “Heaven and hell” en el tema título y su intro “Sphinx”. Sin embargo, la voz de Glenn de nuevo da una personalidad totalmente diferente de la que Ronnie Dio impregnaba con su voz a los temas que hemos citado.

Por último, el hard rock en la vieja tradición también tiene presencia, pero no te confundas. No hay nada aquí del espíritu de los setenta, si no más bien canciones en la dirección que llevaban grupos como DOKKEN o Gary Moore sin ir más lejos, totalmente metidos de lleno en los ochenta. Por lo tanto, no mentirá quien diga que el desastre que rodeó a este disco no estuvo en ningún caso directamente relacionado con los componentes del grupo, si no que venía forzado desde afuera. Si Don Arden esperaba vender millones de copias haciendo que saliese bajo la marca BLACK SABBATH en lugar de hacerlo como un álbum en solitario de Iommi, erró de largo. Si creía que con el subtítulo “Featuring Tommy Iommi” justificaba el hecho de que de todos los músicos que tocaban en el álbum solo Tony pertenecía a BLACK SABBATH, de nuevo se equivocó.

Se da un aire a Tino Casal, pero es GlennHughes.

El álbum estaba en las tiendas en Febrero de 1986. La espera desde que la entrega anterior tuviese lugar había sido larga pero había merecido la pena…Las malas noticias eran que los fans no pensaban igual, con el consiguiente bajón en las ventas, que fueron las peores de su historia. A ese problema hay que añadir otro no menos preocupante. En otras ocasiones en las que algún disco no había generado suficientes beneficios, el grupo vio compensado el problema con una asistencia a los shows entre notable y masiva. En esta ocasión sin embargo, no pudieron decir lo mismo ya que el mal recibimiento del disco, así como la incertidumbre de ver a aquellos músicos bajo el nombra de BLACK SABBATH hizo que las ventas de entradas fuesen más que escasas. Hablar de shows de BLACK SABBATH con 1.800 personas es un contradios!.

A pesar de la calidad del trabajo que Glenn había hecho en el estudio, su posición en la banda cambió radicalmente cuando llegó el tour, convirtiéndose en algo del todo antinatural. Aparte de sus problemas con las drogas, su salud se había deteriorado notablemente, había ganado mucho peso y tenía demonios internos atormentándole continuamente. Se veía forzado a interpretar un repertorio donde cada viejo clásico era un latigazo para él. Ozzy y Hughes eran amigos íntimos, y lo último que Glenn hubiese querido era sustituir a Ozzy en ningún caso. Esta presión afectaba también a sus facultades como cantante, que estaban siendo manifiestamente mejorables. Desde los primeros ensayos del tour, todos en el grupo y él en primer lugar, vieron claro que aquello no funcionaba como debiera.

Aceptemos que Hughes no estaba centrado, que las drogas le estaban dañando el cerebro, que estar sobre un escenario sin el bajo en sus manos (por primera vez en su vida) era una situación antinatural para él… Aceptemos todo eso, pero ¿y su voz?, ¿qué le había ocurrido a un cantante de su talla, que apenas unos meses atrás había hecho un soberbio trabajo en el estudio?… hay una explicación para ello.

Debemos retroceder algunos días en la historia de la banda. Justo los que nos llevan cuatro días antes del comienzo del tour, mientras aún tenían lugar los ensayos. Era una noche de tantas, en la que varios miembros del equipo estaban tomando todo lo que tenían a mano, especialmente Glenn Hughes que apenas podía mantenerse en pie. Llegó un momento en que no tenía sentido mantener al cantante allí. Un tour empezaría en breve y lo que Glenn necesitaba era descansar. John Downing, manager de producción, se encargó de que así fuera. Al parecer durante el recorrido que llevaba a la habitación de Glenn, ambos se enzarzaron en una pelea que terminó con el puño de Downing estrellándose en la cara de Glenn, a consecuencia del cual, el cantante sufrió una rotura del hueso que conforma la órbita ocular. En principio, la cosa no fue grave más allá del puñetazo en sí, es más, Glenn, con el orgullo herido, no quiso ni ponerse un trozo de hielo para bajar la hinchazón. Sin embargo con el paso de las horas, la situación se agravó, la cara del cantante se hinchó y, sin que nadie lo supiese, micro partículas óseas se alojaron en el tabique nasal de Hughes, quedando toda la parte de las cuerdas vocales llena de sangre seca. Cuando conseguía escupirla, de nuevo sangraba y una vez más aparecía el problema.

El tour había empezado, y Glenn se vio obligado a salir en los primeros conciertos con maquillaje y gafas negras para ocultar el estado de su cara. Su incómoda situación se sumaba al hecho de no poder cantar (Geof Nicholls tenía que sustituirle en ciertas ocasiones para que Glenn hiciese playback sobre su voz). Las cosas se habían puesto muy feas para la banda, cuyas reseñas en prensa eran muy malas, habiendo llegado a tener que cancelar varios shows por la pobre venta de entradas. Ni siquiera el hecho de llevar como supporters a dos bandas como ANTHRAX y W.A.S.P., cuyas carreras estaban en pleno auge, contribuyó a que la situación mejorase.

El antes y el después.

La decisión tenía que ser tomada de forma rápida y a espaldas de Glenn. Así, Dave The Beast había comentado con Iommi que conocía a un tipo sin ninguna experiencia profesional, pero que cantaba como un auténtico Dios y tenía la mejor presencia física imaginable. Su nombre era Ray Gillen y Spitz lo conocía porque lo había visto actuar en un club en la época en la que el bajista estaba con WHITE LION. Gillen había formado una banda junto a Bobby Rondinelli (bueno, en realidad había sido Rondinelli el que había montado el grupo y había escogido como cantante a Ray) y Spitz había quedado tan impactado con la voz y la presencia de aquel hombre que había ido a conocerle tras el show, pidiéndole el teléfono, por si surgía la ocasión. De esa manera y tras apenas media docena de conciertos, la etapa de BLACK SABBATH con Glenn Hughes al frente llagaba a su fin. Se abrió otra verdaderamente interesante, aunque más breve aun pero lo dejaremos para otra ocasión. Ahora, queda ponerse a escuchar aquel puñado de buenas canciones.

Miguel.Asturias.

DOSSIER DE PRENSA BLACK SABBATH.

[ A V I S O I M P O R T A N T E ]

por alguna razón que desconozco, estoy teniendo problemas a la hora de enviar correos a cuentas de HOTMAIL. En la medida d elo posible intentad dar una dirección de correo alternativa, y si no podéis y el dossier no os llega insistid en reclamarlo. Gracias

Bueno, pues si ya has pasado alguna vez por aqui sobran las explicaciones, en el caso que seas nuevo, la cosa va así: Este es una especie de dossier de prensa con páginas sueltas de diferentes revistas que en su día, hace casi treinta años dedicaron su espacio a BLACK SABBATH con motivo de la publicación de este disco o bien de las escasas actuaciones del grupo presentándolo o haciendo promoción.

Para conseguirlo, tienes que escribir un mensaje en este blog que trate sobre ese álbum, tu opinión sobre él, como lo descubriste, lo que piensas de él respecto a otros trabajos… no sé, lo que se te ocurra, que tenga que ver (insisto) con el álbum y el grupo.

CONTENIDO.

Archivo pdf de 39 páginas con un peso de 98 mb alojado en Megaupload. Cuando envíes tu mensaje a este blog, recibirás la dirección y contraseña a través del correo.
-Reportaje BLACK SABBATH publicado en HIT PARADER en 1984. Dos páginas en inglés.
-Entrevisa Glenn HUghes publicada en CHICAGO TRIBUNE en MArzo de 1986. Una página en inglés.
-Reseña del disco publicada en ENFER MAGAZINE nº 34, en Marzo de 1986. Dos páginas en francés.
-Reportaje publicado en HEAVY ROCK nº 33 en MAyo de 1986. Una página en español.
-Reseña del disco publicada en HEAVY ROCK nº 34 en Junio de 1986. Una página en español.
-Reportaje y entrevista publicado en KERRANG en Marzo de 1986. Cinco páginas en inglés.
-Noticia de la marcha de G.HUGHES. Publicado en Junio de 1986 en la revista ENFER nº37. Una página en Francés.
-Reseña del disco publicada en HARD FORCE MAGAZINE nº 02, en Enero de 1986. Una páginas en francés.
-Reportaje y entrevista publicado en METAL HAMMER Alemania en Mayo de 1986. Cuatro páginas en alemán.
-Entrevista publicada en ROCK POWER en Mayo de 1986. Una página en alemán.
-Artículo retrospectivo sobre 7th Star publicado en THIS IS ROCK nº 5 en Noviembre de 2004. Tres páginas ee español.
-Reseña retrospectiva sobre los mejores trabajos de Glenn Hughes pblicada en THIS IS RCOK nº4, Octubre de 2004. DOs páginas en español.
-Nota informativa del reemplazo de Hughes por Gillen aparecida en ENFER MAGAZINE nº 37. en Junio de 1986.
-Entrevista retrospectiva a Glenn Hughes publicada en POPULAR1 nº 348, en Octubre de 2002. Tres páginas en español.

SI TE GUSTÓ ESTE POST, PUEDES VISITAR ESTOS OTROS TAMBIÉN.

CRONOLOGIA

.::MOTORHEAD: Orgasmatron::.

– Deaf Forever – Nothing Up My Sleeve – Ain’t My Crime – Claw – Mean Machine – Built for Speed – Ridin’ with the Driver – Dr. Rock – Orgasmatron

Ian ‘Lemmy’ Kilmister, Bajo y voz Phil Campbell, Guitarra WÜrzell Guitarra, Pete Gill Batería Bill Laswell Productor

ESTE ARTICULO SE COMPLETA CON UN DOSIER DE PRENSA, CUYO CONTENIDO Y FORMA DE CONSEGUIR ESTÁ RESEÑADO AL FINAL DEL POST.

IMPORTANTE!!!!! SI TIENES MATERIAL DE PRENSA QUE NO APARECE EN LA LISTA Y CREES QUE PODRÍA SERVIR PARA MEJORAR EL DOSIER , POR FAVOR, ESCRIBE UN CORREO A miangarri@gmail.com

Contra todo pronóstico, MOTORHEAD había ganado la guerra a cuantos agoreros anunciaban un fin pronto y trágico para la banda, justo diez años antes, cuando en 1975 se escucharon sus primeros riffs. Batalla tras batalla habían ido ganando posiciones, hasta el momento en que la condición humana de aquel pequeño ejército hizo que el concepto de grupo colapsara y todo quedase sostenido por la verdadera fuerza motriz de esa banda. Después de años luchando, Lemmy había llegado a un punto en el que estaba tal y como empezó, es decir, solo y sin contrato, pero hizo cierto el refrán de ‘mala hierba nunca muere’ y no tardó en reunir una banda y conseguir una nueva compañía para publicar los discos de MOTORHEAD.

El nuevo MOTORHEAD se había materializado algún tiempo atrás, con la incorporación de Phil Campbell y Würzell  en las guitarras y el ex-SAXON Pete Gill como batería y habían dejado un excelente sabor de boca en las cuatro canciones que habían grabado para el recopilatorio “No remorse” allá por 1984. Aquel doble LP fue el último que la banda publicó en la compañía Bronze y marcó un momento de enormes cambios.

De casi todos ellos se hizo cargo Dough Smith, manager del grupo, que creó GWR (acrónimo de Great Western Road) para dar salida a los brillantes nuevos trabajos de nuestro héroe favorito… claro que Dough también siguió llevando las giras y todo el merchandising y terminó teniendo más poder sobre MOTORHEAD que cualquiera de sus componentes, Lemmy incluido. Este error lo pagaron caro, pero aún tardarían algún tiempo en darse cuenta de ello.

Lo más inmediato era editar las nuevas canciones en nuevo álbum completo de estudio, que sería el primero desde 1983. Poder mantenerse en activo durante tres años en aquella época, sin  apenas sacar material nuevo, era algo que muy pocos se podían permitir. No olvidemos que en los 80, todas las bandas sacaban al mercado un disco por año como mínimo, y había que tener una base de fans extremadamente leales para que pasase tanto tiempo sin caer en el más profundo de los olvidos. En el caso de MOTORHEAD, contaban con ese valor añadido, de modo que su actividad pudo reanudarse, casi como si nada hubiese ocurrido.

La grabación del nuevo disco tuvo lugar en los Master Rock Studios, situados en Londres, muy al comienzo del verano de 1986 y se alargó por espacio de once días. El porqué de grabar el disco en tan poco tiempo responde a dos razones. La primera fue que el hecho de llevar meses con el material preparado, les sirvió para entrar en el estudio con las ideas perfectamente claras. Sabían lo que buscaban y, lo más importante, sabían cómo plasmarlo en la grabación. No en vano en los conciertos ya incluían canciones de las que aparecerían aquí como eran ‘Built For Speed’, ‘Mean Machine’ o ‘Nothing Up My Sleeve’. De esa manera tenían una referencia de cómo sonaban aquellas canciones en directo, y cómo respondía el público ante ellas. La otra razón, como siempre era que el presupuesto de la compañía era bastante escaso y, para decirlo claro, había que aligerar.

Las canciones que llevaron a los Masters of Rock, formaban un conjunto que no desencajaba ni desmerecía en absoluto dentro de la discografía de la banda. Por primera vez desde 1980 habían conseguido escribir un álbum compacto y coherente, sin altibajos. Obviando el disco en directo, hay que recordar que ni ‘Iron Fist’, ni ‘Another perfect day‘ estaban a la altura, viéndolos como conjunto. No se puede negar que tuviesen grandísimas canciones, pero a nivel global no sucedía lo mismo. Sin embargo, en ‘Orgasmatron’ (que originalmente iba a titularse ‘Riding with the diver’) las canciones devolvían al grupo la fuerza de álbumes como ‘Overkill’ o ‘Bomber’ pero puestas al día. Eran una perfecta continuación del material nuevo que habían incluido en el recopilatorio ‘No remorse’, como la clásica ‘Kill by death’, sonando más fresco que nunca y a la vez con una agresividad que nada tenía que envidiar a bandas que por aquellos años comenzaban a despuntar. MEGADETH, EXODUS, los neoyorquinos ANTHRAX o en menor medida METALLICA, tenían sus raíces en el sonido de MOTORHEAD, y con este disco, el equilibrio entre ambos mundos era más notable que nunca. ‘Deaf forever’ por ejemplo, abre el disco como una verdadera avalancha y su fórmula aún a día de hoy es repetida por las bandas más contundentes de la escena. Qué decir del hipnótico tema que da título al disco. Otra de las canciones escritas por Lemmy en diez minutos convertida en clásico por derecho propio, que contrasta por su secuencia rítmica con la velocidad de ‘Ridin’ with the diver’ o ‘Mean machine’… son en su mayoría, canciones adelantadas a su tiempo que han servido como patrón a muchas de las bandas que hoy día lideran los festivales de Metal. Esto, por otra parte, no quiere decir que se hubiesen olvidado de sus raíces. Sólo has de escuchar la intro de ‘Nothing up my sleeve’ o el Booggie-Rock en ‘Built for speed’ o ‘Doctor rock’ (que abrió su set en directo durante años) para darte cuenta de que los cimientos que seguían sosteniendo al grupo eran los mismos que en su día le dieron vida, sin ningún tipo de complejo.

El productor esta vez fue Bill Laswell, una decisión extraña teniendo en cuenta su currículo, lleno de nombres como Fred Frith, Elliott Sharp, John Zorn, Golden Palominos, Brian Eno o David Byrne. También participó en los trabajos en solitario de Mick Jagger o Phil Collins, ganándose todos los méritos como personaje menos indicado para trabajar con un grupo como MOTORHEAD.

Paradójicamente, lo cierto es que su trabajo en el estudio fue sorprendentemente bueno. Bill consiguió un brillo en las guitarras que, combinado con la presión que venía de la sección rítmica, formaba un conjunto que resistía la comparación con cualquiera de los trabajos que hasta entonces hubiesen puesto en la calle. Todo cambió, sin embargo, a la hora de hacer las mezclas. En palabras del propio Lemmy “el álbum volvió peor de lo que se había ido”. Laswell y Jason Corsaro (su ingeniero) volvieron a Nueva York para masterizar las cintas y allí, en ausencia de los miembros del grupo, pusieron y quitaron donde les vino en gana. Eliminaron parte de las armonías que los guitarristas habían grabado y algunas voces dobladas de Lemmy, cargaron de efectos la batería y, en fin, añadieron y cortaron a su antojo con un resultado totalmente insatisfactorio para la banda.

Los problemas no habían hecho más que empezar, también la distribución del disco trajo quebraderos de cabeza. El nuevo álbum tardó demasiado en salir a la venta. Lemmy y Wurzel hicieron un tour de presentación por varias radios entre el 6 y el 9 de julio, y el  disco no salió hasta mediados de agosto, que además no es precisamente el mejor momento para poner un disco en el mercado. El impacto inicial de la salida, por lo tanto, quedó un tanto deslucido, a lo que se añadió el problema que muchas tiendas tenían para conseguir copias. Finalmente, el inicio del tour de presentación se retrasaría hasta mediados de septiembre, así que el verano, como de costumbre, lo dedicaron a los festivales. Ya habían participado en uno itinerante que, en los meses previos al estío, les llevó por Alemania, Holanda y Dinamarca. Aquel festival se celebraba durante siete días bajo el nombre ‘The Easter Metal Blast’, pero la cita más importante llegaría en agosto, cuando formaron parte de un evento histórico. El festival MONSTERS OF ROCK en Donington Castle, que sirvió para dejar bien claras dos cosas: La primera era que, con una formación totalmente reestructurada, un disco nuevo y una nueva compañía, nada en absoluto iba a cambiar en el espíritu del grupo. La segunda cosa que demostraron, era que su base de fans es tremendamente leal. Si bien tuvieron que parar su show durante cinco minutos debido a los lanzamientos por parte del público de objetos que pusieron en peligro el equipo de escena, al final recibieron una ovación que les obligó a salir a hacer un bis y encima doble, algo de lo que no muchos participantes en Donington pueden presumir.

El tour de ‘Orgasmatron’ propiamente dicho no comenzó hasta el mes de septiembre. El día 14 ofrecieron en el Mayfair de Southampton el primero de una serie de nueve conciertos, que serían los que darían firma al primer tramo del tour. Teniendo en cuenta que empezaban en casa, resulta una cantidad de fechas un tanto escueta, sin embargo la banda iba a por todas. Dough Smith diseñó un artilugio para montar en escena, que buscaba impactar al público como en su día lo hiciera el mítico bombardero, pero esta vez todo quedó en una situación digna de la película ‘This is Spinal Tap’. Se trataba de un montaje imitando el tren que ilustraba la portada del disco. Estaba posado sobre unos raíles y en su parte delantera se situaba la batería. La idea era que durante los conciertos, la locomotora se moviese adelante y atrás, pero no contaron con que ningún escenario tenía la profundidad adecuada para que el efecto fuese apreciado, de manera que cada noche tenían que devolverlo al trailer de transporte hasta que desestimaron la idea. Como era de esperar, el tren no viajó a Estados Unidos, donde una vez más, terminaron el año. Treinta y dos shows en poco más de un mes en los que, desde el primer día no faltaron los problemas. Esta vez fue el manager de la banda telonera el que consiguió sacar de quicio a MOTORHEAD. El grupo no era otro que MEGADETH. Este grupo estaba en un muy buen momento con el álbum ‘Peace sells but…who’s buying?“ en el mercado, y quizá su jefe debió pensar que tenía derecho, entre otras cosas, a intentar evitar que MOTORHEAD utilizara su propio camerino o a que su banda se retrasase en la prueba de sonido hasta el punto de pisar el tiempo de prueba de MOTORHEAD. Por supuesto, aquel tipo se libró por los pelos de ser apalizado por los técnicos de MOTORHEAD y la banda fue expulsada del tour tras la primera noche. El manager se ocupó de airear en la prensa americana las supuestas malas condiciones a las que la banda de Dave Mustaine estaba sujeta y de decir un montón de mentiras más, pero todo quedó claro entre ambos grupos, cuando poco después el propio Mustaine pidió disculpas personalmente a Lemmy, a pesar de no ser culpable. Por cierto, el manager ya había sido despedido.

El tour contó finalmente con la banda hardcore CRO-MAGS en parte de la gira, siendo MERCYFUL FATE y EXCITER los invitados en el resto de los shows. De vuelta a Europa, hicieron quince conciertos en Alemania que les condujeron hasta el final del año, momento en el que comienzan a dar pasos en una nueva dirección. Resumiendo pues esta etapa que nos ocupa ahora, encontramos que ‘Orgasmatron’ fue el primer álbum (y único) de la nueva formación y también el primero para la nueva compañía, la GWR, que lo sería durante varios años. Ellos se crecieron ante la dificultad construyendo sobre barro el bloque más compacto y sólido en años, y aunque quizá entonces no supimos apreciarlo, el tiempo se encargó de hacer justicia a este disco.

Miguel. Asturias

 

Bueno, pues si ya has pasado alguna vez por aquí sobran las explicaciones, en el caso que seas nuevo, la cosa va así: Este es una especie de dossier de prensa con páginas sueltas de diferentes revistas que dedicaron su espacio a MOTORHEAD con motivo de la publicación de este disco .

Para conseguirlo, tienes que escribir un mensaje en este blog que trate sobre ese álbum, tu opinión sobre él, como lo descubriste, lo que piensas de él respecto a otros trabajos… no sé, lo que se te ocurra, que tenga que ver (insisto) con el álbum o el grupo.

DOSSIER ORGASMATRON.

– Reseña del álbum publicada en la revista METAL FORCES nº 18, en 1986. Una página en inglés.

– Reseña actuación en L.A. publicada en la revista ROCK BRIGADE nº 33, en 1986. Una página en portugués.

– Reportaje actuación en Londres publicada en la revista POPULAR1 en Noviembre de 1986. Cuatro páginas en español.

– Entrevista aparecida en CRASH magazine nº 7 durante Agosto de 1986. Dos páginas en alemán

– Reportaje fotográfico y entrevista con la nueva formación publicado en KERRANG extra durante 1985. Seis páginas en inglés

– Reportaje fotográfico y entrevista con Würzel publicado en KERRANG extra nº4 durante 1985. Dos páginas en inglés

– Test musical a Lemmy y Würzel publicado en CRASH Magazine, en Octubre de 1986. Una página en alemán.

– Entrevista a Lemmy publicada en Crash Magazine nº 9, en Septiembre de 1985. Cuatro páginas en alemán.

– Entrevista a Lemmy publicada en Crash Magazine nº 1, en Enero de 1987. Cuatro páginas en alemán.

CRONOLOGIA

25.::TESLA: ‘Mechanical resonance’::.CRONOLOGIA-TESLA-00

EZ Come EZ Go – Comin’ Atcha Live – Gettin’ Better – 2 Late 4 Love – Rock Me to the Top – We’re No Good Together – Modern Day Cowboy – Changes – Little Suzi – Love Me – Cover Queen – Before My Eyes

Frank Hannon – Guitarra, coros Jeff Keith – Voz   Brian Wheat – Bajo  Troy Luccketta – Batería  Tommy Skeoch – Guitarra, coros

PRODUCCION – Steve Thompson / Michael Barbiero
INGENIERO(S) DE SONIDO – Michael Barbiero / Ken Lonas (Asistente)
Grabado en los Bearsville Studios, N.Y.
Publicado durante Diciembre de 1986.

ESTE ARTICULO SE COMPLETA CON UN DOSIER DE PRENSA, CUYO CONTENIDO Y FORMA DE CONSEGUIR ESTÁ RESEÑADO AL FINAL DEL POST.

IMPORTANTE!!!!! SI TIENES MATERIAL DE PRENSA QUE NO APARECE EN LA LISTA Y CREES QUE PODRÍA SERVIR PARA MEJORAR EL DOSIER , POR FAVOR, ESCRIBE UN CORREO A miangarri@gmail.com

CRONOLOGIA-TESLA-04

Jeff Keith, el líder del asunto.

Finales de 1986, unos tiempos sin apenas términos medios. Por un lado, las hairbands reventaban los charts inundando de laca y brillantina nuestros equipos de música, y por otro los thrashbangers más peligrosos aportaban sangre y velocidad. No obstante, la industria vivía momentos de gloria (el CD aun no era masivo e internet no existía) y había un sector del público que tenía sus preferencias puestas en la tercera vía. Eran los fans de aquellas viejas bandas de hard rock 70’s como UFO, BAD COMPANY o AEROSMITH que sin duda vieron en TESLA al grupo de la década o casi.
Brian Weath (bajista) y Frank Hannon (guitarra), empezaron con el grupo en un instituto de Sacramento allá por el 84 bajo el nombre de CITY KIDD, y permanecen como dúo hasta que en el 85 se les unen Jeff Keith a la voz y Tommy Seock como guitarra. Algún tiempo después el batería Troy Licketta completa la formación y empiezan a componer canciones y dar algunos conciertos en su zona. Hasta aquí todo normal. Sin embargo, su suerte cambia de manera radical poco después, cuando conocen a Teresa Ensenant, la A&R que alzó a bandas como GUNS AND ROSES o JANES ADDICTION. Es ella quien les presenta a Tom Zutaut, quien queda tan impresionado con la banda que les ofrece un contrato en Geffen Records.

CRONOLOGIA-TESLA-03

La banda en acción

La idea era grabar un álbum, para el que les da un plazo de un año en el que tendrían que escribir y preparar. Imaginad a cinco chavalines, uno de los cuales tenia ¡17 años! con esa oportunidad ante sus ojos… evidentemente NO PODÍA salir mal: tenían el talento y tenían los medios, y matarían antes de que el disco fuese malo, eso seguro. Bien, a los hechos me remito, estamos ante un debut impecable , que mucha gente considera como su mejor obra, y la verdad es que razones no les faltan.
Steve Thompson y Michael Barbiero fueron los encargados de dirigir a estos muchachos en los Bearsville Studios de Nueva York, donde tras aproximadamente tres meses de trabajo escribiendo temas y desarrollando ideas previas, arreglos y demás, dan vida a las doce canciones que, como decía antes, están imbuidas del espíritu hard rock de los setenta, aunque absolutamente puestas al día. Tanto es así que aun hoy siguen funcionando igual de bien que en el lejano 1987, el rock clásico tiene la virtud de ser atemporal, y aquí puedes encontrar muchas y muy buenas muestras.

CRONOLOGIA-TESLA-06

Troy likketa, el hombre tras los palos

Canciones hechas para estadio con estribillos megalíticos como la que abre ‘EZ comes EZ goes‘ o la siguiente ‘Cumin’ watcha live‘ que dan una idea clara , nada más empezar el disco de las posibilidades y las pretensiones de la banda. Intros de directo excesivas (en el buen sentido) para esos dos temas, entradas engañosas semiacústicas que desembocan en auténticos homenajes al rock más puro, como ‘Gettin better’ y ‘2 Late 4 love’, con estribillos para gritar en medio de un festival hasta acabar roto. Guiños a los DEF LEPARD más FM en ‘Rock me to the top’, ‘Love me‘ o ‘Modern Cowboy‘, una power ballad en clave de blues arrastrado como es ‘We’re no good together’ que parece firmada por los Toxic twins , temas más lentitos como ‘Changes‘ o la preciosa ‘Little suzi’…todo ello aderezado con la voz de Jeff, tan particular como inolvidable. No sé que más se le puede pedir a un debut, habiendo bandas incapaces de firmar un disco así después de diez años tocando.

CRONOLOGIA-TESLA-05

La banda recien levantada, a juzgar por sus caras.

Tuvieron que esperar algún tiempo, e incluso volver a sus trabajos en fábicas para pagar las facturas (la vida es así) pero una vez el disco estuvo lo bastante rodado, y con ‘Modern Cowboy song’ en el ‘Hedbangers ball’ de la MTV como promoción, la banda se embarcó en un tour que les llevó en un principio a abrir para DAVID LEE ROTH, para después hacer varios shows ellos solos y terminar abriendo para ALICE COOPER y DEF LEPPARD. A partir de entonces no necesitaron volver a pringarse de grasa en talleres de mala muerte y la música llenó por completo sus vidas, con lo que creo que la humanidad salió ganando.
Miguel. Asturias

DOSSIER DE PRENSA TESLA:

Me estoy llevando sorpresas mayúsculas a la hora de hacer ciertos dosieres. Una banda que durante tanto tiempo estuvo en los medios escritos dia sí y día también (y que de hecho siguen apareciendo a menudo a dia de CRONOLOGIA-TESLA-02hoy) resulta que en el momento de dar el primer paso, pocos apostaron por ellos y en España concretamente ninguno. Incluso una revista como Popular1, que no ha dejado de darles espacio y hablar de ellos como si fuesen su descubrimiento, los obviaron por completo en el mmento de su d ebut. No he sido capaz de encontrar ni una triste resñea… en fin, supongo que la compañia, quee ra la que pagaba, prefirió otros mercados como el alemán,el francés, el inglés o por supuesto el norteamericano…
Sea como sea, ya sabes, para recibir el dosier escribe un comentario dando tu opinión sobre el grupo en general, el disco en particular… lo que se te pase por la cabeza (relacionado con TESLA, obviamente). Lo importante es compartir recursos y opiniones.
-Artículo publicado en CIRCUS MAGAZINE durante Mayo  de 1987. Una página en inglés.
-Reseña del álbum publicada en ENFER MAGAZINE nº46, durante marzo de 1987. Una página en francés.
-Artículo publicado en Metal Attack nº 03 durante 1987. Tres páginas en alemán
-Reportaje show con Def Leppard en Francia publicado por HARD ROCK MAGAZINE durante 1987. Una página en francés.
-Artículo publicado en CIRCUS MAGAZINE durante Mayo de 1990. Cuatro páginas en inglés.
-Artículo publicado en KERRANG durante Octubre de 1987. Una página en inglés
-Entrevista publicada en METAL HAMMER UK nº 7 durante Julio de 1987. Dos páginas en  inglés.

CRONOLOGIA

.::SENTINEL BEAST: “Dephts of Death”::.

CRONOLOGIA-SENTINEL-BEAST-00

– Depths Of Death – Mourir – Dogs Of War – Corpse – Evil Is The Night – Sentinel Beast
-Revenge – The Keeper – Phantom Of The Opera

Debbie Gunn – voz Barry Fischel – guitarra Mark Koyasako – guitarra Michael Spencer – bajo Scott Awes – Batería
PRODUCCION – Bill Metoyer, Sentinel Beast
INGENIERO(S) DE SONIDO -Bill Metoyer,Bryan Carlstrom, Ken Paulakovich
PRODUCCION EJECUTIVA – Brian Slagel
Grabado en los Track Record Studios, Hollywood, California
Publicado durante Junio de 1986.

CRONOLOGIA-SENTINEL-BEAST-01

Debbie Gun a mediados de los 80

SENTINEL BEAST son una banda californiana (de Sacramento para ser más precisos) que se formaron en 1984, cuando el thrash metal estaba en una trayectoria ascendente que se adivinaba imparable.
Tenían al frente a una mujer, Debbie Gunn, lo que les daba un punto exótico, ya que si la presencia de mujeres en el heavy metal no era muy abundante por aquel entonces, en el thrash hablamos de casos contados (HOLY MOSES, DETENTE, BOLTHROWER y poquito más).
La banda siguió los pasos repetidos en miles de ocasiones, escribir-ensayar-actuar, hasta que una de sus demos (grabaron tres antes de este disco) cayó en manos de Kerry King, guitarrista de SLAYER quien hizo posible que la banda entrase en el catalogo de la compañía más importante del género, Metal Blade Records.

Brian Slagel decidió hacer un contrato a la banda y en ese estado de cosas, ve la luz este ‘Dephts of death’ un disco que, a pesar de ser un sólida pieza del género, tuvo el inconveniente de ser editado en medio de un mar de trabajosque actuaron como muro de contención. Bastaría decir que METALLICA, SLAYER y MEGADETH ponían en el cargador “Master of Puppets”, “Reing in blood” y “Peace Sells… but whos buying” respectivamente…. pero eso no era todo.DARK ANGEL, ONSLAUGHT, KREATOR, FLOTSAM & JETSAM, ANGEL DUST, DESTRUCTION…aquel año hubo una avalancha de discos  de thrash metal que provocó que toda aquella banda que no tuviese como meta comerse el mundo a dentelladas, quedase en una eterna segunda fila, aun mereciendo mucho más en realidad.

CRONOLOGIA-SENTINEL-BEAST-03

SENTINEL BEAST jugaba en esa liga, y su disco de debut terminó por diluirse pasando sin la atención que merecía por parte del público. Ahora podemos remediar ese inconveniente, de acuerdo, pero en su momento muchas personas se vieron privadas de poder disfrutar de uno de los discos más intensos de aquel año. Un disco con un perfecto equilibrio entre las partes agresivas y melódicas, y sobre todo un notable estilo a la hora de escribir e interpretar. Sus influencias europeas (me refiero al sonido heredado de la NWOBHM) son muy marcadas y especialmente las de los primeros IRON MAIDEN, los de Paul Dianno.
No es solamente (que también) por la magnífica versión de “Phantom of the Opera” que cierra el disco, si no que tenemos ejemplos más que claros en la práctica totalidad de los temas que componen “Dephts of Death“.
Desde el dibujo de guitarra de “Corpse“, muy similar al de “Transylvania” a las “cabalgadas” de “The Keeper“, la épica intro de “Dephts of death” o el dibujo de bajo en “Mourir“, la presencia del espíritu de IRON MAIDEN es constante ya que utilizan (acertadamente, esa es la verdad) muchos de los standares creados por la banda inglesa en sus dos primeros discos.

Para empezar, todos los temas están escritos en base a constantes cambios de ritmo. Hay muy poco de lineal en las canciones de este grupo, que no tiene el menor reparo en explorar terrenos casi épicos en medio de una tormenta de thrash metal, rebajar la velocidad a la cuarta parte que llevaba antes y luego retomar el riff de la manera más agresiva imaginable.
La modulación de la voz de Debbie, especialmente en los cierres de frases, va muy en la línea que popularizó Paul Dianno.
Otras canciones sin embargo, están mucho más cercanas al thrash más purista, ya sea por su rapidez, o lo agresivo de sus dibujos. Algunas que podrían citarse serían “Evil is the Night”, “Revenge” o “Sentinel Beast”, CRONOLOGIA-SENTINEL-BEAST-02mucho más cercanas a la rama europea del género, representada sobre todo por bandas alemanas como SODOM o KREATOR.
La publicación del disco les hizo ganar mucha presencia en la escena, como es lógico, y les sirvió para compartir escenario con la élite de aquellos días: MEGADETH, SLAYER, EXODUS etc, aunque la carrera del grupo se vio cortada de repente cuando Michael Spencer se unió a FLOTSAM & JETSAM, una vez que el bajista de estos, Jason Newsted se fue a METALLICA.
La historia del rock esta escrita muchas veces a base de injusticias e infravaloraciones, y esta es sin duda una de ellas.

Miguel.Asturias

CRONOLOGIA

.::DAVID LEE ROTH:’Eat em and smile’::.

– Yankee Rose – Shy Boy – I’m Easy – Ladies’ Nite in Buffalo? – Goin’ Crazy! – Tobacco Road – Elephant Gun – Big Trouble – Bump and Grind – That’s Life

Gregg Bissonette: Batería David Lee Roth: Voz Billy Sheehan: Bajista Steve Vai: Guitarra Jeff Bova: Teclista Jesse Harms: Teclista Sammy Figueroa: Percusión Waters Family: Voces

Publicado el 7 de Julio de 1986.

Grabado en The Power Station, N.Y. y Fantasy Studios, Berkeley

Ted Templeman: Productor

Ingenieros Jeff Hendrickson, Lee Hersberg, Michael Christopher, Tom Size y Michael Bowman

Esta reseña se completa con un dossier de prensa cuyo contenido y forma de conseguir vienen indicados al final del artículo.

“Como tantas otras bandas, tuvimos nuestras diferencias en cuanto a la línea a seguir en nuestra carrera, y decidimos tomar caminos separados. Bien, dos semanas después de anunciarlo, leo en la Rolling Stone sobre lo gilipollas que soy y como el pobre Eddie ha tenido que vivir doce años de su vida en una mentira, y ahí está su mujer para respaldarlo… He permanecido callado durante estos seis meses, leyendo cantidad de mierda. No creo que sea necesario elegir, pero por alguna extraña razón, que parece fruto de una mente retrasada, VAN HALEN así lo quieren. Quieren que el público elija. Vale, acepto el reto: si tenemos que hacer comparaciones, te comeré para desayunar, colega. Te comeré y sonreiré”

Quien así hablaba no era otro que David Lee Roth en una rueda de prensa ofrecida en Toronto durante 1986, casi dos años después del último concierto de la gira que VAN HALEN celebró para promocionar su álbum ‘1984’, en aquella ocasión, como parte del cartel MONSTERS OF ROCK.

Dicho concierto había tenido lugar en Núremberg, el 2 de Septiembre, y desde entonces habían sucedido muchas cosas. Aquel día, cuatro músicos volaron desde Europa a sus respectivas mansiones en Estados Unidos con ideas bien diferentes: tres de ellos tenían la sana intención de darse un respiro cuanto más prolongado mejor, pero el cuarto estaba decidido a aprovechar el momento. A pesar de lo que pueda parecer, David Lee Roth era un auténtico adicto al trabajo y no podía entender una postura que pasaba por relajarse en un momento como aquel, con todo el mundo a sus pies, pero así eran las cosas. Trascurrido un tiempo razonable y llegada la hora de ponerse a trabajar en la continuación de ‘1984’, Roth se encontró ante un muro:

“En las primeras cinco semanas en las que nos metimos a trabajar, ensayamos solo tres veces. Siempre había alguno que no se podía levantar de la cama, o teníamos una pelea o habían bebido demasiado la noche anterior o cualquier otra cosa… así que yo me lo tomé con filosofía y les dije: ‘hey, no voy a seguir perdiendo el tiempo, quiero comerme el negocio, Quiero hacer cosas, quiero llegar a algo…’ ellos se quitaban del medio con un okey, okey … así durante demasiado tiempo”

  Fue entonces cuando el cantante concibió la idea de grabar un trabajo en solitario que le alejase un poco del estado de cosas al que VAN HALEN habían llegado. Entendámonos. No me refiero a las ventas y los ingresos económicos. Está claro que cuantos más millones de dólares tuviese en la cuenta corriente, tanto mejor. Lo que quiero decir, es que VAN HALEN querían continuar el camino emprendido en el 84: únicamente giras de estadios, colaboraciones con MICHAEL JACKSON o Brian May, singles con teclados que pisaban las guitarras… es decir, un endiosamiento que les ponía en una dimensión totalmente alejada de la realidad.

La idea de David iba en otra dirección. Su pasión por el mundo del espectáculo le llevaba de manera inevitable a fijarse en los crooners de Las Vegas, los teatros de Broadway, los excesos, las luces y en definitiva, el entretenimiento, pero visto desde el lado artístico por encima del empresarial.

Cuando anunció sus intenciones, sus compañeros no le tomaron en serio, y menos aun cuando dijo que haría, entre otras, versiones de ‘Just a gigolo’ o ‘California Girls’. De alguna manera entendieron que solo podía ser otra de sus fanfarronerías fruto del aburrimiento que le producía el prolongado descanso de la gira anteriormente mencionada.

“En tres meses grabé el disco, lo mezclé, me fui a la jungla, volví, filmé el video de ‘Just a gigolo’, descansé, me corté el pelo…’ David Lee continúa: “ después de hacer el video me dije ‘vamos a darles otra oportunidad’ volví al estudio y de nuevo no salimos adelante. Propuse editar una recopilación con un par de temas nuevos y hacer una gira, pero tuve el no por respuesta. Lo mismo sucedió cuando propuse publicar un disco en directo, y esto sucedió una y otra vez hasta que yo finalmente dije: bien, pues que venga otro”

El asunto terminó perdiendo la gracia (a vista del resto del grupo, claro) cuando Dave Lee Roth alcanzó con ‘Crazy by the heat’ (el maxisingle que finalmente publicó en 1985) nada menos que el puesto nº 15 en el Top Billboard 200, y la versión de ‘California Girls’ que tanta gracia les había hecho a sus aún compañeros, el puesto nº 3 en la lista de singles.

Unas ventas que superaban los dos millones de copias, pudieron más que la promesa de un nuevo disco con VAN HALEN, máxime cuando todo seguía aún en el aire. Así las cosas el 1 de Abril de 1985 se anunció de manera oficial la ruptura entre Dave Lee Roth y el resto de VAN HALEN.

LLAMANDO A LAS PUERTAS DE HOLLYWOOD.

¿Iba a ser ‘Eat ‘em and smile’ la banda sonora de una película? desde luego, sobran razones para pensar que sí, y me explico: ‘Crazy by the heat’ , el maxisingle publicado en 1985 por DLR, fue poco más que un divertimento, pero impulsó muchos proyectos y abrió la puerta a una serie de ideas que, aunque terminaron cuajando en el disco que nos ocupa ahora, no eran las únicas que en principio estaban en la cabeza de Dave Lee. La filmación y los resultados de los videoclips promocionales de ‘California Girls’ y ‘Just a Gigolo’ habían despertado el interés de Dave hasta tal punto, que junto a Pete Angelus formó un equipo de producción cinematográfica bautizado como The Picasso Brothers.

Así lo contaba en una entrevista con la periodista Arlett Vereecke, que publicaba POPULAR1 en Mayo de 1986: “Mi socio Pete Angelus y yo escribimos el guión y vamos a dirigirla, yo voy a ser el protagonista, estoy haciendo la banda sonora y por ello estamos en el estudio con Ted Templeman, tengo a toda la banda lista y estamos ensayando en el sótano de mi casa”.

Pete Angelus era un viejo conocido. Llevaba trabajando con VAN HALEN desde 1980 en puestos que iban desde director artístico a diseñador, pasando por director de luminotecnia en las giras. Además era el director de los videos de ‘Jump’ y ‘Hot for the teacher’, así como los dos mencionados de Dave Lee. La idea por tanto, era hacer una especie de comedia musical con Diamond Dave como protagonista, en la que él aportase su talento como músico y comediante, y Angelus su destreza como cineasta. Todo parecía ir bien, incluso se había hecho una rueda de prensa para presentar el proyecto, pero finalmente, CBS Films, que era la principal promotora del asunto echó el freno al proyecto y todo quedó en eso: un proyecto. Los 20 millones de dólares que alcanzaba el presupuesto tuvieron bastante que ver, según parece.

A la vista de los video clips, me da la impresión de que el mundo del cine no perdió nada que fuera a cambiar su rumbo. Sin embargo nosotros, el público, ganamos una de las mejores bandas de la década, ya que, como todos sabemos, el grupo que iba a grabar el disco, y las canciones que lo componían, sí salieron adelante. En principio se jugó con la idea de hacer dos álbumes por separado, uno de ellos sería este, y otro con la banda sonora, pero finalmente se resumieron en uno solo. Dave Lee Roth en Kerrang:

“Sí, la canción que iba en los créditos de apertura (el reparto, vaya) era ‘Shyboy’, lo que te dará una idea de qué clase de película iba a ser, era algo como nunca se había visto. Quisimos arrancar con la canción más desfasada que encontramos… eso es actitud!” y continúa “ luego había material de banda sonora, lo que se dice ‘música ambiente’ por ejemplo, cuando los coches están en la carretera y la música no es realmente una canción, es una especie de relleno’.

En fin, todo apunta a que el disco que finalmente se publicó, iba a ser, efectivamente, la banda sonora de ‘Crazy by the heat’ (la película) o al menos parte de ella. De hecho, escuchándolo con un poco de detenimiento, todo encaja perfectamente. Las letras, la música, o el hecho de que hay tres canciones ajenas (lo que en un disco como este, que dura media hora clavada, es un porcentaje estimable… ) hacen que esa posibilidad no sea tan descabellada.

DAVID LEE ROTH, LA BANDA.

Pero dejemos aparte las especulaciones y ciñámonos a ‘hechos probados’. Los músicos que habían participado en el maxisingle de 1985 eran tan buenos como desconocidos (al menos para mí). Eddie Martinez y Sid Mc Ginnes como guitarristas, el bajista Willie Weks y los baterías John Robinson y Sammy Figueroa hicieron un trabajo brillante, pero no servían (dicho sea con el mayor respeto) para enfrentarse en un ring con un peso pesado como era VAN HALEN. Para poder pelear en igualdad de condiciones había que montar un grupo sólido como la roca que respaldase el trabajo de Roth como frontman y que contase con la ‘bendición’ de un público que mayoritariamente vendría del rock duro.

Billy Seehan, el bajista, fue el primero en pisar la casa de Diamond Dave. Su primer contacto con Dave Lee Roth tuvo lugar en 1980, cuando VAN HALEN presentaban su álbum “Women and children first” y TALAS, la banda de Billy, abrió para ellos varios shows. Aquel era un grupo sólido pero sin suerte que seguían intentando salir adelante. Billy:

“Progresábamos en la misma dirección que todo el mundo lo hacía. Llegamos a un punto en el una gran cantidad de compañías se interesaron por nosotros, nos hicieron ofertas pero terminaron rompiendo sus promesas. Sin embargo nosotros seguíamos mejorando y trabajando. Sabíamos que no iba a ser un trabajo fácil … estaba lejos de eso. … finalmente tuve que reemplazar a dos de los chicos originales con otros chicos. La banda era buena, pero simplemente no era lo mismo, así que cuando David Lee Roth llamó, pidiendo reunirme con él, me dije: “Bueno, la única banda que lo pensaría alguna vez de dejar de TALAS es VAN HALEN, así que si David Lee Roth llama, supongo que se aproxima bastante “(risas). Estaba hecho “.

La elección del guitarrista fue casi tan directa como la había sido la del bajista. En principio se tomó como opción contratar a Steve Stevens, el guitarrista del grupo de Billy Idol , pero todo se quedó en una intención: unos dicen que no funcionó, otros que fue él quien no quiso, pero el caso es que se esa posibilidad se desestimó. Fue entonces cuando Billy Seehan tomó partido y propuso a Steve Vai, quien en aquellos momentos acompañaba a Graham Bonnet en su banda ALCATRAZZ. SU juventud y su ambición le hizo tomar la decisión de abandonar al errático ex cantante de RAINBOW a favor de un proyecto que apuntaba extremadamente alto en todos los sentidos.

Por último, como batería fue contratado Greg Bisonette, un músico profesional con cierta experiencia en el rock (estaba preparando canciones con el exKISS Vinnie Vincent en aquel momento) pero fundamentalmente metido en la escena jaz. Junto a su hermano había dado la vuelta al mundo en varias ocasiones girando con la MAYNAD FERGUSON BIG BAND. El porqué de esta elección lo aclaraba Diamond Dave a la revista Creem con su habitual sentido del humor: “supuse que si era capaz de controlar a 22 tipos sin amplificadores, seguramente podría con nosotros tres”.

EAT ‘EM AND SMILE. EL ALBUM

Con el grupo montado, dar vida a las canciones había sido algo bastante natural. No hubo complicaciones y todo se desarrolló en un ambiente que contrastaba con el que había estado presente en los VAN HALEN del pasado más reciente, lo cual facilitó toda la labor.

La banda se juntaba en la nueva casa de Dave, en Pasadena, y trabajaba sobre las ideas que aportaba Steve Vai, quien fue el principal activo a la hora de escribir. Hubo otros músicos y compositores que colaboraron en el trabajo, pero, o bien se descartaron sus aportaciones o no fueron acreditados por la razón que fuese. Digo esto porque en algunas entrevistas, Dave Lee cita a Steve Stevens (ya hemos hablado de él) y Michael Walden como alguno de los compositores. También hubo un tema firmado por Billy Seehan (aunque con arreglos de DLR) que eral “Shyboy”, el que se suponía que iba a servir como cabecera para la película y que pertenecía a TALAS. El resto de material viene firmado en su totalidad por Vai y Roth.

Todas las cacniones caminan entre lo intenso y lo glamuroso, con un sonido comercial, pero con mucha clase, grcias sobre todo a unos los arreglos que lo alejan de la estructura de riff facilote, es decir: lo puede disfrutar desde el fan más indocumentado, al tipo que está en quinto de carrera musical, porque el nivel es estratosférico.

Creo que no mentiré si digo que la mayoría de nosotros quedamos boquiabiertos con ‘Yankee rose’ el inmortal tema que abre el disco, y cuya intro, consistente en una conversación entre Diamond Dave y la guitarra de Steve Vai, anunciaba que aquellos surcos estaban llenos de cosas muy grandes. La referencia inevitable era la de VAN HALEN, de hecho hay canciones que suenan más al grupo que el propio grupo en aquellos momentos, pero sin caer en el simplismo, era fácil adivinar que la variedad era santo y seña en aquella colección de temas. No había estilo ni escena que se resistiese a una banda que salía triunfante de cada charco que pisaba. Lo mismo se defendían con el sonido big band de ‘That’s life’, que con el hard rock más afilado de ‘Shyboy’ o ‘Elephant gun’. Lo mismo se lucían con los sonidos calientes, orientados a los clubs, caso de ‘Big Trouble’ o ‘Lady’s nite in Buffalo’ que hacían canciones dignas del mayor estadio, como ‘Going crazy’ o ‘Bump and Grind’ , cancionesen la tradición del VAN HALEN más clásico.

Si decíamos que escribir las canciones no trajo excesivas dificultades, un poco más complicado lo tuvieron a la hora de grabar. El productor fue Ted Templeman, viejo conocido de Dave Lee Roth (mayormente por haber estampado su firma en todos los discos de VAN HALEN), quien quiso seguir la línea de producción que poco tiempo atrás había utilizado en “Done with Mirrors” de AEROSMITH, es decir, utilizar varios estudios (que además coincidieron en ambos casos) : los Power Station en Nueva York y los Fantasy Studios en Berkeley, California. El porqué utilizaron dos estudios diferentes, o qué se grabó en cada uno de ellos es algo que ignoro. Lo que sí tengo claro, es que los resultados no pudieron ser más positivos.

‘Eat ‘em and smile’ es un disco compacto, intenso y limpio. Cada cosa está en su sitio y los niveles se mantienen en perfecto equilibrio, sin que voz o guitarra maten la base rítmica. Es de destacar también lo bien que ha resistido el paso del tiempo: puedes ponerlo hoy mismo sin temor a que ecos, reverbs o cajas de ritmos te destrocen lo nervios. El trabajo de Templeman, al menos aquí, es bastante conservador y básico, lo cual supongo que ayudó a que no se pudriese, como ocurre con tantos trabajos de aquella época, que a día de hoy hace daño escuchar.

La gira promocional se empezó el 17 de Agosto de 1986 (los ensayos comenzaban tan solo tres días antes con Bret Tuggle como nuevo teclista de apoyo) y se alargaron hasta Febrero de 1987. No fue una gira mundial como se anunciaba, ya que la banda no salió de Estados Unidos, pero sí fue cierto que los conciertos en su mayoría, colgaron el cartel de ‘no hay entradas’. Supongo que para empezar, no está nada mal…

La expectación iba en dos sentidos: por un lado estaba quien quería ver sobre las tablas a aquellos espectaculares músicos tocando sus canciones, y como no, no faltaba quien quería comprobar como sonaban las canciones de VAN HALEN, interpretadas por su cantante original, pero tocadas por otros músicos. Estaba claro que sonarían varias canciones de VAN HALEN cada noche, pero a decir verdad , Dave Lee explotó lo justo su pasado en VAN HALEN: ni más de lo necesario ni menos de lo que la gente esperaba. ‘Panama’, ‘Jump’ o ‘Everybody wants some’ salpicaban un setlist que incluía siete de las diez canciones del disco, y de las tres que no tocaban, dos eran versiones… en fin, si eso no es tener fe en su disco, yo no se como llamarlo.

SONRISA BIZARRA.

No puedo terminar sin hacer mención a la edición que se hizo del disco cantada en español, con unos resultados manifiestamente mejorables. Digamos que era algo parecido a lo que BARON ROJO hicieron cuando grabaron ‘Volumen Brutal’ en inglés, mal que nos pese. Lo cierto es que mi copia en vinilo es precisamente la de ‘Sonrisa Salvaje’ que sí, tiene gracia los cinco primeros minutos, pero a partir de ahí resulta totalmente antinatural, como es lógico.

Bien, la carrera en solitario de DLR aun daría algunos buenos momentos, pero su suerte fue muy parecida a la de VAN HALEN que al igual que su cantante original publicaban discos que sin ser en absoluto malos, si que estaban huérfanos de aquella chispa y aquella vitalidad que brotaba de cada surco de trabajos como ‘Women and Children first’ o ‘Van Halen’. Supongo que hay gente destinada a seguir juntos odiándose hasta el último día de su vida… ‘That’s Life’.

Miguel. Asturias.

 

DOSIER DAVE LEE ROTH

Recopilación de artículos, reseñas y entrevistas publicados en la prensa musical de varios países, en relación con el álbum ‘Eat ‘em and smile’. Para conseguirlo debes escribir un post comentando tu parecer sobre el disco, el grupo en general o cualquier cosa que se te ocurra, siempre y cuando guarde relación con la banda . Recibirás a vuelta de correo un enlace para descargar el dosier.
En fin, si tienes material que no aparezca aquí y quieres colaborar en mejorar el dosier, por favor escribe a miangarri@gmail.com

– Entrevista en SPIN MAGAZINE nº 4 publicada en Abril de 1986.

– Entrevista en Circus Magazine Septiembre 1986. Cinco páginas en inglés.

-Reportaje en CIRCUS MAGAZINE en Febrero de 1986. Dos páginas en inglés.

-Entrevista publicada en POPULAR1 nº 155, en Mayo de 1986, Primera Parte, cuatro páginas en español.

-Entrevista publicada en POPULAR1 nº 156, en Junio de 1986. Segunda Parte, cuatro páginas en español.

-Reseña publicada en POPULAR1 nº 160, en Octubre de 1986. Dos páginas en español.

-Reseña publicada en KERRANG 124 , en Julio de 1986. Dos páginas en inglés.

-Entrevista publicada en KERRANG 125, en Julio de 1986. Cinco páginas en inglés.

-Reportaje publicado en ENFER MAGAZINE nº38 durante Julio de 1986. Cuatro páginas en Francés.

-Reseña y poster publicado en HEAVY ROCK Nº 37, en 1986. Cuatro páginas en español.

-Reseña disco y Poster publicado en ENFER MAGAZINE Nº 40, en Octubre de 1986. Tres páginas en francés.

Cronologia

EUROPE: “The Final Countdown”

1 – The Final Countdown   2 – Rock the Night   3 – Carrie   4 – Danger on the Track   5 – Ninja 6 – Cherokee  7 – Time has Come   8 – Heart of stone   9 – On the Loose  10 – Love Chaser 

 

Publicado en 1986 por Epic Records. Producido y mezclado por Kevin Elson. Grabado en los estudios Powerplay en Zurich, estudios Soundtrade en Estocolmo, estudios Mastersound en Atlanta y estudios Fantasy en San Francisco.

 

 

 

 

Joey Tempest – Voz, guitarras, teclados

John Norum – Guitarra lider, Coros

John Leven – Bajo

Mic Michaeli – Teclados, Coros

Ian Haughland – Bateria, Coros

 Tenía ganas de incluir este disco en esta sección porque me trae muy buenos recuerdos, ya que fue el álbum que allá por 1986 me hizo meterme en la música y concretamente en el Rock, cuando yo apenas tenía nueve añitos. Y al igual que me pasó a mí, le ocurrió a otra mucha gente, porque el tema “The Final Countdown” fue todo un fenómeno de masas en su momento y a todo el mundo (y no sólo a los rockeros) les alucinaba la canción. Y es que los Europe con este grandioso tema consiguieron un montón de números 1 en todos los lugares del mundo, incluido España y como dato curioso decir que la música que Alianza Popular utilizó para su campaña electoral de ese año estaba basada en la canción de los Europe.

 

Pero dentro del lado más rockero también existió una gran polémica, ya que los más Heavys rechazaban a EUROPE como un grupo de Rock duro, aunque creo que esto no era más que una ñoñería por parte de los cuatro idiotas de turno que se creían importantes por llevar una muñequera de pinchos y una camiseta de IRON MAIDEN, con todos mis respetos para los Maiden por supuesto.En fin, que centrándonos en lo musical, decir que lo cierto es que el disco no tenía desperdicio y aunque lo del hit single fue el detonante del despegue del grupo, el disco al completo estaba francamente bien y demostraba que a pesar de la imagen de niños guapos que tenían eran un auténtico grupo de Hard Rock y no un grupo de laboratorio inventando por la industria. Y la prueba estaba en que EUROPE no aparecían de la nada, anteriormente tenían un par de discos (“Europe” y “Wings Of Tomorrow“) que ya dejaban claros los terrenos musicales en los que se movería el grupo, aunque todo se asentara finalmente con “The Final Countdown“. Y es que bastaba con oír cortes como “On The Loose”, “Time Has Come”, “Ninja” o “Danger On The Track” para comprobar que sentían lo que hacían.

Tampoco debemos olvidar los dos temas que hicieron que el fenómeno EUROPEse consolidara, porque si el himno era “The Final Countdown“, hubo otros dos que también están en la memoria de todos. Por un lado el festivo segundo single “Rock The Night” que demostró la faceta más dura de la banda y luego la preciosísima balada “Carrie“, que lejos de ser pastelera era muy bonita y tremendamente sincera y terminó de encumbrar a los cinco suecos. Y por supuesto tampoco dejaremos pasar por alto “Cherokee” que fue el último y cuarto single del disco y que mostraba otro lado más de la banda, el de la mezcla cultural ya que el tema estaba influenciado por ritmos indios y en el tenía mucha importancia la percusión.

En otro sentido debemos mencionar a la formación, ya que en el disco estuvieron el líder y cantante Joey Tempest, el bajista John Leven, el teclista Mic Michaeli, el batería Ian Haugland y el guitarrista John Norum, que tras grabar el disco y realizar la primera parte de la gira dejó al grupo al sentirse demasiado agobiado por la fama, pasando a ocupar su puesto otro guitarrista sueco, Kee Marcelo, que sería el encargado de realizar el resto del Tour y que posteriormente grabaría los siguientes discos del grupo. Una buena muestra de esta gira esta recogida en el vídeo “The Final Countdown World Tour” que muestra a la perfección la potencia de la banda en vivo. Después vinieron álbumes tan geniales y de la misma calidad que éste, (“Out Of This World” y “Prisioners In Paradise“), pero el grupo fue bajando su popularidad, hasta el punto de que lo dejaron con un recopilatorio en el año 1992 al cumplirse los diez añitos de la banda. Una auténtica pena, aunque aun podemos disfrutar de las distintas carreras en solitario que tienen los distintos miembros, porque todos siguen muy activos con diferentes historias.

 Y por supuesto veremos si finalmente se reúnen en el año 2000 como anunciaron. De momento acaban de aparecer unas remezclas baratas del himno bajo el título “The Final Countdown 2000“, aunque desde Rock Circus las desaconsejamos totalmente porque son ¡¡¡un crimen contra la belleza del tema original!! Mejor que busques el vinilo original, lo pongas en tu plato, cierres los ojos y lo flipes con los temas originales tal cual se grabaron en su día…¡¡¡verás como me agradeces el consejo!!!

IVÁN ORTEGA (Rock circus)