¿Sabes? Cliff Burton murió…

Ya sabemos que el tiempo vuela, aunque de verdad, a mi me da la impresión de que antes no volaba tanto. Esto viene a cuento de que hoy, 27 de septiembre, se cumplen 29 años de la desaparición de Cliff Burton.

Esto es demasiado tiempo para algo que, aunque sea un tópico,  parece que fue ayer. Vamos a ver, solo hay seis años de diferencia entre la muerte de Cliff y las de Bon Scott y John Bonham, pero estas parecen infinitamente más lejanas. Naturalmente, el tener 17 años cuando murió el bajista de METALLICA, significaba tener 10 u 11 durante los otros sucesos, y seguramente muchos de nosotros estábamos más preocupados de jugar al balón y ver la tele que del triste final que tuvieron aquel par de borrachuzos.

Por otra parte, creo que también influye mucho la diferencia de peso que la prensa y los medios tenían entre los primeros años de la década y cuando esta ya transitaba su segunda mitad. No es que en 1986 hubiese mucho donde enterarse aquí en España,  pero entre unos y otros, a base de rumores, leyendas y recortes, habíamos alzado a  METALLICA a un puesto de honor entre los gigantes del género, y sí, digo “habíamos” porque de alguna forma teníamos la sensación de haberlo hecho nosotros.

Era una sensación de pertenencia a un grupo, a una familia si se quiere, que de ninguna forma tenías cuando veías a otras bandas subir como la espuma. Todos nos alegramos cuando IRON MAIDEN arrasaban con “The number of the beast”, o cuando SCORPIONS, RAINBOW o AC/DC llenaban estadios durante semanas seguidas, pero no había la reciprocidad que encontrabas en METALLICA y ese tipo de bandas por  aquel entonces.

Bien, dicho esto, quedan los datos “técnicos”,fechas y lugares, pero para eso están los periódicos y las revistas que tienes por ahí abajo. Prefiero quedarme con el recuerdo de alguien a quien todos hubiésemos querido tener como hermano mayor y cuya ausencia siempre ha generado un interesante y morboso  what if?:

¿Qué sería METALLICA ahora, si Cliff Burton no hubiese muerto?

 

 

Para ver las notas de prensa, pincha en ellas.

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New Wave of British Heavy Metal

Denim and Leather brought us all together. It was you that set the spirit free…

De una manera simplista, podemos decir que la “New Wave Of British Heavy Metal” que en adelante llamaremos NWOBHM, fue un movimiento musical protagonizado por las bandas del Reino Unido surgidas en un período de tiempo que abarcó desde el año 1978, al año 1983 aproximadamente. Sin embargo, dada la influencia que esta revolución musical tuvo en otras que surgirían después,  y dado que muchas de aquellas bandas  hoy siguen siendo grandes, hay que admitir que la NWOBHM fue más que eso.  Cautivó a muchos  jóvenes y cambió la vida de demasiada gente como para quedarnos en esa descripción tan superficial. Fue un autentico soplo de aire en una escena cansada y un revulsivo contra lo negativo del punk. Una explosión de creatividad en la que aparecieron docenas de bandas que lucharon y trabajaron duro, auto-produciendo sus primeros trabajos y dejándose los mejores años de sus vidas en locales de ensayo y clubs de mala muerte. Unas (las más) cayeron en el intento, otras (las menos) se hicieron multimillonarias… incluso algunas de estas aun ofrecen buenos shows y buenos discos veinte años después.  Creo que todo esto, lo mínimo que merece es unos minutos de nuestra atención. Por mi parte voy a poner en el tocadiscos “Strong Arm of the law”, a prepararme una taza de café y a coger un par de cigarrillos. Te invito a que hagas lo mismo mientras vemos lo que fue aquello e la New Wave of British Heavy Metal.

  ESTE POST SE COMPLETA CON UN DOSSIER DE PRENSA, CUYO CONTENIDO Y FORMA DE CONSEGIR ESTÁ AL FINAL DEL ARTICULO 

[ACCION-REACCION]

No hay nada más cierto que decir que a toda acción sigue una reacción. A mediados de los setenta, las  grandes bandas de rock estaban totalmente endiosadas. PINK FLOYD, QUEEN, GENESIS y demás con sus obras épicas, sus solos de diez minutos y sus discos de dos canciones provocaron una reacción, en parte de la juventud de la época, que consistió en volver a las raíces, a la sencillez y al sonido básico y primitivo. Así, influidos por la carne cruda que llegaba desde Detroit y Nueva York, un puñado de bandas con sonidos y actitudes dispares dieron vida al movimiento punk.

Hastiados de la imagen de rockstars de gente como Elton John o Rod Stewart, crearon un look totalmente opuesto al de ellos, sustituyendo las lentejuelas por tachas y las botas de plataforma por botas de trabajo. De esta forma se creó el punk británico con sus diferentes ramificaciones y subestilos, donde entraban desde los working class punks como SHAM69, THE BUSSINESS o COCKNEY REJETS abanderados del punk mas purista y socialmente concienciado, a los más comerciales como CLASH, THE DAMNED o SEX PISTOLS , metidos en multinacionales, que paradójicamente, terminaron por convertirles en lo mismo contra lo que decían luchar.

Este hecho, unido a la triste proximidad de las drogas y una actitud absolutamente autodestructiva en la escena punk, terminó finalmente con la esencia de ese “movimiento”. Hubo sin embargo quien supo filtrar el lado negativo y quedarse con la parte constructiva de aquel género. Era  aquel sector de la juventud, azotado por la crisis siderúrgica, sin ninguna perspectiva de futuro y con las manos y los bolsillos vacíos, pero que al menos conservaban el buen gusto.

Seguían siendo fans de las bandas que posible la First British Invasion (DEEP PURPLE, BLACK SABBATH y LED ZEPPELIN) y fueron lo bastante inteligentes para observar y mimetizar lo bueno del movimiento punk.

Autoproducción e independencia se  convirtieron en consignas para un montón de bandas que se buscaban sus propios conciertos y grababan sus maquetas y singles autofinanciándoselos de la misma manera que hacían los punks, pero de una forma totalmente profesional y seria, apartándose de todo lo que tuviese que ver con la actitud de quienes insistían en decir que no había futuro.

Si hay alguien con criterio para hablar sobre el tema, no es  otro que Steve Harris, bajista de IRON MAIDEN que lo dejaba claro en una entrevista:

“Nadie que no lo haya vivido, puede saber lo que fue la década de los setenta en Inglaterra. Aquellos años fueron lo peor que vi en mucho tiempo. Jamás imaginé que la sociedad podía alcanzar un grado de decadencia semejante, ni que la gente, particularmente los jóvenes, pudieran llegar a un punto de crisis tal, que se identificaran con lo obsoleto y lo despreciable en lugar de sentirse obligados a trabajar para conseguir un nivel de vida decente y progresar y mejorarlo. En lo que a mi concierne, el punk y toda su maldita filosofía apestan!.”

También John Mortimer, guitarrista de la banda HOLOCAUST tenía una opinión parecida, quizá no tan visceral, pero asumiendo el cambio en la actitud con respcto al punk:     

“había un sentimiento juvenil en todo ello… el movimiento subcultural que había pertenecido al punk, había tenido su tiempo, ahora todos íbamos a los conciertos cada semana a ver a bandas como DEF LEPPARD, WITCHFYNDE o SAMSON, y había que estar muy pendiente de la prensa musical porque todas las semanas había un grupo que  editaba un disco auto financiado”.

En resumen, parece estar  claro que la NWOBHM surgió como una escena que cogía el espíritu del punk despojándolo de su parte negativa, y que musicalmente heredaba el estilo de las bandas de hard rock que funcionaban o habían funcionado en los setenta como WISHBONE ASH, JUDAS PRIEST, DEEP PURPLE, BLACK SABBATH o THIN LIZZY. Unas referencias que obviamente derivaron en una mayor capacidad técnica por parte de los grupos.

[HAVE A DRINK ON ME}

Normalmente,  la vida social de las bandas que  empiezan, nace en  bares y salas de conciertos. En esos lugares es donde se da a conocer el trabajo de muchos de los grupos antes de poder grabar tan siquiera una demo que salga reseñada en los medios de papel o pueda ser oída a través de alguna emisora de radio.  Establecimientos como la “Saxon Tavern” de la zona de Catford, el “Electric Ballroom” en Candem Town (zona en la que hoy día aun quedan muchas tiendas de discos y hay un mercadillo diario de ropa usada y millones de cosas mas), el “MUSIC MACHINE” en Londres y otros muchos eran los lugares donde bandas como DIAMOND HEAD, ANGELWITCH y tantas otras se daban a conocer.

Las famosas listas del Badwagon que auparona IRON MAIDEN y dieron pie al single “The Soundhouse tapes”

Hubo una sala, sin embargo, que merece una atención especial. Soundhouse era una discoteca (en la más puro sentido de la palabra) que comenzó su actividad a principios de la década de los setenta  bajo el nombre The Bandwagon . Mediada esa década, su escenario solía ser ocupado de manera esporádica por algunas bandas que actuaban en directo, especialmente por una del vecindario llamada BETHNAL, quienes mezclaban en su repertorio material propio con versiones de THE WHO y LED ZEPPELIN. Los pinchadiscos también empezaron por esa época a colar algún tema de DEEP PURPLE entre el repertorio funk y disco habitual en la pista de baile. Como resultado de la buena acogida que el rock tenía entre los asistentes al local, tres disjockeys decidieron dar una vuelta más a la tuerca organizando, allá por 1975, unas veladas centradas en el hard rock, a modo de prueba.

Durante las noches en que esto tenía lugar, colocaban en la puerta una pancarta que rezaba: “Ha nacido la primera y única discoteca de Heavy Rock de Londres” y para que la asistencia resultase más atractiva los disjockeys residentes eran sustituidos por invitados. Entre quienes venían de fuera, había uno del West End llamado Neal Key, cuyo aspecto, personalidad y gusto musical terminaron por convertir aquella sala en un autentico templo el heavy metal. El boca-oreja dio como resultado que las localidades se agotasen cada vez más rápido y que las noches de “Disco Heavy” pasasen  a ser cinco a la semana. Aun así  la sala se llenaba de jóvenes que huían a ella como única alternativa a la moda del punk y la new wave, con la idea de escuchar a JUDAS PRIEST, MONTROSE, THIN LIZZY o TED NUGENT.

Dave Murray, Neal Kay y unas amigas

 Como recuerda Lee, de la banda LAYDRIVE:

 “habia otros lugares en Londres y a lo largo de todo el pais pero era como si THE BANDWAGON fuese el punto central. Fue un gran momento para nosotros como fans en el que teníamos un sitio como ese para ir que era nuevo y excitante. La atmósfera era increíble, muy salvaje en algunas noches pero sin problemas de ningún tipo. Solo gente que acudía a escuchar la música que amaban”.

Air Guitars en la Bandwagon

Inevitablemente, se empezaron a programar conciertos en cuyos carteles figuraban nombres como PRAYING MANTIS o SAXON,  pioneros en la escena NWoBHM. También, como no, solía aparecer el nombre  de la banda que el tiempo convertiría en la más grande del género que no es otro que IRON MAIDEN. Steve Harris es el primero en admitirlo:

 “Supongo que lo más importante fue que la maqueta fue pinchada en el Soundhouse por Neal Kay  porque eso fue lo que empujo a la gente a interesarse por nosotros. Grabamos una demo en un cuatro pistas y se la dimos a Neil, que empezó a ponerla allí y la gente no paraba de pedirle temas. Así empezamos a entrar en los charts de la sala. Podemos decir que nuestro primer éxito fue con Neal Kay”.

Esas maquetas serían editadas posteriormente bajo el nombre de “The Soundhouse tapes”.   La fama del local creció de manera imparable llegando a tener eco entre los artistas extranjeros que solían visitarlo en sus paradas inglesas. SAMMY HAGGAR declaraba en una entrevista: “Estoy realmente impresionado con este sitio. En América no tenemos discotecas así. Nunca creí que pudiese haber tanta gente aquí, ni que esto pudiese ser tan intenso”.

A día de hoy se hacen reuniones anuales con los mismos personajes “implicados” (la última fue en enero del 2004) que me supongo deben ser algo digno de vivir.

[LOS RECOPILATORIOS}

Los discos recopilatorios fueron uno de los cimentos que la escena NWOBHM utilizó para crecer como lo hizo. Es bien  cierto que muchos de ellos aparecieron al terminar los buenos tiempos, en un intento de las compañías de recuperar sus inversiones, o después de la absorción de sellos independientes por parte de las multinacionales, pero otros tantos fueron editados en plena ebullición e hicieron posible que muchas bandas tuviesen una tarjeta de presentación prensada en vinilo. En algunos casos sirvió para el desarrollo el grupo y en otros como única referencia, pero al menos les dió la oportunidad.

Hablar aquí de discos post-1983, reediciones, recopilaciones de las recopilaciones etcétera,  sería hacer interminable el artículo, por lo que nos centraremos en aquellos álbumes editados en medio de la explosión de metal inglés. Decir esto (lo de “metal inglés”} implica asimismo el descarte de muchas obras recopilatorias, que si bien basaban la mayoría de material estaba en bandas NWOBHM contaban también con la presencia de grupos contemporáneos cercanos en el sonido, pero alejados en la distancia como eran MERCYFUL FATE de Dinamarca, ACID de Holanda o los alemanes ACCEPT.

En fin, siguiendo estas sencillas pautas, hay que reseñar que las primeras recopilaciones que se publicaron, fueron más famosas y tuvieron mayor impacto en las tiendas vieron la luz a través de multinacionales.  Una de las que tenían a los A&R más ocupados era EMI. La todo poderosa compañía inglesa  tenía “cierta experiencia” en la materia gracias a que desde la década de los setenta, en su catálogo figuraban nombres como WHITESNAKE, T-REXQUEEN o DEEP PURPLE. La compañía no fue ajena a aquella nueva hornada de grupos y se lanzó en busca de la next-big-band, encontrándola por cierto bajo el nombre de IRON MAIDEN…. pero hablábamos de recopilaciones.  EMI lanzó en 1980 los celebres “Metal For Muthas”, en dos volúmenes.

No es nuevo para nadie que estas recopilaciones contaban con las estrellas el género, IRON MAIDEN, así como otros grupos vinculados, tales como SAMSON o WHITE SPIRIT. También tenían en su haber la presencia de grandes el género como fueron PRAYING MANTIS o ANGEL WITCH, así como bandas no tan grandes pero igualmente disfrutables, como TRESSPASS o los infra valorados DARK STAR. Algunos de los grupos siguieron con la compañía, y otros utilizaron el recopilatorio como plataforma de lanzamiento a otros sellos como el caso de SAMSON o los citados PRAYING MANTIS, pero de las que se quedaron, tan solo IRON MAIDEN salió adelante ( y de que manera} El resto de grupos que siguieron con la compañía, sufrieron la política empresarial del olvido absoluto. Esto es, E.M.I. se centró en una sola banda, la de Steve Harris, y se encargó de que las carreras de las demás no hiciesen la menor sombra al ‘gran’ grupo. De esta manera, ANGEL WITCH o ETHEL THE FROG podían presumir de que estaban en una multinacional, pero lo único que consiguieron fue que sus modestos trabajos no tuviesen la menor promoción . Fueron peces de colores en una piscina infestada de tiburones.

Otra de las majors que puso toda la carne en el asador fue la americana MCA, que también en 1980 editó “Brute Force”, una magnífica recopilación con bandas que en su mayoría pertenecían a su catálogo: QUARTZ, WHITE SPIRIT, DIAMOND HEAD o FIST todos ellos grandes nombres de esa escena, y también otros ajenos a la compañía pero igualmente solventes, como RAVENSLEDGEHAMMER. Si atendemos a recopilaciones editadas a través de medios poderosos, no podemos olvidarnos de “Metal explosion”, una recopilación de sisiones en irecto que varias bandas hicieron para la BBC y que fueron editadas en el 80 a través de la compañía propiedad de la emisora de radio. Aparte de incluir un tema de GILLAN, que no viene a cuento entre tanta sangre joven, la aportación de TRESPASS, SAMSON, MORE o PRAYING MANTIS entre otros hace de este álbum una referencia obligada para empezar a sumergirse en cosas un poco más difíciles de conseguir. Me estoy refiriendo a las editadas por sellos independientes como Logo, Neat o Guardian quienes respectivamente , pusieron en rodaje títulos tan emblemáticos como “New electric Warriors” (parafraseando la mítica obra de T-REX}, “Lead Weight” que fue editada como cassette e  incluía versiones demo o “Pure Overkill”.

[LOS MASS MEDIA]

 La prensa escrita y la radio también jugaron un papel muy importante en el arraigo de este  movimiento  cultural.  En cuanto a la primera, no conviene olvidar que de la misma manera que las bandas  habían asimilado el funcionamiento independiente del punk a la hora de poner en la calle sus grabaciones, los fans decidieron ‘expandir su palabra’ a través de sus propias publicaciones.

Los fanzines tomaron la calle. Había un buen número de publicaciones centradas en una banda concreta, como eran “Stargazer“, “Killing yourself to die” o “Motorhead Magazine“, que, como se adivina por sus nombres, estaban dedicadas a la saga PURPLE, BLACK SABBATH y MOTORHEAD respectivamente,  aunque las más interesantes, sin hacer de menos a las ya citadas eran las generalistas. Títulos como ‘Metal fury’ de Mick Wall, ‘Metal Forces’, ‘Teenage depression’ o ‘ Mistress’, comenzaron a poder conseguirse en bares, tiendas de discos y a través del boca a boca, haciéndose en sí mismos pequeñas herramientas de promoción para las bandas, y una forma de dar salida a la necesidad  de ser parte de aquello.  Sin embargo, no es menos cierto que su eco era escaso más allá de las localidades o barrios donde se editaban.La realidad era que la industria funcionaba en base a las publicaciones más comerciales, que por aquel entonces llevaban nombres como Melody Maker, New Musical Express o Sounds.

De todas ellas, Sounds era la que se llevaba el lado más rockero. Periodistas como Pete Makowski eran muy populares por cubrir las ediciones y actuaciones de bandas como DEEP PURPLE , URIAH HEEP o LYNYRD SKYNYRD, pero hubo uno especialmente importante para nuestra hisoria que respondía al nombre Geoff Barton.

El editor de SOUNDS, Alan ‘Big Al’ Lewis  creyó que sería una buena idea aprovechar el interés que los gustos metaleros de Barton despertaban entre los lectores, editando una revista independiente del periódico que hacían. Sin embargo, como suele ocurrir, la idea chocó con la oposición de los directores a poner más dinero para desarrollar la idea, si bien Lewis  consiguió que accediesen a que el proyecto saliese integrado en el SOUNDS, como si se tratase de como una especie de suplemento dominical.         Ante el crecimiento exponencial de las ventas de aquel ejemplar, los directivos dieron permiso para que la publicación tomase cuerpo por si misma y la revista terminó por salir sola como la conocemos, siendo Angus Young quien inauguró la portada (en el suplemento habían puesto a ‘Thunderstick’, el batería enmascarado de SAMSON). Los adeptos de DIAMOND HEAD o TYGERS OF PANG TANG ya tenían una revista propia para poder enterarse de las ediciones de los grupos y las actuaciones que ofrecían.

 KERRAANG! (nombre tomado de la onomatopeya que representaba el sonido de una guitarra} nacía en el mes de Junio de 1981, convirtiéndose al instante en una sólida plataforma para los fans, no solo de Inglaterra, si no de toda Europa e incluso Estados Unidos.

La plantilla de esa publicación fue creciendo con los añadidos de otros periodistas como  Gary Bushell (responsable en gran parte del triunfo de TWISTED SISTER en Inglaterra en sus comienzos) y entre todos,  tuvieron mucho que ver en el éxito de la NWOBHM a raiz de sus reseñas y comentarios de conciertos.

A todo esto súmese la presencia de bandas heavy metal en programas de radio y tv como “Friday Rock Show” o “The Tube”  resultará más fácil entender el renacimiento del heavy metal en Gran Bretaña.

El primero de los que hemos citado, llevaba siendo emitido desde 1978 cada viernes a las diez de la noche. Aparte de pinchar discos y  novedades, los estudios estaban abiertos a las bandas, las cuales grababan sus canciones en directo para  luego ser emitidas en el programa bajo la batuta del productor Tonny Wilson. El director y locutor del programa,  Tommy Vance dedicó su esfuerzo especialmente a las bandas nuevas. Bien es cierto que por aquellos estudios pasaron vacas sagradas del hard rock como UFO, THIN LIZZY, GENESIS o JETHRO TULL pero durante la explosion de metal británico de los primeros 80’s, el programa pudo grabar actuaciones de bandas como WITCHFYNDE, SAXON, URCHINSAMSON y tantos otros, que hoy dia pueden conseguirse en docenas de blogs en internet. Por lo que respecta a la televisión, el asunto era más complicado para los grupos nuevos, lo que no deja de ser lógico habida cuenta del esfuerzo que representa poner en antena un programa.  Los que había se centraban, o bien en el rock clásico, como era el caso de “The Old Grey Wistle Test“, o por el contrario, en las tendencias más comerciales, como era el caso de “Revolver”.

Hubo otros sin embargo, que si pusieron sus platós al servicio de las nuevas bandas. “Top of the Pops” por un  lado y “The tube” por otro, permitieron que el público británico viese en acción a los grupos más sobresalientes de la nueva hornada metal. Así entre 1980 y 1981, IRON MAIDEN, GIRLSCHOOL, SAXON o TYGERS OF PANG TANG asomaron sus caras por la pequeña pantalla junto a JUDAS PRIEST, GARY MOORE,MOTORHEAD y otras figuras consagradas del heavy metal .

  

[VIEJAS BANDAS PONIENDOSE LAS PILAS]

Que la NWOBHM nos descubrió los talentos de bandas que iban a acompañarnos durante mucho tiempo es indiscutible. SAXON, IRON MAIDEN o DEF LEPPARD son nombres que nos  han acompañado desde aquellos días. Sin embargo la aportación del género al heavy metal en términos generales no se quedó ahí, sino que trascendió a las bandas nuevas reforzando los cimientos que los grupos más veteranos habían levantado tiempo atrás y que, en comparación con otros estilos musicales, no se encontraban en su mejor momento precisamente… Gracias al empuje de las bandas nuevas, las que venían de la década anterior se vieron mancilladas en su amor propio y no fueron ajenas al hecho de que había un puñado de mozalbetes que ponían en peligro su continuidad en el trono. De alguna forma,  esto  estimuló a muchos de aquellos grupos a que creasen algunas de sus mejores obras en años. Tenían la experiencia, tenían la creatividad, tenían el orgullo y tenían la suficiente inteligencia como para no sentarse y dejar pasar aquella ‘amenaza’ pensando en que pronto calmaría el vendaval.

QUARTZ con Geoff Nicholls arriba en el centro

El caso más palmario fue el de BLACK SABBATH. En 1979, los de Birgminham estaban hudidos en el pozo… en realidad sólo Toni Iommi estaba hundido, porque era el único miembro original que quedaba del histórico combo. En cualquier caso, lo cierto y verdad es que nadie daba un centavo por ellos, hasta que en 1980 dejan al mundo boquiabierto con su álbum “Heaven and hell”, rematando al año siguiente con “Mob Rules” y devolviendo la escena clásica del heavy metal al sitio que nunca debió abandonar.  Ambos álbumes son un verdadero símbolo de auto superación que de alguna forma también sirviero para reverdecer el legado clásico de RAINBOW, y defender el trabajo de Ronnie Dio frente al giro americano que  había tomado la banda de Ritchie Blackmore.

Obviamente, el corazón de este latía por el impulso de la alianza Iommi / Dio, pero desde mi punto de vista, hubo una persona que recibió un trato totalmente injusto habiendo jugado un papel fundamental en todo aquello. Me refiero a Geoff Nicholls, quien venía de la banda QUARTZ (metida de lleno en la NWoBHM} de tocar la guitarra y los teclados y que entró a BLACK SABBATH como sustituto de Gezzer Butler, en el momento que este abandonó de manera temporal. Nicholls fue una pieza clave en el grupo durante toda la década de los 80 y primeros 90, aunque nunca fue acreditado. Incluso tardó años en llegar siquiera a aparecer en las fotografías.

TYGERS OF PANG TANG con John Sykes, primero por la izquierda.

  THIN LIZZY , a pesar de que artísticamente no vivían un momento tan mediocre como BLACK SABBATH ni muchísimo menos, también cambiaron radicalmente su sonido con la explosión de la NWOBHM.  Si  los nuevos sonidos influyeron o no en Phil Lynnot y sus compinches , creo humildemente que no admite muchas dudas. La creatividad de Philo era muy volátil, en el sentido de adaptarse con facilidad y óptimos resultados a casi cualquier cosa. Cuando el heavy metal arrasó entre los gustos de la juventud inglesa, los trabajos  registrados por la banda irlandesa, “Renegade”(81) o “Thunder and lightning” (83), sonaron infinitamente más contundentes e intensos que los que habían hecho desde sus comienzos. Naturalmente, no podemos obviar la presencia en el último período del grupo de John Sykes, ex- guitarrista de TYGERS OF PANG TANG, quien terminó por dar a LIZZY  un sonido por entonces vanguardista y acorde al 100% con las bandas ‘del momento’.

Aunque sea de pasada, no quisiera olvidar de otro guitarrista procedente de las cloacas inglesas que ayudó a la grandeza de todo un mito como R.J.Dio. Efectivamente, lo has adivinado. Vivian Campbell, guitarrista de los

Vivian Campbell en sus mejores días.

 irlandeses SWEET SAVAGE fue una pieza clave en el éxito de la carrera en solitario de Ronnie James Dio.

Hubo otras bandas que no tuvieron en sus filas a músicos de nuevo cuño, pero que sin duda reforzaron su presencia en aquellos tiempos. Digamos que se confundieron en la niebla y contaron con el calor de los fans de manera incondicional. Un claro ejemplo fueron JUDAS PRIEST. No vamos a discutir el hecho de que ya era una banda consagrada al heavy metal antes de que todos los chavales de la NWOBHM  hubiesen tenido una guitarra en sus manos, pero me gustaría reseñar el hecho de que viniendo de grabar discos clásicos como “Sin after sin”, o “Stained class” no era fácil esperar que se superasen como así fue. Con “British Steel” (80) y “Screaming for vengeance” (82)  se convirtieron enun patrón a seguir durante generaciones, y dejaron claro que a ellos no les bajaba de la burra ni Dios.   También MOTORHEAD, sin pretenderlo en ningun momento, se vieron envueltos en aquella ola. Recordemos que Lemmy y compañía llevaban años en activo, desde mediados de lo setenta. Sin embargo la edición de discos como ‘Bomber’ , ‘Ace of Spades’, ‘Overkill’ o el directo ‘No sleep til Hammersmith’ que consiguió el número 1 de las listas británicas fueron acogidos por los fans más recientes, que abrazaron al grupo y lo lelvaron a su terreno en aquellos años. Lemmy sin embargo nunca pareció muy excitado por ello…

“La NWOBHM fue buena para muchos grupos. Llevó a IRON MAIDEN donde nunca hubiesen imaginado, pero creo que para nosotros no significó gran cosa. Llegamos muy temprano para ella…y después nuestra popularidad resurgió una vez que había pasado el gran boom del metal en los ochenta.”

Incluso bandas de hard rock como la del ex-UFO Michael Schenker , la de Gary Moore e incluso  WHITESNAKE, aunque estaban lejos de verse afectados por el heavy metal grabaron discos magistrales en medio e un ambiente propicio para ello. Para la historia quedan “Assault attack” o “Saints and sinners” dos de las más brillantes joyas del 82 o “Corridors of power”, grabado por el guitarrista irlandés en 1981.  Insisto, su sonido nada tenía que ver con la NWOBHM, pero me gustaría reseñar el hecho de que esos grupos, ya veteranos tuviesen algunos de sus mejores momentos creativos justo en esos años.

Robert a punto de entrar en acción.

Por terminar esta mirada al pasado, podríamos decir también que la influencia que la NWOBHM ejerció sobre las “viejas bandas” no se limitó a los grupos ingleses, si no que asimismo  alcanzó de lleno a muchos europeos y norteamericanos que habían sido grandes en el pasado y querían seguir siéndolo. En América, BLUE OYSTER CULT editan “Fire of Unknown Origin” su mejor disco en años. KISS, acercaron su sonido al metal europeo con álbumes como “Killers” (en sus temas inéditos} o “Creatures of the night” (82). Los alemanes SCORPIONS, cambiaron de guitarrista prescindiendo del psicodelico Jon Roth a favor deMathias Jabs tras el fugaz paso de Michael Schenker, y con discos como “Blackout” tuvieron un inteligentísimo acierto que les permitió llevarse de calle al público europeo, asiático y americano…En definitiva, la N.W.o.B.H.M. marcó una época y dio pie a que el heavy metal resurgiera del pozo donde se hallaba. Debemos a todos aquellos tipos que perdieron su juventud escribiendo fanzines y tocando en bandas que no llegaron a ningún sitio, que la música que nos ha hecho felices haya tenido continuidad. En honor a todos ellos hagamos que RAVEN, DIAMOND HEAD, SATAN o VENOM suenen en nuestros equipos una vez más.

INSTRUCCIONES PARA CONSEGUIR EL DOSSIER.

1) Escribe un comentario en este blog sobre la N.W.o.B.H.M. Qué grupos te interesan más, cómo valorasla influencia que tuvo en el devenir del heavy metal, quienes salieron mejor o peor parados de todo aquello… hay toneladas de posibilidades sobre el asunto…

2) IMPORTANTE. La clave para descargar el dossier y la contraseña correspondiente te llegará via email, así que necesito una dirección de correo.
Normalmente me llegará en tu comentario, pero si ves que no termino de enviarte el dichoso dossier, dame un toque en mag@telecable.es

CONTENIDO DEL DOSSIER.


Me ha sido imposible encontrar nada sobre el tema medianamente decente que estuviese escrito en español. Tenía un reportaje de la revista HUSH pero no lo encontré por ningún lado, y un artículo que salió en Popular1, tampoco lo encontré aunque recuerdo que era bastante chungo. Al final me decidí a meter el de la THIS IS ROCK de hace un año pero el formato de esa revista deja muchas faltas a la hora de escanear. Al final, decidí que l mejor era que hablasen los protagonistas, así que cogí las KERRANG viejas y centré el dossier en ellas pricipalmente. El resultado es una especie de batiburrillo donde entran entrevistas, reportajes, apuntes, fotos e incluso publicidad. Son 86 páginas de pura y dura NWOBHM. Ni que decir tiene que he pasado de largo por SAXON, IRON MAIDEN y otras badnas que el tiempo hizo grandes. Ese material saldrá en su momento. Al final el asunto queda así:

Dossier NWOBHM, documento pdf de 86 páginas alojado en Megaupload.

DEDRINGER -Artículo , KERRANG, númrero y fecha desconocidos.

BITCHES SIN – Entrevista KERRANG Nº 38, MArzo de 1983

BRONZ – Entrevista en KERRANG Nº 46, Julio de 1983

DEMON  – Entrevista KERRANG Nº 03, Septiembre 1981
Entrevista KERRANG Nº 20, Julio, 1982
Notas  en KERRANG 21, Agosto 1982

DIAMOND HEAD – Nuevas Bandas KERRANG Nº 01, Julio 1981
Entrevista KERRANG Nº 13, April 1982
Entrevista KERRANG Nº 26, Octubre, 1982
FURY – Nuevas Bandas KERRANG Nº 22, Septiembre de 1982

GEDDES AXE  – Nuevas Bandas KERRANG Nº 01, Julio 1981
Entrevista KERRANG Nº 35, Febrero de 1983

GRAND PRIX – Reportaje KERRANG Nº 23, Agosto de 1982
Entrevista en KERRANG Nº 44, Junio de 1983

GRIM REAPER – Nuevas Bandas KERRANG Nº 22, Septiembre de 1982

JAGUAR – Nuevas Bandas KERRANG Nº 01, Julio 1981
Entrevista KERRANG Nº 35, Febrero de 1983

M.O.R.E. -Artículo en TEENAGE DEPRESSION FANZINE, #12 1981, Inglés

NEAT RCS. – Artículo en KERRANG Nº 26 Octubre,1982

PRAYING MANTIS – Entrevista en TEENAGE DEPRESSION FANZINE # 13, 1981, Inglés
Noticias en KERRANG Nº 23, Agosto de 1982

RAVEN  – Nuevas Bandas KERRANG Nº 01, Julio 1981
Entrevista KERRANG Nº 03, Septiembre 1981
Noticias en KERRANG Nº 19, Juliode 1982

SAM THUNDER – Nuevas Bandas KERRANG Nº 22, Septiembre de 1982

SAMSON – Entrevista KERRANG Nº 25, Septiembre 1982
Articulo KERRANG Nº 38, MArzo de 1983

SARACEN – Entrevista en KERRANG 21, Agosto 1982

SPIDER – Artículo en KERRANG Nº31, Diciembre de 1982

STAMPEDE – Entrevista en KERRANG Nº 46, Julio de 1983

TANK – Noticias en KERRANG Nº 23, Agosto de 1982
Entrevista KICK ASS MONTHLY Magazine Nº 31 Noviembre 1985

THUNDERSTICK: Entrevista en THis is Rock nº 59, Abril de 2009
Entrevista en KERRANG 21, Agosto 1982

TYGERS OF PANG TANG – Entrevista KERRANG Nº 23, Agosto de 1982
Entrevista KICK ASS MONTHLY Magazine Nº 31 Noviembre 1985

VARDIS – Entrevista KERRANG Nº 30, Septiembre 1982

VENOM  – Nuevas Bandas KERRANG Nº 01, Julio 1981
Reportaje KERRANG Nº 03, Septiembre 1981
Noticias en KERRANG Nº 19, Juliode 1982

VV/AA – Reportaje de varias bandas  KERRANG Nº 01, Julio 1981
VV/AA Reportaje en THIS IS ROCK 58 Abril 2009
VV/AA Archivos biográficos de KERANG 1990

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Este fue un artículo que hace años me publicaron en la revista THIS IS ROCK y que me gustaría recuperar para todos los fans de Blackmore que no lo pudisteis leer en su momento por la razón que sea. Desde el principio de los tiempos, este músico huraño, imprevisible, frio y , digámoslo de una vez, desagradable, ha sido objeto de veneración por parte de millones de rockeros  de todo tipo, lugar y condición y no son muchos los músicos y periodistas que hablen mal de él. Teniendo en cuenta la cantidad de desplantes para con cualquiera, las bromas pesadas que ha gastado a propios y extraños, la gente a la que ha dejado colgada de la brocha y el sin fin de situaciones embarazosas y violentas que ha provocado, resulta extraño que se haya llevado un solo elogio por parte de sus ex-compañeros. Seguramente, su infinito talento ha compensado las malas vibraciones que desde siempre le han acompañado. Centrémonos pues en ese talento y hagamos cuatro pequeñas aproximaciones a esa legendaria figura.

Este artículo se completa con un dosier cuyo contenido y forma de conseguir vienen reseñados al final del mismo

.:: CUATRO APROXIMACIONES A UN MITO::.

Aproximación 1ª

UN POCO DE HISTORIA. LOS AÑOS PRE-PURPURA

Weston-Super-Mare vio nacer, un lejano 14 de abril de 1945, a Richard Harold Blackmore, prácticamente con la guitarra en las manos. Sus padres abandonaron aquella ciudad costera del oeste de Inglaterra para instalarse en Heston, un barrio londinense, en una de cuyas academias nuestro hombre descubrió la música, gracias en parte a que su padre supo ver el potencial que escondía el pequeño Richard:

“Mi padre me hizo tomar lecciones de guitarra clásica, simplemente para tener una buena base. Es muy importante aprender la teoría cuando se empieza a tocar un instrumento, porque evita los malos hábitos de por vida. Solo de esa forma pude aprender a manejar todos los dedos, cuando la mayoría de los bluesmen solo utilizan tres…”

No obstante su verdadera pasión estaba en el rock and roll de la época, especialmente en personajes como Hank Marvin o Tommy Steele, muy populares en la Inglaterra de aquellos días:

“Había escuchado a artistas como Elvis, así que supongo que mis primeras influencias fueron de Scotty Moore. También oía a Tommy Steele, que era grande en mi país. Quería tocar como él desde que le oí en un show llamado “Six-Five Special”, un programa de rock and roll en plan el “Shindig” americano. Solía verlo y luego practicar con mi acústica…¡Aunque no era capaz de tocar un acorde, aquello parecía guay!”

Esta inspiración le llevó junto a otros chicos a montar su primera banda: 21’S COFFEE BAR JUNIOR SKIFFLE GROUP, nacidos al abrigo del 21’s Coffee Bar, un mítico pub donde se reunía la flor y nata del rock londinense como CLIFF RICHARD y lo que serían THE SHADOWS o el propio TOMMY STEELE. No tardó en darse cuenta que su formación clásica debía completarse con un poco de teoría sobre los nuevos estilos, por lo que empezó a tomar lecciones con otro habitual del 21’s Coffe Bar, nada menos que el mejor músico de sesión de Inglaterra por aquel entonces.”Big” Jim Sullivan le enseñó los trucos y desarrolló los recursos innatos de Blackmore hasta el punto en que tuvo que admitir que ya no tenía nada que enseñar a aquel muchacho.

THE DOMINATORS fue el siguiente paso en su carrera. Lo dio  junto a Mike Underwood, cuando a los quince años ambos dejaron de estudiar. Ritchie  consiguió un trabajo en el aeropuerto de Heathrow que podía combinar con la banda, que no duraría gran cosa, vagabundeando de aquí a allá en grupos como TWICKENHAM o MIKE DEE AND THE JAYWALKERS y acudiendo a audiciones de bandas profesionales, como la de THE SAVAGES, una banda que acompañaba a Screamin’ Lord Stuch, la réplica inglesa de SCREAMING JAY JAWKINS. Carlo Little tocaba la batería en aquel grupo en 1961:

“Ritchie llegó con su novia y su padre. Escuchamos a siete u ocho guitarristas y los mejores nos parecieron Blackmore y Roger Mingay que habían llegado juntos, aunque terminamos dándole el puesto a este último porque tenía más experiencia que Ritchie…”

Roger Mingay, que había sido compañero de Blackmore en THE SATELLITES, (momentos incestuosos del rock and roll) abandonó poco después, y tras probar a otra gente, Lord Stuch decidió darle el puesto a Ritchie en el 62, cuando este contaba diecisiete años.

Fue en esta banda donde Blackmore lo aprendió todo sobre cómo debe un artista comportarse sobre las tablas, ya que una de las bazas más importantes de Lord Stuch era precisamente lo llamativo y agresivo de la puesta en escena y aunque en nuestro país, poco o nada se ha oído hablar de tal artista, sorprende la lista de músicos que formaron parte de su banda, entre los que aparte del propio Blackmore o el bajista Nick Simper (original de Deep Purple) estuvieron nada menos que Jeff Beck o Jimmy Page. Ritchie sin embargo fue el único que consiguió que su jefe le dejase su momento de gloria en las tablas permitiéndole hacer un solo de guitarra de vez en cuando.

Aun así, Blackmore era un culo inquieto y durante sus días en The Savages también flirteaba con otras bandas, como THE CRUSADERS, THE OUTLAWS o THE WILD BOYS. El fallecido Lord Stuch hablaba sobre el asunto con muy buen humor:

Ritchie se largaba de vez en cuando a tocar con otros grupos, pero al final siempre volvía. Al regresar fingía buscar trabajo como guitarra rítmico, pero no tardaba en conseguir que el otro guitarrista que había sido contratado precisamente para sustituirle a él, se pusiese nervioso y abandonase el barco.”

Con alguna de estas bandas, concretamente THE OUTLAWS (no confundir con la banda de rock sureño) grabó un par de singles y consiguió un cierto éxito, llegando a participar en la película “Live It Up” donde el grupo interpretaba ‘Law And Order’. Las cosas no parecían ir del todo mal en aquel combo que salía a escena caracterizados como forajidos del salvaje oeste, incluso llegaron a ser la banda de acompañamiento de mitos como Jerry Lee Lewis en una gira inglesa, que tuvo lugar en junio del 63, o Gene Vincent en dos tours entre julio y septiembre del mismo año por Francia, Inglaterra y Alemania, pero al final abandonó aquel grupo:

“Dejé a los OUTLAWS porque nadie en el negocio nos hacía caso, nos consideraban como criminales y nos echaban de todas partes… nuestro sentido del humor no gustaba.”

También con THE WILD BOYS dejó constancia de su talento en otro par de sencillos (‘Country Joe’ y ‘Just Little Eddie’) aunque fue en 1965 cuando vio cumplido uno de sus mayores deseos: grabar un single en solitario, a instancias del productor Derek Lawrence. Bajo el nombre de Ritchie Blackmore Orchestra, y acompañado ente otros por Mike Underwood y Nicky Hopkins al piano, registrando los temas ‘Getaway’ y ‘Little Brown Jug’.

En el mes de mayo de ese mismo año fue cuando de nuevo con THE SAVAGES, volvió a convertirse en el guitarrista del “killer” por excelencia. Jerry Lee Lewis quemaría Alemania con su gran bola de fuego y allí estaba nuestro hombre dispuesto a avivar las llamas, pero al terminar, descubre que no solo hay cerveza en aquel hermoso país, sino una escena musical igual o mejor que la inglesa, por lo que Hamburgo se convierte en su hogar durante una larga temporada formando una banda a la que llamó THE 3 MUSKETEERS y tras la que se uniría a NEIL CHRISTIANS AND THE CRUSADERS y luego a THE TRIP, antes de formar su siguiente proyecto serio llamado MANDRAKE ROOT (tal vez te suene de algo).

Mientras tanto, en las islas se fraguaban los cimientos de la banda que cambiaría la historia del rock duro. La llamada telefónica del fallecido Chris Curtis para que Ritchie formase parte de su nuevo proyecto llamado ROUNDABOUT, junto a Nick Simper y un tal Jon Douglas Lord, estaba a punto de producirse, pero eso, naturalmente, ya es otra historia…

Aproximación 2ª

LA TRASCENDENCIA DE UN GENIO

Tengo el absoluto convencimiento de que la inmensa mayoría de los amantes del rock duro que alguna vez decidieron aprender a tocar la guitarra perdieron su virginidad con ‘Smoke On The Water’. Ese riff inmortal ha sido el principio de muchos sueños, y quién sabe cuántos triunfos y decepciones, lo que supone quizá la mayor meta que un músico pueda perseguir, y es prueba más que suficiente de su influencia en las carreras de tantos guitarristas.

  También parece estar más que claro que si Eric Clapton, Jimmy Page o Jeff Beck son siempre citados como la quintaesencia de la guitarra en detrimento de Blackmore, a quien el gran público no conoce ni de lejos en igual medida, ha sido porque éste siempre hizo lo que le dio la gana, huyendo del mainstream y de la música entendida como industria.

Abandonó a unos multimillonarios DEEP PURPLE para embarcarse en una aventura junto a unos desconocidos creando RAINBOW. Cuando consiguió tocar el cielo con este grupo creando un estilo y un sonido inconfundible, giró 180 grados dejando estupefactos a propios y extraños y cambiando por completo la dirección de la banda, y no hablemos de su ya larga última etapa renacentista, en la que se permite el lujo de hacer giras por castillos y grabar álbumes de música medieval. Está claro que no hay muchos artistas del “Hall Of Fame” que se hayan mantenido fieles a sí mismos y a lo que su corazón les dicta.

No obstante, sin la huella de Blackmore y su Fender, no podríamos entender el desarrollo del rock duro en la forma que se ha llevado a cabo, algo de lo que muy poquitos músicos pueden hacer gala. Para entender tal evolución es absolutamente indispensable centrar nuestra mirada en un disco concreto, aquel en el que Ritchie Blackmore decidió tomar las riendas del asunto y poner firme a medio mundo, empezando por sus compañeros. Me refiero, como no, al histórico ‘In Rock’.

Cuando Ritchie Blackmore se encerró junto a los suyos en 1970, en el Hawnell Comunity Centre a escribir los temas del nuevo álbum de lo que ya era prácticamente su banda, llevaba en mente la idea de cortar de raíz con todo lo relacionado con la psicodelia, los devaneos clásicos de Jon Lord y los experimentos de fusión. Simplemente, estaba decidido a crear un disco de rock en crudo que dejase tal huella que quedaría establecida de una vez por todas la línea a seguir por DEEP PURPLE en el futuro. Sin embargo,  fue tanto el empeño que el hombre de negro puso en conseguirlo, que trascendió sus intenciones de largo y terminó dando vida a un disco con el que cambió definitivamente el rumbo en la historia de la música rock.  

La textura global del álbum, tejida a base de estructuras nunca antes vistas, el talento hecho simpleza en los riff de ‘Into The Fire’ o ‘Living Wreck’, el efecto avalancha abriendo el disco con ‘Speed King’ o el contraste obtenido al introducir un medio tiempo como ‘Child In Time’ en aquella muralla sónica, son solo algunos de los patrones clásicos que las bandas de rock duro han venido utilizando en sus discos desde hace treinta y cinco años.

El impacto que ese disco hizo que la mayor parte de bandas de la época variasen su estilo hacia los parámetros que marcó. STEAMHAMMER abandonan el jazz rock que tenían como bandera desde su debut del 68 para, a partir de su álbum ‘Mountain’ de 1970, adentrarse en el campo del hard rock progresivo. Algo similar  sucedió con ATOMIC ROOSTER y ‘Death Walks Behind You’ o los COLOSEUM de John Hiseman, una banda que intentó el mismo viraje “falleciendo” en el intento.

Otras bandas con más solera que las citadas también cayeron bajo el influjo de las composiciones de Blackmore. HUMBLE PIE, CLIMAX BLUES BAND o STATUS QUO, pasaron por un mayor o menor mimetismo desde el pop psicodélico o el blues al rock en su lado más duro e incluso grupos como PROCOL HARUM con un clásico inmortal en su haber (‘A Winter Shade Of Pale’) se enraizaron en el hard rock con sus entregas ‘Home’ y ‘Broken Barricades’ que presentaban al guitarrista Robin Trower. Otras bandas insistieron en conservar su estilo, pero pagaron su precio y debieron abandonar la vieja Inglaterra que se había entregado a DEEP PURPLE o simplemente desaparecer. Los casos más notables son, quizá, por un lado el de los míticos SAVOY BROWN que sólo triunfaban en Estados Unidos, a donde tuvieron que emigrar tras un bajón en la demanda por parte del público británico. Peor suerte corrieron FREE, que contra todo pronóstico, veían como su aportación comenzaba a caer en saco roto y desaparecían en el 71 tras el declive comercial de sus dos anteriores entregas.

Con el paso del tiempo y la aparición a partir de los ochenta de la figura del “guitar hero”, el asunto se centra más aun en la propia figura de Blackmore que en la de su banda. Todos tenemos en mente a los personajes clónicos como el sueco Yngwie Malmsteen o Chris Impelliteri, que parecen haber dedicado su vida al maestro, llegando incluso a formar parte de la saga junto a Joe Lynn Turner y Graham Bonnet, y plagando sus carreras de continuas referencias a Ritchie.

Con todo,  hay otros casos que no por menos evidentes se hacen menos palpables en cuanto rascas un  poco. Desde Norteamérica podríamos citar a George Lynch o Tony Macalpine como ejemplos del sonido Blackmore dentro de dos estilos diferentes entre sí. Más similar a la vieja escuela está el argentino Walter Giardino, que al frente de RATA BLANCA está considerado por muchos fans como el que podría haber sido un recambio perfecto para DEEP PURPLE, y tiene el honor de contar con la admiración del mismísimo David Coverdale. No obstante quizá podemos afirmar que ha sido en Europa donde más se ha desarrollado la influencia de Blackmore. Desde el alemán Axel Rudi Pell o Dario Mollo en Italia, que ha acompañado a Glenn Hughes y Graham Bonnet, las referencias en la carrera de los músicos de rock europeo son incontables, Dave Murray, Kai Hansen, Timo Tolkki o, cómo no, nuestro enorme Armando de Castro, junto a su hermano Carlos llevan en su sonido el estigma de Ritchie Blackmore, algo de lo que, a buen seguro, se sienten orgullosos.

Aproximación 3ª

JECKYLL AND HIDE

No se puede entender la vida de este genio sin hacer un pequeño apunte a su personalidad. Al igual que Marlon Brando, Van Gogh o el mismísimo Ludwig Van Bethoween, Ritchie Blackmore se ha visto acompañado durante toda su carrera por una gran fama de huraño, antipático e intratable. Bien es cierto que no ha hecho gran cosa por quitarse tal sambenito de encima, aun diría más, no le faltan méritos para tenerlo más que merecido, pero hay que decir en su favor que quienes han sufrido sus ataques de ira, sus desplantes y unas bromas que de puro pesadas rozaban el delito, han sido las más veces promotores, técnicos y miembros de sus bandas, y en muy pocas ocasiones el público o los fans directamente.

Algunos de sus peores momentos han quedado inmortalizados como parte de la historia del rock and roll. La mítica “California Jam” de 1974 es un buen ejemplo. En un festival de aquella envergadura, la imprevisible ausencia de incidentes hizo que la actuación de DEEP PURPLE se adelantase una hora sobre lo previsto, algo a lo que Blackmore, sencillamente, se negó en redondo. El promotor, desquiciado porque había una hora de vacío donde los fans podrían llegar a Dios sabe qué extremos, intentó presionarle diciendo que iniciaría una cuenta atrás desde 30 a 1, y que si él no salía, sería echado de allí perdiendo sus 200.000 dólares. Ritchie se limitó a sentarse tranquilamente esperando a que terminase de contar advirtiendo que si algún miembro de la banda salía a escena, dejaría Deep Purple en aquel mismo instante.

En el último momento, alguien de la cadena ABC, que retransmitía el evento, consiguió convencerle. El enfado con el que salió a escena se refleja perfectamente en su cara durante todo el concierto, pero afortunadamente canalizó esa agresividad en un show verdaderamente memorable llevando a sus compañeros al límite, especialmente a un David Coverdale que no se atreve ni a soltar el pie de micro en toda la actuación. En la última canción Blackmore lanza su guitarra dejando que se destroce contra el suelo, y recordando que ABC le había pedido que se acercase mucho a las cámaras de televisión, decide tomarlo al pie de la letra estrellando los trozos de la guitarra contra una de las cámaras:

“Realmente no había planeado ir a por la cámara. Sólo pensaba en asesinar al tío que se puso a amenazarme y a hacerme la cuenta atrás en el camerino. Me imaginaba que la cámara era él. No me gusta la violencia, pero esa noche estaba muy cabreado.”

Algo parecido debió sucederle durante la gira de presentación de ‘On Stage’ en el 77. Tras un show que se celebró en Viena, el dieciocho de octubre, hubo un problema entre Blackmore y uno de los miembros de seguridad que terminó con la mandíbula de este último rota. Lo que Ritchie ignoraba es que aquel tipo era un policía que hacía horas extra, así que dio con sus huesos en la cárcel, hasta que cuatro días después salió bajo fianza de 5.000 libras. El día de su excarcelación llegó tarde, y en unas condiciones en las que nadie se atrevía a aguantarle la mirada, al show que con R. J. Dio al frente la banda ofrecía en la capital de Baviera, el mítico ‘Munich 77’.

Los problemas con los miembros de seguridad han sido un clásico en la carrera de Blackmore. Otro de ellos tuvo lugar en septiembre del 75, en el Hammersmith Odeon, en una de las primeras actuaciones londinenses de la banda, cuando un par de matones se excedieron en sus funciones, golpeando a varios fans durante el show. Ritchie se sintió tan molesto por aquello que al romper la guitarra, no se le ocurrió otra gracia que tirar los trozos a los pies de los gorilas, que sufrieron la avalancha de docenas de fans, mientras Blackmore les vació encima varias botellas de cerveza desde el borde del escenario.

Ni siquiera las personas más cercanas a él, sus propios compañeros, se libraron de su carácter. Para la historia quedan las peleas entre Blackmore y Gillan, empeñados en hundirse constantemente el uno al otro, o las bromas pesadas que padeció el bueno de Joe Lynn Turner, una de las víctimas más sufridas. En Francia, por ejemplo, mientras Joe presentaba uno de los temas, comenzó a recibir una lluvia de hortalizas desde el público. Mientras murmuraba algún insulto contra aquel público tan hostil, miró hacia atrás buscando el apoyo de sus compañeros, para descubrir que estaba completamente solo sobre el escenario y que eran Ritchie y compañía quienes desde el foso de los fotógrafos le estaban haciendo quedar en ridículo. Don Airey tampoco se libró del sentido del humor de Blackmore. En un show que se celebraba en Hawai durante la gira de ‘Difficult To Cure’ al terminar su solo en el teclado, vio que nadie se dignaba a regresar al escenario y continuar con la canción, por lo que siguió alargando su set improvisando durante más de media hora, para terminar descubriendo a sus compañeros entre bambalinas riéndose de los apuros que él estaba pasando. Quien no se lo tomó tan bien fue Tom Carey, teclista del grupo hasta el 78, que vio entre indignado y estupefacto cómo durante su solo en un show que se celebraba en Japón, el resto del grupo, comandados por Ritchie, salió a escena con sendas tumbonas de playa ¡y se pusieron a leer el periódico! Carey entendió la indirecta y nunca más quiso saber nada de RAINBOW o Blackmore.

Son incontables las anécdotas protagonizadas por Ritchie Blackmore, desde inocentes sacos de harina arrojados desde el autobús en sus conciertos con Lord Stuch en los primeros sesenta, a las peleas destrozando bares y hoteles junto a amistades tan “poco” recomendables como las de Ian Hunter, John Bonham o Keith Moon, pero como decía, el público y sus fans normalmente han gozado de su atención.

Como prueba cercana a nosotros, comentar que el título ‘Spanish Nights (I Remember It Well)’, que aparece en el segundo álbum de Blackmore’s Night, está dedicado al Clube de Adictos a Deep Purple de Vigo, del cual varios socios fueron recibidos por Ritchie y Candice en las habitaciones de su hotel madrileño en diciembre del 97, compartiendo fiesta y champán hasta altas horas de madrugada… y todo a raíz de los fax que enviaron a su oficina protestando por anteriores cancelaciones. Semejante muestra de respeto, educación y amabilidad es la némesis de la imagen que siempre hemos tenido del malhumorado guitarrista.

Quizá podríamos usar como cierre una frase de Pete Way, el bajista de UFO, que es un perfecto resumen de una personalidad tan retorcida y desconcertante.

“Durante la gira de UFO y Rainbow en el 81, una noche descubrí que Ritchie Blackmore, el mítico “Hombre De Negro”, ¡dormía con pijamas que llevaba su nombre bordado!… una leyenda se rompió en mil pedazos aquella noche”.

Aproximación 4ª

MAN IN BLACK GUITAR IN WHITE

¿Puedes imaginar a Angus Young rasgueando los riffs de ‘Highway To Hell’ con una Flying V colgada en su cuello? ¿Y a Michael Schenker atacando ‘Desert Song’ con una Fender Telecaster? Seguramente te costará trabajo, porque hay guitarras que se han fundido con las manos de los músicos formando un solo cuerpo como es, en el caso de Ritchie Blackmore, su eterna Fender Stratocaster blanca. Un instrumento que el paso del tiempo ha convertido en el icono de sus días eléctricos, y que asociamos a su figura como la Gretch de caja a Malcom Young o la Gibson SG a Toni Iommi. Naturalmente hubo un pequeño camino para llegar hasta ese punto, que es simplemente una prueba más de la inquietud de un músico, que podríamos comparar a la del artesano que busca una herramienta ideal para materializar con sus manos lo que tiene en la cabeza.

Con once años, consiguió que su padre le comprase una “Framus” acústica negra, la misma con la que empezó Paul McCartney. Esa fue su primera “compañera” a la que Ritchie recordaba en una entrevista a Vintage Guitars:

“Cuando tenía once años aburrí a mi padre para que me comprase una guitarra, así que fuimos a la tienda de instrumentos del barrio y me compró una Framus acústica. Creo que costó alrededor de siete guineas, que equivaldrían a unos veinte dólares, lo cual era mucho dinero en aquellos días, y recuerdo que me dijo: ‘¡Como no aprendas a tocar esta cosa, te la rompo en la cabeza!'”

  Las cosas eran difíciles en aquella época, por lo que el talento de Blackmore hubo de desarrollarse durante algunos años con aquella vieja acústica, a la que él llegó a añadir hasta tres pastillas y un control de tono y volumen hasta cuatro años después, cuando con quince, se hizo con su primera guitarra eléctrica, una “Höfner 50 Club”, idéntica al modelo usado por Jimi Hendrix o Joe Brown, a la que acompañaba con una amplificador Watkins Dominator que le dio serios problemas, como él mismo recuerda: “Tocábamos una vez por semana, con suerte, y cada vez que lo enchufaba se estropeaba en el primer o segundo tema, así que tenía que ir a Londres de vuelta con él a la tienda, donde me daban otro… ¡Una vez a la semana durante seis semanas! Al final decidieron que viniese con la guitarra y tocase allí, delante de ellos, y lo hice hasta que el ampli se estropeó… la razón era que aquel trasto estaba diseñado para tocar a medio volumen y yo lo ponía al diez!”.

La Höfner sin embargo era una guitarra con muy buen aspecto, muy bien construida y de calidad, pero sus pastillas no eran demasiado potentes. Ritchie había conseguido entrar a formar parte del mundo profesional de la música y necesitaba algo con mucho más ataque, así que a principios de los sesenta se decidió por una “Gibson ES 335” de color rojo cereza. Era un modelo bastante común por aquellos días, quizá en parte porque Eric Clapton la usaba en CREAM, y eso inclinó a muchos músicos a hacerse con ella, aunque otros artistas como Chuck Berry lo habían hecho anteriormente. La ES 335 se desarrolló a lo largo de toda la década con continuas mejoras por parte de la casa, pero el propio Ritchie también hizo las suyas añadiéndole un puente diferente al que traía, ya que buscaba la manera de añadir un vibrato para sus solos, y aunque podamos pensar que Ritchie llevaba una enorme cantidad de efectos, en realidad, su equipo quedaba limitado a la ES 335, un amplificador Vox-200, un Fuzzbox artesano y un Wha Wha de la casa Vox. Naturalmente, la maestría y la técnica las tenía en sus manos.

Resulta verdaderamente sorprendente el status que nuestro “hombre de negro” había alcanzado a  estas alturas, cuando apenas DEEP PURPLE habían empezado a rodar. El mismísimo Jim Marshall creaba el prototipo del “JTM 45”, un amplificador que ha hecho historia en la música rock, y ¿en quién diríais que confió J. Marshall para el desarrollo de sus amplificadores?, seguramente lo habrás adivinado ya, pero mejor dejemos que lo recuerde él mismo:

“En un comienzo se habían preparado seis prototipos, cinco de ellos los descarté ya que no consideraba que estaban listos, el sexto me pareció que estaba bien y se lo di a Pete Townshend y a Ritchie Blackmore para que lo probasen”.

Efectivamente, cuando DEEP PURPLE ni siquiera había alcanzado éxito fuera de Inglaterra, el criterio de Blackmore era tenido en cuenta a la hora de desarrollar un amplificador como el mítico Marshall que todos conocemos, formando parte del banco de pruebas:

“Empecé con la ES 335 y mi Vox AC-30, que combiné con el Marshall porque no estaba al 100% satisfecho con aquellos amplis de un cuerpo. Probablemente volví loca a toda la gente de la fábrica Marshall, porque siempre estaba probando cosas por aquel entonces y lo hacía a todo volumen. De hecho, la oficina de Jim estaba calle abajo de la fábrica, en la otra acera de la calle, pero Jim decía que siempre sabía cuándo estaba yo por allí, porque podía oírme desde aquella distancia.”

Los años fueron pasando hasta llegar a la década de los setenta, en la que Blackmore selló su alianza definitiva con la Stratocaster. Tras la publicación del capricho de Jon Lord ‘Concerto For Group And Orchestra’, Ritchie buscaba un sonido agresivo y con mucho ataque que devastara la escena rock cambiándola para siempre. Paradójicamente fue Eric Clapton, su archienemigo del alma, quien le facilitó los medios para hacerlo, aunque no de un modo directo, naturalmente, si no a través de un roadie a quien se la había regalado y que a su vez era amigo de Blackmore:

“Me gustaba la Strato porque sonaba afilada, agresiva, pero realmente era mucho más complicada de tocar, no solo por la mayor tensión, sino por su propio sonido. Cuando tocas con pastillas Humbuckers tienes siempre ese sonido gordo que te ayuda a sobresalir, pero le falta sustain. La Strato suena hiriente, pero no te permite fallos, no puedes fallar notas, mientras que la Gibson era mucho más permisiva”.

Por fin el artesano había encontrado la mejor herramienta para materializar su talento. Desde los primeros setenta hasta el fin de sus días eléctricos, la Fender Stratocaster ha sido su esposa más fiel, la que se ha dejado romper en pedazos en un ceremonia tantas veces repetida y la que, dirigida con sus manos, ha hecho reír, soñar y llorar a millones de personas en todo el mundo.

Miguel.Asturias.

.::DOSSIER RITCHIE BLACKMORE::.

¿Que hay en el dosier?

Bueno, en esta ocasión he intentado hacer un totum revolutum que consiste básicamente en una serie de entrevistas y reportajes que han tenido como figura central a Ritchie Blackmore a través de los años. No hay un criterio concreto, ni una fecha o un evento especial. Simplemente se trata de que ‘el hombre de negro’ protagonice los papeles en cuestión.

¿Como lo consigo?

Si eres asiduo, no pierdas el tiempo leyendo. Si acabas de descubrir este espacio, decirte que tienes que escribir un post relacionado con la figura de Ritchie en cualquiera de sus innumerables momentos musicales. Qué te parece su técnica, que opinas de su carácter, cualquier anécdota, si lo has visto en ‘carne mortal’, cual es el trabajo que más te gusta de cuantos ha grabado… en fin lo que se te ocurra. Recibirás el enlace de descarga a vuelta de correo.

– Reportaje sobre la carrera de Ritchie publicado en la revista THIS IS ROCK nº22 en Abril de 2006. Se trata de este mismo reportaje. Catorce páginas escritas en español.

– Reportaje sobre la carrera de Ritchie publicado en la revista ROCK-FOLK en Mayo de 1975. Ocho páginas escritas en francés.

– Entrevista publicada en la revista PELO en 1983. Tres páginas en español

– Entrevista publicada en la revista KERRANG en 1987. Tres páginas en inglés.

– Reportaje publicado en la revista METAL HAMMER en Marzo de 1988. Cuatro páginas en español.

– Reportaje publicado en la revista METAL HAMMER en Marzo de 1988. Cuatro páginas en alemán.

– Entrevista publicada en la revista POPULAR1 nº 65 en Noviembre de 1978. Siete páginas en español.

– Nota grandes guitarristas publicada en CIRCUS MAGAZINE en Septiembre de 1976. Una página en inglés.

– Entrevista publicada en la revista CRASH en Mayo de 1987. Tres páginas en alemán.

– Entrevista publicada en la revista ENFER en Abril de 1987. Seis páginas en francés.

– Reportaje publicado en la revista GUITAR HEROES nº2 en 1982. Cuatro páginas en inglés.

– Reportaje publicado en la revista GUITAR PLAYER en Septiembre  de 1978. Nueve páginas en inglés.

– Entrevista publicada en la revista HEAVY ROCK en Marzo de 1988. Tres páginas en español.

– Entrevista publicada en la revista POPULAR1 nº 83 en Mayo de 1980. Siete páginas en español.

 

ARTICULOS

.::Who cries for the children? We do::.

ARTICULOS-HEARNAID-00

Pocas veces me ha ocurrido escribiendo una reseña lo que me ha pasado con esta. El caso es que llevaba tiempo queriendo escribir este artículo, pero me costaba encontrar el enfoque adecuado para hacerlo. Debo reconocer que me resultaba difícil considerar ‘Hear ‘n Aid’ como algo hecho completamente en serio, esa es la verdad. Entendámonos. No dudo por un instante de la buena fe y el espíritu altruista y solidario de quienes intervinieron en el proyecto, pero había momentos en que dudaba si en realidad se trató de un verdadero arranque de conciencia, un chusco movimiento promocional o una rabieta con intención de demostrar que los ‘heavies también estamos aquí, y somos gente legal’ .
Con la mano en el corazón, el recuerdo de todo aquello era más bien como de una parodia en clave metal del legendario “We are the World” que protagonizaban las estrellas del pop quienes (esas si) contaban sus ventasARTICULOS-HEARNAID-02 por decenas de millones. En fin, no seré yo quien defienda a los artistas de USA FOR AFRICA frente a Ronnie James Dio, Rob Halford o cualquiera de los participantes en este asunto, pero las cosas son como son y con ambos mundos situados sobre un ring, aquello sería algo parecido a un combate Myke Tyson vs. Roque III.
En fin, el caso es que a medida que iba escribiendo y descubriendo cosas, leyendo sobre el tema y viendo los video clips de los músicos trabajando en el estudio, mi percepción sobre todo el asunto cambiaba cada vez más, hasta que me sorprendí valorando en positivo lo que en otro momento me pareció ,de alguna manera, fuera de lugar. Es más, ver el video de la canción me pareció emocionante.
En fin, si se consiguió algún objetivo o si los vinilos acabaron llenando los cajones de ofertas en tiendas de segunda mano, es algo que tres décadas después poca importancia tiene, así que nos toca ahora centrarnos en el proyecto en sí, que al fin y al cabo es lo interesante.

EL PROYECTO

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Tony Iommi duante el show de BLACK SABBATH ne ‘Live Aid’

No era la primera vez que el heavy metal estaba presente en un evento caritativo de gran magnitud. Aquel mismo año, ‘Live Aid’, el macro festival montado por Bob Geldorf, tenía entre sus participantes a JUDAS PRIEST, LED ZEPPELIN y BLACK SABBATH, reuniéndose estas dos últimas formaciones en exclusiva para el evento. Sin embargo hacía falta algo que fuese protagonizado únicamente por los grupos metal de la época.

Jimmy Bain, bajista de DIO y uno de los dos cerebros creadores (junto a Vivian Campbell) lo tenía bastante claro:

“La mayoría de los músicos quiere hacer algo, pero realmente no saben cómo proceder. “Hear ‘n Aid”, fue una forma de que estos músicos se moviesen”.

Así las cosas, concibieron una especie de fundación a través de la cual canalizaron”Stars” y “Hear ‘n Aid”. Pero el vinilo era solo parte de un todo que incluía también un video con el  making off de ‘Stars’ ( el single ) y un montón de merchandising, cuyas ventas se destinarían a intentar paliar el hambre en Africa.

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Como decía antes, la iniciativa partió de Vivian Campbell y Jimmy Bain. Me ha sorprendido enterarme de esto, ya que siempre creí que todo había partido
de Ronnie pero no, de hecho en principio se mantuvo al margen, centrado como estaba en ‘Sacred heart’, lo que sería su siguiente disco en solitario, aunque finalmente accedió a escribir la canción y, de alguna manera, poner nombre al asunto. Ronnie Dio:ARTICULOS-HEARNAID-03

“ Para mí, lo más importante sería cambiar la mentalidad de la gente. Si una sola vida, mente o actitud da un giro gracias a este proyecto, entonces me sentiré satisfecho. Además queremos recaudar la mayor cantidad  de dinero posible para ayudar a tanta gente necesitada. No deseamos subirnos al carro de
iniciativas benéficas porque esté de moda, queremos hacerlo de manera diferente.”

LA GRABACION

Las pistas básicas de ‘Stars’ se registraron en los Sound City Studios de Los Angeles (el mismo sitio donde se grabó el primer disco DIO) con Vivian Campbell a la guitara, Jimmy Bain como bajista y Vinnie Appice compartiendo el papel de batería con Frankie Banalli de QUIET RIOT.

La mayoría de las partes vocales y de guitarra se añadieron después en días separados en losA & M Studios, también en Los Ángeles, utilizados poco antes por las estrellazas de USA FOR AFRICA, para grabar su legendario ‘We are the world’.

Los guitarristas que participaban tenían un límite de doce compases para cada solo. Debemos recordar que eran nada menos que once músicos y supongo que de alguna manera había que poner el límite. Joder, eran nombres de la talla de Vivian Campbell, Carlos Cavazo, Donald “Buck Dharma” Roeser, Brad Gillis, Craig Goldy, George Lynch, Yngwie Malmsteen, Eddie Ojeda y Neal Schon con Adrian Smith y Dave Murray en la parte final.  Pocas veces (quizá ninguna) hemos tenido tanto y tan bueno al mismo tiempo.En cuanto a los cantantes… pues que decir. Las palabras del mismísimo Rob Halford, dejan la cosa bastante clara:

“Me imagino que la mayoría de los fans creen que todos nos conocemos unos a otros, lo cual no es cierto en absoluto. De hecho, pasamos las primeras horas mirándonos como si estuviésemos ante la foto de una revista. Pero después de un rato, una vez que dejamos de estar a la defensiva, la conexión fue absoluta. Tuve la ocasión de sentarme y charlar con gente a la que siempre había admirado.”

Si el cantante de JUDAS PRIEST admiraba a sus compañeros, ¡qué haríamos nosotros!. Lo más selecto de la época, estaba allí presente. Puede que cada uno de nosotros echase en falta a una docena, porque si algo había en aquellos años, era talento, pero bueno, la lista es apabullante: Eric Bloom, Ronnie James Dio, Don Dokken, Kevin DuBrow, Rob Halford, Dave Meniketti, Paul Shortino y  Geoff Tate  sin mencionar la parte de los coros, por no hacer que esto se eternice.

ARTICULOS-HEARNAID-05Uno de los momentos que se preveía  más problemático fue precisamente ese, el de la grabación de los coros. Cuarenta machos alfa del metal metidos en una habitación, con sus respectivos cuarenta egos hinchados hasta el límite, eran un más que probable foco de problemas. Sin embargo, Ronnie Dio tuvo la brillante idea de poner a Kevin DuBrown de QUIET RIOT a dirigir el asunto. Así lo explicaba a Kerrang el propio Ronnie:

“Estaba convencido que los coros iban a ser un gran problema, así que puse a Kevin al cargo. Usé un poco de psicología, cogí al peor de todos y le pedí que mantuviese las cosas en su sitio. Supongo que se vio  responsable de algo que le importaba y la cosa funcionó de maravilla. Además te diré una cosa: el tipo canta de la ostia”.

Todos los participantes venían con la canción aprendida, ya que les había sido enviada una cinta con la melodía del tema grabada con un piano. Una vez en el estudio, cada músico o cantante tenía una hora de tiempo límite para hacer su trabajo.

A decir verdad resulta bastante emotivo ver juntos a ese montón de personajes que nos hicieron felices, algunos de los cuales ya no están entre nosotros, como Ronnie Dio o Kevin DuBrown, y es chocante pensar en todo lo que habría de pasar en el mundillo del heavy metal desde entonces.

 

STARS VIAJA A EUROPA

Para promocionar el proyecto, se celebró una presentación en el Hard Rock de Londres, que tuvo lugar el 9 de Abril, donde se reunió parte de la ‘plantilla’ HEAR ‘N AID, entre los que figuraban Rob Halford, Dio con su banda al completo, Jack Blades, Don Dokken o G. Lynch . Dirigiendo el evento estaba Michael Brokhaw , director administrativo de la fundación HEARD AN’ AID y como mentor figuraba Bob Geldorf, antiguo cantante de BOWTOWN RATS y cabeza visible del mítico Live Aid. En la presentación se celebró una rueda de prensa, se pasó el video y los asistentes aclararon cuantas cuestiones se les quiso hacer, pero no hubo (como es lógico) ninguna clase de actuación ni nada por el estilo. Hasta donde yo sé, “Stars” fue interpretada en directo en contadísimas ocasiones, y la única que está grabada pertenece al bootleg de la actuación que DIO hicieron dentro del “Tokyo Aid Festival”, y que apareció reseñado en esta web hace algún tiempo.

Dicho festival era también un evento caritativo que incluía artistas japoneses e internacionales de distintos estilos, entre los que destacaban GRAHAM BONNETT, YNGWIE J. MALMSTEEN o JOE LYNN TURNER. Aquí puedes escuchar el tema en directo:

Como he dicho, esa es una de las contadas veces que el single ‘Stars’ se hacía en directo, porque no debemos olvidar que ‘Stars’ fue el sencillo que se extrajo de lo que en realidad era un LP completado con diferentes aportaciones de bandas en su mayoría muy importantes en la comunidad heavy metal.

La mayor parte del material era oficial, solamente ‘Can you see me’ de Jimi Hendrix (artista que parece bastante fuera de sitio, en mi opinión) era inédita, pero aun así la selección parece lo bastante interesante para dar forma a un recopilatorio solvente.

ACCEPT por ejemplo aportaban ‘Up to the limit’ de su miniLP “Kaizoku Ban” grabado en directo en Japón un año antes, y DIO (la banda) ponía “Hungry for Heaven” al servicio de la fundación, en su versión publicada en 1985 en el directo “Intermission”. Un poquito más ‘rara’ era “Heaven’s on fire” la canción que representaba a KISS. En fin, no dejaba de ser material oficial grabado durante la gira ‘Animalize’, pero se había publicado solo en video, dentro de la colección MTV Concerts, y eso en 1985, al menos en España era más que raro.

Algo parecido ocurría con RUSH, quienes cedían la canción “Distant early Warning” extraida de su video en directo “Grace under pressure” de la gira de 1984 que promocionaba el álbum del mismo nombre. El video se publicó en 1985, pero no fue hasta 2.006 que salió el cd con el concierto en audio. Por último, decir que no hay información sobre ‘The Zoo’ de SCORPIONS en el disco, y por internet no he podido averiguar cuando se grabó, o si aparecen en algún disco o algo, así que me quedo con la duda. Si alguno de vosotros sabe algo al respecto, se agradecería un poco de luz.

Bien, pues como decía al principio, empecé  el artículo con un regustillo más bien bizarro, no sé si ayudado por la presencia entre los artistas de dos miembros de SPINAL TAP, pero lo termino con mi más rendida admiración hacia el aspecto solidario del proyecto por una parte, y el increible torrente de talento que hay en esos diez minutos de canción. Un buen resumen de toda una década de heavy metal.

Miguel.Asturias.

DOSIER ‘Heard ‘n ‘aid

Se trata de una recopilación de artículos, entrevistas, reseñas y demás, publicados en la prensa internacional y dedicados a “Hear ‘n Aid”, el disco y la Fundación.

Para conseguirlo solo tienes que escribir un comentario en este blog al respecto de la canción, o qué te pareció la iniciativa, qué recuerdo tienes de ella etc.

ARTICULOS-HEARNAID-06-Artículo publicado en HEAVY ROCK nº 32, publicado en Abril de 1986. Dos páginas en español.

-Artículo publicado en METAL HAMMER Alemania, durante Julio de 1986. Dos páginas en alemán..

-Artículo y rueda de prensa publicado en ENFER MAG. N1 37, durante Julio de 1986. Tres páginas en francés

-Reportaje y entrevista a R. Dio publicado en Hard Force Mag Nº 4 durante Mayo de 1986. Seis páginas en francés.

-Reportaje especial publicado en Kerrang (UK) 118 durante Mayo de 1986- Cinco páginas en inglés.

-Reportaje publicado en Classic Rock Magazine durante febrero de 2014. Tres páginas en inglés.

ARTICULOS-HEARNAID-07-No me Judas de POPULAR1 148. Una página en español.

-Entrevista Vivian Campbell Ronnie Dio publicada en CIRCUS MAGAZINE durante diciembre de 1985. Seis páginas en inglés.