CRONOLOGIA

.::IRON MAIDEN: “Powerslave”::.

Aces High  – Two Minutes To Midnight  – Losfer Words (Big ‘Orra)  – Flash Of The Blade  – The Duellists  – Back In The Village  – Powerslave  – Rime Of The Ancient Mariner

Steve Harris: Bajo   Bruce Dickinson: Voz   Adrian Smith: Guitarra   Dave Murray: Guitarra   Nicko McBrian: Batería.  Produce Martin Birch

Esta reseña se completa con un dossier de prensa cuyo contenido y forma de conseguir vienen indicados al final del artículo.

Powerslave” salió a la venta el 3 de septiembre del 84, justo el día en que la banda actuaba en Madrid. La gira de presentación del disco era tan apretada, que había empezado un mes antes de la publicación del álbum… pero no nos precipitemos, y retrocedamos a la primera semana de Enero de aquel lejano 1984.

Una vez terminado el ‘World Piece Tour’ cerrando el mítico Dortmund Festival, la banda viajaba a Las Bahamas para registrar las canciones que darían forma al nuevo disco. Esto ocurrió en los primeros días del 84, así que teniendo en cuenta que la gira de ‘Piece of mind’ había terminado el 18 de Diciembre como hemos dicho, está bastante claro que ‘Powerslave’ fue escrito en la carretera, como suele decirse.

Bajo mi humilde punto de vista, esto se dejó notar en el sentido de que ‘Powerslave’ era un álbum muy polarizado. Por un lado, tenía cuatro canciones que se convirtieron en clásicas en la primera escucha. Sin embargo,  se completaba con otras cuatro, que aun siendo extraordinariamente brillantes, estaban bastante por debajo de las primeras.

Por empezar de alguna manera, lo haremos por estas últimas: “Losfer Words”, “Flash of the Blade”, “The Duellists” y “Back in the Village” venían todas seguidas, colocadas precisamente en ese orden. En esas condiciones, con una primera parte del disco formada por “2Minutes to midnight” y “Aces high” y un cierre con “Powerslave” y “Rime of the ancient Mariner”, pretender que todo está al mismo nivel, es un acto de fe casi bíblico.

De todas ellas, “Losfer Words” era quizá la que peor parte se llevaba. Al ser una canción instrumental, tenía que competir con hitos como “Transylvania” o “Gengis Kan” y no salía muy bien parada, “Flash of the Blade”, escrita en solitario por Bruce Dickinson, era una canción más que aceptable, pero jamás entró en el repertorio de ninguna gira. Al menos pudimos disfrutar de ella en la película ‘Phenomena’ de Dario Argento, estrenada en 1985. “The Duellist” la más cercana a la tradición MAIDEN, se alargaba en un corta-pega que en ocasiones perdía su sentido y por último, “Back in the Village” (secuela de “The Prisioner” en su parte lírica) era demasiado rápida para entrar un set como el de IRON MAIDEN, que no acostumbraba a tener canciones con ese tempo.

En resumen, por una u otra razón, la parte central del disco parecía estar fuera de lugar en un momento como aquel, en el que Harris y compañía se habían ido superando a sí mismos en cada entrega.

Otro asunto bien diferente era la otra mitad del disco. “Aces High”, abría el disco directo a la cara, y fue una canción incomprensiblemente apartada del repertorio tras este tour, pero que en cambio salió editada como segundo sencillo del disco. No tenía una estructura especialmente complicada pero abarcaba un rango de octavas considerable y además tenía un tempo muy dinámico, lo que debía convertirla en una canción difícil de tocar en directo y quizá por eso fue apartada. Decía que este había sido el segundo sencillo del disco. Antes habían publicado en el mismo formato “2 Minutes to midnight”, de hecho este single salió el 6 de Agosto, como adelanto al LP.

Esta canción, al contrario de ‘Aces High’, sí tuvo presencia en los sucesivos tours, de hecho y si no me equivoco, solo dejaron de tocarla en la gira de ‘Dance of Death” durante 2004. La guerra era su argumento lírico, cumpliendo una tradición establecida desde que Dickinson se había puesto al frente del grupo.

Y fue precisamente Dickinson, quien firmo en solitario el tercero de los cuatro ‘grandes temas’, ‘Powerslave’. Lo que empezó, según palabras del propio cantante como una secuela de ‘Revelations’, terminó convertida en una de las mejores canciones de toda la historia del grupo. ‘Powerslave’ hereda el sonido más épico de los RAINBOW de Ronnie Dio, la riqueza y la grandilocuencia del viejo hard rock de los setenta y se envuelve en la energía del heavy metal de mediados de los ochenta dando vida a uno de sus clásicos inmortales.

Por último, el disco tenía un broche de oro en una canción que en su momento estuvo en boca de todos: ¡un tema de casi un cuarto de hora!. Fue algo que nos sorprendió muchísimo y nos daba argumentos para demostrar a los fans de MODERN TALKING que nuestros ídolos estaban a años luz por encima de los suyos, y de hecho así era!!. Con un argumento basado en un poema del mismo nombre, “Rime of the ancient Mariner”resumía de alguna manera, muchos de los paisajes a los que nos tenía habituados la banda: partes rápidas, partes melódicas, desarrollos instrumentales de verdadero lujo y en fin, todo lo que cabía esperar de una banda como IRON MAIDEN.

Tampoco decepcionaron en lo que se refiere al producto en sí. De nuevo eligieron los Compass Studios en Nassau, (supongo que por el brillante resultado obtenido en ‘Piece of mind’) y una vez más fue Martin Birch quien unió todas las piezas de aquel puzle, que aun tuvo que pasar por los Electric Ladyland Studios para las mezclas y los Sterlig Sound Studios para la masterización. Tanto viaje de estudio en estudio terminó por dar sus frutos. Como de costumbre, el trabajo de Martin Birch está muy focalizado en las guitarras, que suenan poderosas y compactas, pero con una nitidez casi cristalina. La sección rítmica de Harris y Nicko sigue la línea de su anterior disco y dan al conjunto una intensidad que sirve de perfecto colchón para el trabajo de Bruce Dickinson, que demostraba aquí capacidad suficiente como para arrancar una carrera en solitario de haber querido hacerlo. Todos sabemos que aun faltaba algún tiempo para que eso ocurriese y que cuando se editó ‘Powerslave’ IRON MAIDEN era un ente sólido y firme como un bloque de hormigón. De hecho era la primera vez en la historia de la banda que editaba un disco con la misma formación que habían tenido en el anterior.

WORLD SLAVERY TOUR

La gira de presentación del disco superó las cotas hasta entonces alcanzadas por el grupo.

World piece tour” ( la gira del álbum ‘Piece of Mind’) había dejado exhausto a todo el mundo, pero se quedó pequeña en comparación. Para empezar duró nueve meses, frente a los doce de esta, y además mientras que aquella se limitó (por así decirlo) al Reino Unido, Europa y Norteamérica, al ‘World Slavery Tour’ (nombre que recibió esta) hubo que sumar fechas en el continente Australiano, Japón y Sudamérica. Una prueba más del salto que la banda había dado en aquel año.

Como hemos dicho, el “World Slavery Tour” empezó un mes antes el álbum fuese publicado, y lo hizo detrás del Telón de Acero. Para quienes seáis más jóvenes o tengáis poca memoria, recordemos que eso del Telón de Acero, eran una serie de países que estaban sujetos a la dictadura comunista y que en realidad no dejaban de ser marionetas de la Unión Soviética. Países como Polonia, Hungría o parte de Alemania, que hoy llevan una vida normal, estuvieron hasta finales de 1989 sometidos a una dictadura de terror y a una total ausencia de libertades, lo que convertía a aquellos conciertos en una bendición para los metalheads de la zona.

Aquella parte de la gira fue filmada y recogida en una especie de documental titulado “Behind the Iron Curtain” que en principio constaba de cuatro únicas canciones recogidas en apenas cuarenta minutos, pero que luego fue alargado con la inclusión de más temas de la gira. El caso es que en su mayor parte, estos fueron grabados en Hannover, de hecho, de los cuatro originales solo hay uno en Polonia y otro en Hungría pero bueno, lo mejor de la cinta son las conversaciones con los fans y entre ellos mismos, y sobre todo, y la impagable versión que la banda hace de ‘Smoke on the water’ en un banquete de boda que se celebraba en Polonia y al que ellos se apuntaron´.

Así las cosas, Polonia, Hungría y la desparecida Yugoslavia vieron los primeros shows de este inmenso tour que continuó por los países del sur como Italia, España o Portugal, para después centrarse en el reino Unido, donde hicieron 24 fechas en un mes, siendo las cuatro últimas para sendas noches seguidas en el mítico Hammersmith londinense.

Alemania y el corazón de Europa, acogieron al grupo durante el siguiente mes, antes de emprender viaje al otro lado del Atlántico, donde giraron durante otros cinco meses, desde Noviembre hasta Marzo de 1985. Canadá y sobre todo Estados Unidos se llevaron la mayor parte de las fechas, como es natural, si bien hubo un show muy significativo que ya hemos comentado en esta web y que puedes recordar  AQUÍ

ROCK IN RIO

Decía que era una parada significativa porque se trataba de su primera visita a Sudamérica, donde el tiempo ha demostrado que tienen una base de fans absolutamente leal y entregada, y porque con su presencia allí. IRON MAIDEN ponían el heavy metal a un nivel inimaginable tan solo un par de años atrás… de acuerdo, aquel festival acogió a muchas bandas importantísimas de rock duro, ahí estaban AC/DC, WHITESNAKE o SCORPIONS entre otras, pero ninguna de ellas jugaba en la liga del heavy metal sin aditivos.

Además de aquella, otras fechas de suma importancia en aquel tour fueron, como habrás adivinado ya, las de mediados de Marzo del 85, concretamente del 14 al 17, en Long Beach, California. Cuatro shows de los que se extrajeron las canciones que darían forma a su doble álbum en directo “Live after death” del que hablaremos en su momento…. Después de aquel tramo en Norteamérica, visitaron, Japón, Australia, y volvieron a Estados Unidos donde remataron aquel mastodóntico tour en 19 de Julio de 1985 en California.

… Y DESPUÉS DE ESO?

Si obviamos el álum en directo que salió de la gira de “Powerslave” puede decirse que este dico cerró toda una etapa en el grupo. Bien es cierto que al mismo tiempo, la escena eavy metal daba un giro muy acusado y la mayor parte de las grandes bandas plegaban velas y abandonaban su lado más duro: JUDAS PRIEST, SAXON, ACCEPT, WASP… todas ellas hacían concesiones a una comercialización de la que IRON MAIDEN no fueron ajenos.

De todas formas, este fue uno de los discos de heavy metal más vendidos de la historia y quizá de los que más ayudó a abrir el mercado a dicho género: Oro en Alemania y Reino Unido, platino en Estados Unidos y doble platino en Canadá, y diferentes posiciones en el Top5 de Reino Unido, Holanda, Noruega, Suecia, etcétera.

Si “Piece of mind” nos había tradido al IRON MAIDEN más oscuro y barroco, “Powerslave” anunció cambios desde su magistral portada: Eddie dominaba el mundo desde su trono bajo un cielo claro y rodeado de luz. No sé si esto fue un mensaje subliminal, pero sin duda resultó ser cierto.

.::DOSSIER::.

.::DOSSIER ‘POWERSLAVE”::.
Si eres habitual, ya sabes lo que hay que hacer. Si no sueles pasar por aqui, simplemente se trata de que compartas tu opinión sobre este disco escribiendo un post en este blog: cual es tu tema favorito, cual es la mejor época del grupo, si los has visto en directo…. lo que se te pase por la cabeza, relacionado con este álbum a poder ser.

-Reportaje publicado en CIRCUS Magazine durante Abril de 1985. Cuatro páginas en inglés.

-Artículo ‘Separación IRON MAIDEN’, publicado en POPULAR1, nº 135 en Septiembre de 1984. Dos páginas en español.

-Reseña clip “2 minutes to midnight” publicada en POPULAR1 137 en Octubre de 1984. Una página en español.

-Reportaje actuaciones en España publicado en HEAVY ROCK nº 15, en verano de 1984. Cuatro páginas en español.

-Anuncio gira Inglaterra publicado en contraportada KERRANG 67 durante Mayo de 1984. Una página en inglés.

-Reportaje entrevista y reseña show en España publicado en Especial Popular1 ESPA64. Trece páginas en español.

-Reseña show en Escocia publicado en Kerrang 78, durante Octubre de 1984. Dos páginas en inglés.

-Resultados Top5 de KERRANG 1984. Publicado en KERRANG nº085 en Enero del 85. Cuatro páginas en inglés.

-Reportaje Rock in Rio publicado en KERRANG nº 088 durante Febrero de 1985. Cuatro páginas en inglés.

-Tourbook gira Powerslave. Veintiséis páginas en inglés.

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Cronologia

PERFECT STRANGERS

-Knocking at Your Back Door    -Under the Gun     -Nobody’s Home    -Mean Streak     -Perfect Strangers    -A Gypsy’s Kiss    -Wasted Sunsets     -Hungry Daze

Ritchie Blackmore, guitarra. Nick Blagona, ingeniero de sonido. Roger glover, bajista. Jon Lord, teclista.  Ian Paice, Batería.   Ian GIllan, voz.  Producción, Roger Glover y DEEP PURPLE.  Grabado en Horizon Studios, Vermont.

portadas y encartes del vinilo

ESTA RESEÑA SE COMPLETA CON UN DOSSIER DE PRENSA DE LA ÉPOCA. LA FORMA DE CONSEGUIRLO Y SU CONTENIDO ESTÁN DESCRITOS AL FINAL DEL POST.

Llevamos algunos años asistiendo a una serie de reuniones de bandas que van de lo esperpéntico a lo brillante pasando por lo aceptable. De brillantes catalogaría las de ACCEPT o MOTLEY CRUE, cada una de las cuales ha producido material que sin tener el calado de lo que hicieron en los 80’s, sí justifican con creces su regreso a escena. Aceptables las de TWISTED SISTER o THIN LIZZY que sin haber sacado material nuevo, sí reviven sobre el escenario lo que fueron sus buenos tiempos y dejan unas buenísimas reseñas allá por donde van… y esperpénticas las de QUEEN o POLICE, en las que la motivación económica es tan descarada que pervierte el sentido mismo de lo que fueron ambos grupos y dejan los estadios llenos, pero el corazón de los fans vacio ( o al menos eso se desprende de los comentarios…) en fin, está claro que todos vuelven a escena con distintas intenciones pero con algo en común, que es el hecho de que estas bandas regresan apoyándose (unos más y otros menos) en los viejos tiempos e intentando vivir de sus logros del pasado.

No fue esto sin embargo lo que ocurrió en 1984 con una de las bandas más importantes de la historia de la música rock. El Mark II de DEEP PURPLE se reunía por primera vez desde 1973 pero, eso sí, con un álbum nuevo bajo el brazo y una inmensa gira mundial. Habían dicho por activa y por pasiva que sólo se reunirían si tenían material nuevo para publicar y no engañaron a nadie. En ese sentido, Brian May y Andy Summers deberían dejar de contar billetes durante unos momentos y mostrar un poco de respeto por sus fans.

Dicho esto, ceo que también merece ser puesto en consideración el resultado obtenido de aquella reunión. ¿Mereció la pena realmente? ¿Hubiese sido mejor que no se prolongase en el tiempo? Supongo que cada cual pensará  de una forma diferente, faltaría más, pero bueno, mi particular opinión es que, viéndolo a toro pasado, fueron demasiadas alforjas para un burro tan pequeño. La expectación de los medios para este regreso fue tal, que volcaron toda su capacidad informativa editando especiales sobre el grupo y ocupando con sus fotos la práctica totalidad de las revistas especializadas. Incluso consiguieron que quienes éramos unos niñatos que no pasábamos del “Made in Japan”  y poco más, esperásemos aquel regreso como si hubiésemos vivido el nacimiento, desarrollo y muerte del grupo desde la primera fila. Entendámonos. No quisiera restar importancia al evento, ya que la tuvo y mucha, pero no es menos cierto que el paso del tiempo no tardó en poner de manifiesto que si DEEP PURPLE venían dispuestos a ocupar el estatus de que disfrutaban en  la década anterior, se habían equivocado de largo.

No conviene olvidar tampoco los “efectos colaterales” que tenía el regreso a escena del MARK II de DEEP PURPLE. Al menos cuatro de los más grandes nombres del hard rock se veían afectados por  aquella reunión: nada menos que RAINBOW, WHITESNAKE, BLACK SABBATH y la banda del recientemente fallecido GARY MOORE tenían que replantearse el camino a seguir tras perder a alguno de sus miembros para que DEEP PURPLE resucitaran.

POPULAR1 se volcó en el asunto.

El grupo de Ritchie Blackmore fue, en buena lógica el que más acusó el golpe: directamente desapareció. El peor parado ( aparte de nosotros, el público) fue el bueno de J.L.Turner, que como una novia despechada aun sigue esperando a que Blackmore vuelva para cumplir su promesa de volver a tomar RAINBOW donde lo dejó. La idea , al parecer, era esa: grabar el álbum, hacer la gira y volver con RAINBOW una vez terminada esta, pero supongo que el Hombre de Negro tuvo que poner en una parte de la balanza los astronómicos beneficios que le reportaba tocar “Smoke on the wáter” cada noche, y en el otro un incierto futuro para un grupo cuyo último trabajao no había pasado del puesto 34 (al que bajaba desde el tercero)… en fin, son solo negocios, como suele decirse.

Otra de las bandas que se vió golpeada en su punto más débil fue BLACK SABBATH. La entrada al grupo de Ian Gillan siempre había estado rodeada de polémica, ya sea por la forma en que GILLAN (la banda) se extinguió o ya sea por lo antinatural del fichaje de Ian en sí, por lo que nadie esperaba demasiado de su estancia en la banda y a nadie sorprendió que la abandonase. Sea como fuere, el caso es que el grupo de Tony Iommi se vió en apuros (una vez más) y pasó por algunos de los peores momentos de su historia…cosa que aún empeoraría más con la ‘implicación’ de Glenn Hughes, otro miembros de la Casa Púrpura y que investigaremos en su día.

WHITESNAKE perdió a Jon Lord en la pelea. Como en el caso de BLACK SABBATH, no deja de ser cierto que nadie esperaba ya gran cosa de la estancia del mostachudo teclista al lado de David Coverdale, ya que los rumores y cruces de declaraciones en prensa no dejaban ver una situación saneada en las relaciones entre ellos. Coverdale solucionó la papeleta sustituyéndolo por Richard Bailey, yremodelando la banda una vez más con John Sykes a su derecha, camino de una gloria que seguramente nunca llegó a soñar. Por último GARY MOORE (d.e.p.) también perdía a Ian Paice tras el kit de batería. Con el álbum en directo ‘We Want Moore” se terminaba una etapa para el guitarrista irlandés, que tenía a la vuelta de la esquina sus momentos más gloriosos dentro del hard rock.

El CLUB DE ADICTOS A DEEP PURPLE conmemoraba el aniversario del regreso del MARK II en su 25º número!

Así fueron las cosas. Lo que empezó siendo un rumor que respondía más al deseo que a la realidad terminó materializándose tras interminables reuniones, desmentidos  y especulaciones: el regreso del DEEP PURLE más clásico tenía lugar aquel lejano 1984. El fallecido locutor de BBC Tommy Vance, daba la primicia en su programa “The Friday rock show” EL 27 de Abril de 1984 y poco después, entre el 10 de junio y el 26 de Agosto DEEP PURPLE estaban en los estudios The Horizons de Vermont, Estados Unidos, grabando el disco. La mezcla tuvo lugar posteriormente en Hamburgo con Nick Blagona como ingeniero y Roger Glover y la propia banda como productores. Cuentan que fue uno de los discos más caros de la historia con cifras que, entre grabación, promoción, managent y el mordisco de cada uno de los miembros del grupo, rozaron los mil millones de pesetas de la época. Si es cierto o no, creo que carece de importancia una vez que el vinilo comienza a dar vueltas y deja fluir cada una de las magistrales canciones que componen el álbum.

Supongo que los fans que esperaban un nuevo ‘Machine head‘ o ‘Fireball‘ debieron sentirse un poco decepcionados al encontrarse con un disco inmerso de lleno en el sonido hard rock más ochentero que puedas imaginar y que, al menos en mi opinión, está mucho más cerca de los RAINBOW de J.L.Turner que de cualquier obra clásica de esta mítica formación. El asunto es que todos los temas están firmados por Blackmore, Glover y Gillan, excepto uno (‘Nobody’s Home’) lo que acentúa la idea de que la mayor parte del material estaba ya escrito p or Ritchie y Roger para RAINBOW. Si añadimos a eso el hecho de que solo pasan tres meses desde el anuncio público de su reunión a la entrada al estudio del grupo, todas las dudas quedan despejadas.
Lo curioso es que RAINBOW con Turner al frente estaban metidos en una espiral de dirección descendente, lo cual no tiene continuidad en este álbum. En mi humilde opiión, el contenido de “Perefct Strangers” ha adquirido con el paso del tiempo, la categoría de ‘grandes éxitos’ ya que no es fácil encontrar en él momentos menores. Es, por entendernos, el disco que hubiesen necesitado grabar en RAINBOW después de “Straight between the eyes” ( o en lugar de “Bent out of shape” si lo prefieres.

Reproducción del cartel del concierto en BArceona. Gentileza de PASKI.

Todo aquí es calidad y talento fabricado con una ejecución impecable y un sonido soberbio, como es de esperar. Piezas tan contundente como ‘Under the gun‘, ‘Mean streak’ o ‘Nobody’s home‘ se unen perfectamente a otras más amables como los que fueron singles, ‘Perfect strangers’ o ‘Knockin at your back door’ formando una delicia de disco que cumplió un pensamiento personal que tengo sobre este grupo, y es que al menos hasta ese momento (no hablemos sobre lo posterior) todos los cambios que hubo en DEEP PURPLE (entendiendo este cambio como otro habido respecto a la última formación) han servido para dar un soplo de aire fresco que revitalizó al grupo y su sonido.

Entrada del concierto en Barcelona. Gentileza de Xavier Rulló

El álbum, editado el 2 de Noviembre salió directo al número cinco de los charts en Inglaterra, apenas un mes antes de que diese comienzo el correspondiente tour de presentación en Australia.

La gira de presentación de “Perfect Strangers” fue mastodóntica, especialmente en lo que se refiere a su parte americana, y el repertorio estuvo basado en el material de la época “Made In Japan” entreverado con canciones de su nuevo disco. España fue uno de los países europeos agraciados con la visita del grupo, si bien hubo ciertos problemas que obligaron a cancelarla para recuperarla después. Era la primera vez en la historia para la “banda madre” ya que todo el grupo había pasado por aquí en varias ocasiones pero por separado, pero nunca bajo en nombre principal.

Desafortunadamente, no puede decirse que este disco tuviese una continuidad digana de su nombre, y todo lo que editaron después, aun con el sello de calidad indisociable a este grupo quizá ha ido devaluando el mito un poco más cada vez. En cualquier caso “Perfct Strangers” es, para quienes no nos consideramos hooligans del grupo pero sí disfrutamos con su música, un disco para escuchar entre “Down to Earth” y “Mob rules” por aquello de la variedad.

DOSSIER PERFECT STRANGERS.
Setenta y dos páginas con un peso de 90 Mb. Alojado en Megaupload.

PARA CONSEGUIRLO.

Escribe un comentario compartiendo tú visión sobre DEEP PURPLE, y en concreto sobre este disco.¿Eras un fan avezado y viviste la reunión como si tus padres se hubiesen reconciliado? ¿Acababas de conocer al grupo pero sin saber por que, estabas expectante ante el acontecimiento? ¿Tu hermano mayor se pasó meses dándote la turra con aquellos carcamales mientras tú subías el volumen de “Ride the lightning” para no tener que escucharle?. Toda opinión será bienvenida y como detalle por tu esfuerzo recibirás el enlace para descargarte el dossier.

CONTENIDO:

– Entrevista JON LORD en ENFER MAGAZINE nº 18, Noviembre de 1984. Cuatro Páginas en Francés.
– Reportaje especial en HUSH MAGAZINE nº 25, Siete páginas en español.
– Apéndice de reportaje en HUSH MAGAZINE nº27, dos páginas en español.
– Entrevista en METAL ATTACK nº 14, Octubre de 1984. Siete páginas en francés.
– Reseña de disco en ENFER MAGAZINE nº19, Diciembre de 1984. UNa página en francés.
– Entrevista en POPULAR1 nº 137, Noviembre 1984, Doce páginas en español.
– POSTER nº 30 DEEP PURPLE, los padres del negocio. Biogdiscografía, 8 páginas en español
– Biodicografia conmemorativa de ROCK DE LUX, 1985. Diecisiete páginas en español.
– Artículo revista ROCK POP de México, 1984. una pagina en español.
– Encartes originales del vinilo
– Cronica concierto y entrebista lord-Glover, HEAVY ROCK nº25 Cinco páginas en español.
– Entrevista a Ritchie BLackmore pre-reunion HEAVY ROCK nº13, 3 páginas en español.
– Entrevista banda HEAVY ROCK nº 18, Cuatro páginas en español.
– Reseña álbum en POPULAR1 nº 138, Una  página en español

Cronología

.::BLACK SABBATH: “7th Star”::.

– In for the Kill – No Stranger to Love – Turn to Stone – Sphinx (The Guardian) – Seventh Star – Danger Zone – Heart Like a Wheel – Angry Heart – In Memory …

Tony Iommi: Guitarra, Glenn Hughes: Voz, Dave Spitz: bajo, Eric Singer: Batería, Geoff Nicholls: Teclado

Músicos Adicionales: Gordon Copley – Bajista en “No Stranger to Love

ESTE POST SE COMPLETA CON UN DOSSIER DE PRENSA. SU CONTENIDO Y LA FORMA DE CONSEGUIRLO ESTAN DETALLADAS AL FINAL DEL ARTÍCULO.

GRACIAS A VICTOR PRAP’S POR SU AYUDA A LA HORA DE SACAR ESTE ARTÍCULO ADELANTE 😉

Comienza el “nuevo curso” para Metal80, y toca hablar de un disco tan gris en su historia como brillante en su contenido. La reseña es un resumen del capítulo correspondiente de mi libro ( Francisco Umbral dixit) “Cuatro décadas entre el cielo y el infierno” (Quarentena ediciones, 2008) y su uso obedece a que no dispongo estos días del tiempo suficiente para escribir algo nuevo y recopilar el material para el dossier. En todo caso, creo que este álbum encierra tanta historia que pasarlo por alto ha sido un error imperdonable. Supongo que sus dos principales protagonistas, Glenn Hughes y Tony Iommi también fueron conscientes de ello cuando una década después, volvieron a grabar juntos, repitiendo la experiencia en dos ocasiones, ya en el siglo XXI.

Toca trasladarse a mediados de la década de los 80’s, un tiempo confuso para una banda que ni siquiera podía ser calificada como tal en esos días, ya que si bien de cara al público no se supo de forma inmediata, la historia de BLACK SABBATH se encontraba en vía muerta desde que Gillan abandonara la banda en Marzo de 1984. El resto de miembros había decidido que lo más inteligente sería tomarse un descanso, no de la música, sino del grupo, formando diferentes bandas con la que dar salida a una creatividad que la presión de un nombre como BLACK SABBATH y todo lo inherente a él, estaba ahogando.

Bill Ward quería desarrollarse como músico, ya que daba por hecho que eso le ayudaría a su desarrollo como persona, pero no se veía capaz de hacer nada en otro grupo que no fuese BLACK SABBATH. Además, quería aprender a escribir música para plasmar sobre papel las ideas que cruzaban por su cerebro. La unión de esas dos voluntades le llevó a escribir las canciones para completar un álbum al que luego daría vida en el estudio rodeándose de amigos algún tiempo después. No fue muy diferente el caso de Geezer Butler. El bajista también utilizó aquella pausa para escribir y terminar las canciones de su proyecto, THE GEEZER BUTLER BAND, uno de los muchos intentos del bajista por sacar a la luz un material verdaderamente bueno, pero que por una u otra razón, no encajaba en BLACK SABBATH.

El señor de los riffs ilustrando HIT PARADER

Tony Iommi, el tercero en la lista, nuca había escondido su voluntad de grabar un álbum en solitario. De hecho ese proyecto se venía rumiando desde 1978, cuando Ozzy había abandonado el grupo por primera vez. Ahora su deseo se había convertido casi en una obligación. Iommi había comprado los derechos del nombre del grupo, pero junto a ellos también venían las obligaciones ya que había un contrato que cumplir con la compañía.

Para ello seguiría el método de toda la vida, empezando por encontrar personal para convertir sus ideas en sonido. Para ello, pidió ayuda a quien entonces era la persona más cercana de su entorno: su novia Lita Ford, quien disfrutaba de un discreto éxito con su grupo, gracias a álbumes como “Out for blood” (Mercury, 1983) y “Dancin’ on the Edge” (Mercury, 1984) grabados junto a diferentes músicos. Para su siguiente disco, sobre el que trabajaba en los momentos que ahora nos ocupan, la banda había vuelto a cambiar, lo que coincidió con la puesta en marcha del proyecto de Iommi , quien pidió el apoyo del bajista y el batería de la banda de su novia: Gordon Copley y Eric Mensinger.

Ambos conocían a Iommi en lo musical, ya que era el productor de las demos que Lita preparaba, pero tampoco faltó empeño por parte de los dos músicos, especialmente del batería, un fan de BLACK SABBATH desde su infancia: Para Eric, aquello significaba que el tipo de los posters que hasta hacía poco adornaban las paredes de su habitación, le pedía que tocase con él!

Todo el proceso de ensayo y composición de los temas se llevó a cabo en los Cherokee Studios de Hollywood, donde Iommi, Eric y Gordon Copley desarrollaban las ideas que su inspiración hacía brotar. Para la voz, se contó en principio con Jeff Fenholt (quien colaboraba también con Geezer Butler) como ayuda para desarrollar las melodías vocales y así hacer más sencillo el proceso de composición de las canciones. Esta formación grabó una demo que ha sido objeto de culto entre los fans. Bajo el nombre “Star of India”, contiene seis canciones completas y algunas improvisaciones.

Sin embargo, la idea de Tony Iommi no era hacer un álbum al uso, si no reunir a varias de las mejores voces del rock duro, para que cantasen en los diferentes temas. Se habló de recuperar a Ronnie Dio, y se insistió en volver a intentarlo con Robert Plant y David Coverdale, quienes como seguramente recordarás, ya habían sido tentados en al menos otro par de ocasiones. Asimismo, había dos gargantas de oro en la reserva: Rob Halford de JUDAS PRIEST y el ex DEEP PURPLE Glenn Hughes, quien también había sido considerado en los días de “Heaven and Hell”, aunque entonces se le desestimase por su condición de bajista. Precisamente fue este último quien primero acudió a la llamada. Desde que grabase el soberbio trabajo “Hughes and Trall” en 1982 e hiciese la correspondiente gira, su carrera estaba en dique seco, debido en parte a su adicción a las drogas, que se había intensificado en estos años. Esto era un serio handicap pero merecía la pena intentarlo dado el nivel que mantenía Glenn, un high-class reconocido por toda la escena del rock.

Tony y los muchachos habían conseguido escribir el material suficiente para un álbum y ya contaban con los servicios del productor Jeff Glixman. En cuanto al personal que iba a grabar las tomas definitivas que darían vida al disco, hubo ciertas variaciones con respecto a quienes se habían batido el cobre durante el proceso de creación. Eric Singer conservó su puesto tras la batería. Gordon Copley, sin embargo, fue fiel a su compromiso con Lita Ford y optó por irse con ella a Hawai, donde terminarían de escribir “The Bride Wore Black”. Una lamentable decisión teniendo en cuenta que el álbum nunca vio la luz. También se desestimó la idea original de Iommi que pasaba por llamar a varios cantantes para que colaborasen en el álbum. Cuando Glixman oyó los resultados de las dos canciones que Hughes había grabado se decidió que él haría el álbum entero, a lo que Glenn no puso la menor objeción. La vacante del bajista se resolvería gracias a la intervención de Glixmam, quien tenía el teléfono de un tipo llamado Dave Spitz a quien se conocía como “The Beast”.

BLACK SABBATH … o lo que sea

Así las cosas, llegaron los últimos días de Agosto de 1985, y el grupo abandonó los Cherokee de Hollywood para trasladarse a Atlanta, donde se pusieron manos a la obra, grabando en los Chesire Bridge Studios las canciones en las que habían estado trabajando durante aquellos meses. La transformación que los temas sufrieron con respecto a lo registrado en las maquetas fue notable en cuanto a los arreglos, aunque las bases son prácticamente las mismas. Un nuevo corte, un dibujo de guitarra, un cambio de ritmo… Pequeños detalles salpicando el conjunto aquí y allí. Sin embargo, lo que sí cambió de forma radical fueron las letras, ya que ningún material de Fenholt podía ser utilizado. Geoff Nichols fue esta vez el encargado de reescribirlas transformando títulos como “Star Of India”, “Take My Heart”, “Eye Of The Storm” , “Love On The Line” y “Chance On Love” en “Seventh Star”, “No Stranger To Love”, “Turn To Stone”, “Heart Like A Wheel” y “Danger Zone”.

A pesar de estos cambios, las melodías vocales que quedaron registradas eran prácticamente idénticas a las que Fenholt había desarrollado (algo que, por cierto, se ha encargado de reprochar en cuantas entrevistas le han hecho), sin embargo, nada de ello puede ser achacado a Hughes ya que dichas melodías también fueron escritas por Nicholls, quien se las dio a Glenn apenas se incorporó al trabajo. En realidad, Hughes no supo hasta mucho después que había habido otro cantante involucrado en la grabación. Aquello como es natural fue algo chocante para él pero la madre de todas las sorpresas llegó con el final del año, cuando Don Arden se presentó con la decisión de convertir el disco en solitario de Tony en un álbum de BLACK SABBATH. Lo último que Glenn deseaba era que su nombre estuviese impreso en los créditos de un álbum de heavy metal pero Don Arden había hablado y no había réplica posible. Iommi se había quedado sin su álbum en solitario de un segundo para el siguiente.

Sea como sea, lo único cierto y claro es que el esfuerzo llevado a cabo para sacar “Seventh star” adelante sólo puede compararse a la calidad de sus canciones. Ambos son enormes. Para empezar, Tony hace un gran trabajo como compositor, demostrando hasta que punto se equivocaban quienes veían en él a un tipo que sólo era capaz de escribir el mismo tema cien veces. Aquí firma en solitario toda la música y parte de las letras de un álbum que no se ajusta a nada de lo que hubiese compuesto hasta la fecha. No hay mucho aquí de “Masters of Reality”, “Mob Rules” o “ Born Again”, si no más bien una colección de canciones en las que prueba su versatilidad con la guitarra entrando en todo tipo de terrenos y saliendo con la cabeza bien alta de ellos. “In for the Kill” o “Turn into Stone”, por empezar de alguna forma, son dos ejemplos de como se escriben temas dinámicos, agresivos e hirientes totalmente empapados de heavy metal. El inesperado plus que le añade Glenn Hughes refuerza esa potencia con una voz en pleno estado de forma, a la que incluso se le aprecian más matices, o como mínimo unos muy diferentes de los que le conocíamos. Quizá el estar acostumbrados a oirle en una tesitura más cercana al hard rock, cuando no al funk o incluso el pop, aumentó nuestra sorpresa.

En una linea diametralmente opuesta nos topamos con dos baladas que además tienen la virtud de ser muy diferentes entre sí. Por un lado “No stranger to love” y por otro “In Memory”. La primera está claramente metida

Single editado en España

en el terreno de las “power-ballad”. Si creías que Iommi era ajeno a los sonidos comerciales, ahí está ella para demostrar que no estabas en lo cierto. La canción salió como single e incluso se hizo un video de ella, por lo que posiblemente despistó a propios y extraños al ver a Tony y sus compañeros en la MTV interpretando un tema tan alejado de lo que se esperaba de él. La segunda pieza de la que hablábamos “In memory” es igualmente una balada, pero más en la línea clásica de acústica y teclado, que le da el toque elegante al disco.

Por otra parte hay un guiño a la tradición bluesy en “Heart like a wheel”, un tema comparable a la línea que Michael Schenker seguía en “Rock you to the gound” y, como no, la ya clásica visita a paisajes épicos cercana a “Sign of the Southern Cross” o “Heaven and hell” en el tema título y su intro “Sphinx”. Sin embargo, la voz de Glenn de nuevo da una personalidad totalmente diferente de la que Ronnie Dio impregnaba con su voz a los temas que hemos citado.

Por último, el hard rock en la vieja tradición también tiene presencia, pero no te confundas. No hay nada aquí del espíritu de los setenta, si no más bien canciones en la dirección que llevaban grupos como DOKKEN o Gary Moore sin ir más lejos, totalmente metidos de lleno en los ochenta. Por lo tanto, no mentirá quien diga que el desastre que rodeó a este disco no estuvo en ningún caso directamente relacionado con los componentes del grupo, si no que venía forzado desde afuera. Si Don Arden esperaba vender millones de copias haciendo que saliese bajo la marca BLACK SABBATH en lugar de hacerlo como un álbum en solitario de Iommi, erró de largo. Si creía que con el subtítulo “Featuring Tommy Iommi” justificaba el hecho de que de todos los músicos que tocaban en el álbum solo Tony pertenecía a BLACK SABBATH, de nuevo se equivocó.

Se da un aire a Tino Casal, pero es GlennHughes.

El álbum estaba en las tiendas en Febrero de 1986. La espera desde que la entrega anterior tuviese lugar había sido larga pero había merecido la pena…Las malas noticias eran que los fans no pensaban igual, con el consiguiente bajón en las ventas, que fueron las peores de su historia. A ese problema hay que añadir otro no menos preocupante. En otras ocasiones en las que algún disco no había generado suficientes beneficios, el grupo vio compensado el problema con una asistencia a los shows entre notable y masiva. En esta ocasión sin embargo, no pudieron decir lo mismo ya que el mal recibimiento del disco, así como la incertidumbre de ver a aquellos músicos bajo el nombra de BLACK SABBATH hizo que las ventas de entradas fuesen más que escasas. Hablar de shows de BLACK SABBATH con 1.800 personas es un contradios!.

A pesar de la calidad del trabajo que Glenn había hecho en el estudio, su posición en la banda cambió radicalmente cuando llegó el tour, convirtiéndose en algo del todo antinatural. Aparte de sus problemas con las drogas, su salud se había deteriorado notablemente, había ganado mucho peso y tenía demonios internos atormentándole continuamente. Se veía forzado a interpretar un repertorio donde cada viejo clásico era un latigazo para él. Ozzy y Hughes eran amigos íntimos, y lo último que Glenn hubiese querido era sustituir a Ozzy en ningún caso. Esta presión afectaba también a sus facultades como cantante, que estaban siendo manifiestamente mejorables. Desde los primeros ensayos del tour, todos en el grupo y él en primer lugar, vieron claro que aquello no funcionaba como debiera.

Aceptemos que Hughes no estaba centrado, que las drogas le estaban dañando el cerebro, que estar sobre un escenario sin el bajo en sus manos (por primera vez en su vida) era una situación antinatural para él… Aceptemos todo eso, pero ¿y su voz?, ¿qué le había ocurrido a un cantante de su talla, que apenas unos meses atrás había hecho un soberbio trabajo en el estudio?… hay una explicación para ello.

Debemos retroceder algunos días en la historia de la banda. Justo los que nos llevan cuatro días antes del comienzo del tour, mientras aún tenían lugar los ensayos. Era una noche de tantas, en la que varios miembros del equipo estaban tomando todo lo que tenían a mano, especialmente Glenn Hughes que apenas podía mantenerse en pie. Llegó un momento en que no tenía sentido mantener al cantante allí. Un tour empezaría en breve y lo que Glenn necesitaba era descansar. John Downing, manager de producción, se encargó de que así fuera. Al parecer durante el recorrido que llevaba a la habitación de Glenn, ambos se enzarzaron en una pelea que terminó con el puño de Downing estrellándose en la cara de Glenn, a consecuencia del cual, el cantante sufrió una rotura del hueso que conforma la órbita ocular. En principio, la cosa no fue grave más allá del puñetazo en sí, es más, Glenn, con el orgullo herido, no quiso ni ponerse un trozo de hielo para bajar la hinchazón. Sin embargo con el paso de las horas, la situación se agravó, la cara del cantante se hinchó y, sin que nadie lo supiese, micro partículas óseas se alojaron en el tabique nasal de Hughes, quedando toda la parte de las cuerdas vocales llena de sangre seca. Cuando conseguía escupirla, de nuevo sangraba y una vez más aparecía el problema.

El tour había empezado, y Glenn se vio obligado a salir en los primeros conciertos con maquillaje y gafas negras para ocultar el estado de su cara. Su incómoda situación se sumaba al hecho de no poder cantar (Geof Nicholls tenía que sustituirle en ciertas ocasiones para que Glenn hiciese playback sobre su voz). Las cosas se habían puesto muy feas para la banda, cuyas reseñas en prensa eran muy malas, habiendo llegado a tener que cancelar varios shows por la pobre venta de entradas. Ni siquiera el hecho de llevar como supporters a dos bandas como ANTHRAX y W.A.S.P., cuyas carreras estaban en pleno auge, contribuyó a que la situación mejorase.

El antes y el después.

La decisión tenía que ser tomada de forma rápida y a espaldas de Glenn. Así, Dave The Beast había comentado con Iommi que conocía a un tipo sin ninguna experiencia profesional, pero que cantaba como un auténtico Dios y tenía la mejor presencia física imaginable. Su nombre era Ray Gillen y Spitz lo conocía porque lo había visto actuar en un club en la época en la que el bajista estaba con WHITE LION. Gillen había formado una banda junto a Bobby Rondinelli (bueno, en realidad había sido Rondinelli el que había montado el grupo y había escogido como cantante a Ray) y Spitz había quedado tan impactado con la voz y la presencia de aquel hombre que había ido a conocerle tras el show, pidiéndole el teléfono, por si surgía la ocasión. De esa manera y tras apenas media docena de conciertos, la etapa de BLACK SABBATH con Glenn Hughes al frente llagaba a su fin. Se abrió otra verdaderamente interesante, aunque más breve aun pero lo dejaremos para otra ocasión. Ahora, queda ponerse a escuchar aquel puñado de buenas canciones.

Miguel.Asturias.

DOSSIER DE PRENSA BLACK SABBATH.

[ A V I S O I M P O R T A N T E ]

por alguna razón que desconozco, estoy teniendo problemas a la hora de enviar correos a cuentas de HOTMAIL. En la medida d elo posible intentad dar una dirección de correo alternativa, y si no podéis y el dossier no os llega insistid en reclamarlo. Gracias

Bueno, pues si ya has pasado alguna vez por aqui sobran las explicaciones, en el caso que seas nuevo, la cosa va así: Este es una especie de dossier de prensa con páginas sueltas de diferentes revistas que en su día, hace casi treinta años dedicaron su espacio a BLACK SABBATH con motivo de la publicación de este disco o bien de las escasas actuaciones del grupo presentándolo o haciendo promoción.

Para conseguirlo, tienes que escribir un mensaje en este blog que trate sobre ese álbum, tu opinión sobre él, como lo descubriste, lo que piensas de él respecto a otros trabajos… no sé, lo que se te ocurra, que tenga que ver (insisto) con el álbum y el grupo.

CONTENIDO.

Archivo pdf de 39 páginas con un peso de 98 mb alojado en Megaupload. Cuando envíes tu mensaje a este blog, recibirás la dirección y contraseña a través del correo.
-Reportaje BLACK SABBATH publicado en HIT PARADER en 1984. Dos páginas en inglés.
-Entrevisa Glenn HUghes publicada en CHICAGO TRIBUNE en MArzo de 1986. Una página en inglés.
-Reseña del disco publicada en ENFER MAGAZINE nº 34, en Marzo de 1986. Dos páginas en francés.
-Reportaje publicado en HEAVY ROCK nº 33 en MAyo de 1986. Una página en español.
-Reseña del disco publicada en HEAVY ROCK nº 34 en Junio de 1986. Una página en español.
-Reportaje y entrevista publicado en KERRANG en Marzo de 1986. Cinco páginas en inglés.
-Noticia de la marcha de G.HUGHES. Publicado en Junio de 1986 en la revista ENFER nº37. Una página en Francés.
-Reseña del disco publicada en HARD FORCE MAGAZINE nº 02, en Enero de 1986. Una páginas en francés.
-Reportaje y entrevista publicado en METAL HAMMER Alemania en Mayo de 1986. Cuatro páginas en alemán.
-Entrevista publicada en ROCK POWER en Mayo de 1986. Una página en alemán.
-Artículo retrospectivo sobre 7th Star publicado en THIS IS ROCK nº 5 en Noviembre de 2004. Tres páginas ee español.
-Reseña retrospectiva sobre los mejores trabajos de Glenn Hughes pblicada en THIS IS RCOK nº4, Octubre de 2004. DOs páginas en español.
-Nota informativa del reemplazo de Hughes por Gillen aparecida en ENFER MAGAZINE nº 37. en Junio de 1986.
-Entrevista retrospectiva a Glenn Hughes publicada en POPULAR1 nº 348, en Octubre de 2002. Tres páginas en español.

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RETRO-ROCK

ÑU, cuentos de ayer y de hoy.

Este blog no se prodiga especialmente en el rock hecho en España, y hay una razón para ello: nunca he entendido porqué hay que apoyar a un grupo por el mero hecho de ser español. Un grupo o es bueno  no lo es, o merece la pena apoyarlo o no lo merece… independiente de la nacionalidad, sexo, raza o religión de sus componentes.  Dicho esto, no hay muchas bandas españolas en los 80’s  que sean veraderamente buenas, creo que pocas dudas hay al repecto… sin embargo, la década de los setenta, pese a la precariedad ( o quizá debido a ella) no solo en lo musical, si no en la practica totalidad de los aspectos que pudieran estar ligados a la música, dio como frutos algunas de las bandas más interesantes de nuestro país. Bandas cuya andadura durante esos años ( los 70’s)  intentaré sacar a flote poco a poco. La primera de ellas aun sigue en activo. De hecho nunca ha dejado de estarlo desde que debutase en 1976 sin llegar a enterarse… pero no nos adelantemos. Empecemos por elprincipio…

AÑOS DE POLVO Y ALTURAS…

Detrás de uno de los nombres más breves que se conocen, se esconde una de las historias más largas, interesantes y controvertidas del rock duro español. En esta sección, como de costumbre, hablaremos únicamente de la trayectoria del grupo durante la década de los setenta, que si bien no  es muy larga, sí lo suficientemente interesante como para intentar evitar que caiga en el olvido. Sería una injusticia que así ocurriese. Toda la carrera de este grupo ha estado lastrada por la incompetencia de la industria, a decir de su líder José Carlos Molina, o por la particular personalidad de este, si atendemos a lo que la industria dice,  pero en cualquier caso, nosotros somos el público, los que estamos en medio y los que tenemos en la mano el fruto de la creatividad y el duro trabajo del grupo, y no podemos negar que los dos discos facturados en los setenta (si bien uno salió al mercado en la siguiente década) , así como la mayoría de las sucesivas entregas, son verdaderas obras de arte.

No vamos discutir a estas alturas que para seguir los primeros pasos de ÑU sólo tenemos que ponernos detrás de José Carlos Molina, nacido en el castizo barrio de Legazpi,  donde desde  muy temprana edad comenzó a mostrar interés por el asunto de la música. Su tío Luis Nieto (que sería manager de ÑU) trabajaba para la compañía Movieplay, y conseguía los discos de artistas como LOS BRAVOS ,MIGUEL  RIOS o LOS CANARIOS (cuyas versiones acercaron a nuestro hombre a JIMI HENDRIX o ROLLING STONES) antes de que saliesen al mercado, haciendo así que la pasión de José Carlos por la música fuese en aumento, hasta el  inevitable momento de empezar a formar bandas.

Los arcanos hablan de ALTURAS como el nombre de la primera agrupación donde formó Molina, algo sin demasiada trascendencia que dio paso a POLVO, una banda instrumental. Esta segunda parada tiene más peso en el recuerdo, aunque no por su éxito o trascendencia si no por estar asociado a situaciones cercanas a Spinal Tap. Por un lado estaba el nombre. Decir a día de hoy que no podían imprimirlo en los carteles por problemas con la censura parece ridículo, pero la realidad era muy diferente entonces  a lo que es hoy y la situación les obligó a presentarse como DUST en alguna que otra ocasión. Otra de las situaciones esperpénticas tuvo lugar precisamente en su debut sobre un escenario al ser echados del mismo después de interpretar dos canciones. La discoteca madrileña M&M acogió al grupo en unas actuaciones de grupos novel que había organizado Vicente Romero ( sí, ese) a la sazón promotor del local y locutor en Radio Centro, con un programa diario llamado Musicolandia. La incompetencia del grupo era tan manifiesta que Romero tuvo que invitarles a bajarse de allí.

Lejos de frustrase en sus intenciones, la banda continuó su camino y se preocupó por  mejorar su técnica haciendo versiones de John Mayall, CANNED HEAT o Santana entre otros. Molina comenzó a desplazar su interés desde la armónica (que era lo que tocaba en POLVO) a la flauta, aparte de aumentar notablemente su nivel técnico en la percusión. Esto le ayudó a conseguir formar parte de su primera banda realmente profesional, el grupo MAX B. SHOW.

He aquí al mentor del jovenzuelo Molina

La cosa era algo así como un cantante negro llamado MAX B. (Max Boulois) que se hacía acompañar por bailarinas y una orquesta, algo en principio muy  alejado de sus inquietudes, pero que tenía en plantilla a músicos profesionales de gran talla, que obligaron a Molina a desenvolverse y aprender rápido.   Actuaciones regulares, viajes y muchísimo trabajo dieron como fruto a un José Carlos con suficiente base para ponerse al frente de lo que sería la segunda andanada de POLVO, ahora con las fuerzas renovadas y la moral en alza. Las  galas son más regulares y si bien tenían mucho de orquesta y baile, incluían en su repertorio gran parte de rock clásico (CREDENCE, CHICAGO etc) . Sin embargo, por aquel entonces Molina comienza a descubrir sus  posibilidades como cantante. Teniendo en cuenta que POLVO era un grupo instrumental, está claro que sus días allí estaban contados.

Así las cosas, nuestro inquieto personaje avanzó un paso con su siguiente proyecto, al que llamó CAMARA OSCURA, y con el que versionaba a bandas como GRAND FUNK RAILROAD, LED ZEPPELIN o DEEP PURPLE. No obstante, y a pesar de que este grupo ya estaba en la línea que Molina quería para su futuro, las obligaciones extra musicales del resto de la banda no permitieron su viabilidad más allá de una breve existencia… y entonces aparecieron FRESA.

FRESA en una temprana formacion con Chiqui y Rosendo (1º y 3º respectivamente de izda a dcha.).

FRESAS SIN NATA

Los últimos FRESA o los primeros ÑU

FRESA era un grupo que llevaba funcionando desde 1971. Su mayor lastre (común a la mayoría de bandas de la época) era el constante trasiego de músicos, y concretamente de vocalistas. Dicho puesto fue cubierto al principio por Miguel Esono, un cantante guineano muy llamativo al que posteriormente acompañó un tal Paco, que luego se quedó como único cantante…. En cualquier caso, tanto los sus nombres como otros que cubrieron los puestos de batería  o bajo no  han trascendido en el  recuerdo, supongo que debido a esa eventualidad de la que hablábamos. Hubo sin embargo otros miembros que fueron una constante ( o casi) en la banda: Andrés (conocido como “Delfín” guitarra  rítmica) el bajista “Chiqui” Mariscal y especialmente el guitarrista y alma mater del grupo, Rosendo Mercado, a la sazón guitarra solista.  Estos, más un batería llamado Andrés y los cantantes Paco y Miguel, eran FRESA en los últimos días de 1973, justo cuando José Carlos Molina apareció en sus vidas de la mano de Pedro Cruz. Su entrada en la banda no fue inmediata, pero digamos que la posición de los cantantes que había en el grupo fue perdiendo peso a favor del recién llegado, hasta que este, termina por ponerse al frente de FRESA.

Durante todo aquel año de 1974, FRESA repartió su tiempo entre los conciertos, las sustituciones de músicos y la composición de material propio. El trabajo en los escenarios lo hacían con repertorios construidos a base de mezclar hits del momento en un 25 % dejando el resto del repertorio para versiones de ALICE COOPER, GRAND FUNK o BLACK SABBATH. También acompañaron a la cantante melódica Jeannette, algo muy lejano a sus pretensiones artísticas que sin embargo les permitió ganar algún dinero.  En cuanto a la entrada y salida de componentes en la banda, pues como ya comentamos, siguió siendo una constante que no sorprendía a nadie… de hecho apenas ralentizaba ya la marcha del grupo. Juan Almarza sustituyó a Chiqui Mariscal al bajo (quien posteriormente volvería a unirse al grupo) y Pedro Cruz quien venía de POLVO, se sentó tras la batería. En cuanto a la composición de material propio, hay que  decir que en principio fue algo problemático para FRESA, pero a la larga dio sus frutos.  Rosendo Mercado por una parte y José Carlos Molina (con la frecuente colaboración de Chiqui)  fueron los principales activos en ese terreno. 1974 estaba dando sus últimos coletazos y durante esos días FRESA desaparece para convertirse en ÑU, un cambio de nombre que obedecía a razones estratégicas, ya que la banda pensó que con ese nombre tan corto, saldrían siempre en  la parte superior de los carteles.

ÑU en sus primeros tiempos

ÑU debuta en un concurso de la mayor importancia en aquella época, el ‘Trofeo Festivales Pop’, el 16 de Febrero de 1975, organizado por la agencia  Samo y el Ministerio de Información y Turismo. La actuación de ÑU sorprendió a propios y extraños por lo vanguardista de su puesta en escena, y especialmente por cantar en español, algo que   muy pocos hacían.La victoria en dicho concurso fue para ÑU, pero lejos de servir como aliciente para continuar avanzando, provocó de alguna forma la salida del grupo del batería Pedro Cruz, a favor de Felipe Salinas , encargado de sustituirle en una época muy difícil para el grupo. La formación se completó con el teclista José Torres y así tomaron como manager a Kurt Savoy, a la sazón propietario de Samo, la agencia que había organizado el ‘Trofeo de Festivales Pop’.

 Kurt es sin saberlo ( o diciendo no saberlo ) el responsable del bautizo en vinilo de ÑU.  La banda grabó en los estudios AudioFilm una actuación con Kurt para RTVE, y como premio, seles permitió grabar un par de canciones en esos estudios, para llevarlas a casa.  “Volando en Sociedad” y “Que nadie escape de al evolución” fueron inmortalizadas por y para la banda, pero algún espabilado de la compañía Ariola se hizo con ellas y las publicó en un single sin permiso, remuneración ni contrato del grupo, que se tuvo que enterar de la existencia del disco por casualidad, cuando lo oyeron en una sala donde iban a actuar.

 Sí algo seguía exactamente en el punto donde había quedado,  era el carácter de José Carlos Molina, que lejos de hacerse más dócil, se había convertido en el terror de promotores  y ejecutivos. Las salidas de tono eran constantes y, justificadas o no, iban haciendo cada vez más mella en la banda. Los desplantes en los conciertos, abandonando el escenario e incluso llegando a insultar en pleno show a los cazatalentos de las compañías que hacían  audiciones al grupo.  Incluso cuando aparecieron televisión dentro del mítico Popgrama de 1977, José Carlos se empeñaba en dejar mal a la banda con comentarios fuera de lugar. Otra de las cosas que más quemaba la relación entre ambos músicos era el hecho de que  ahora Molina había tomado las riendas de la banda por completo.  Rosendo se veía de alguna manera desplazado, y no confiaba en el cantante por su vehemencia y su falta de tacto. Hasta tal punto llegaba esa situación, que Rosendo llegó a ocultarle a Molina una entrevista que EMI había solicitado al grupo.

Así las cosas llega la Nochevieja de 1977 con ÑU formando parte de un festival de fin de año en el Parque de Atracciones de Madrid, donde Rosendo acude con el equipo que había ido consiguiendo a base de favores y préstamos de amigos. Durante la prueba de sonido Molina dice que se niega a tocar con aquel equipo y que si COZ (que participaba en el evento) no les alquila el suyo, ÑU no actuarán aquella noche. Los hermanos de Castro (líderes de COZ) se niegan basándose en los desperfectos que ÑU había causado en su equipo no mucho tiempo antes y, definitivamente, Molina dice que en esas condiciones no canta. No es difícil imaginar la que se organizó en un día tan señalado como aquel… fue el techo de la paciencia de Rosendo Mercado que tomó la inapelable decisión de abandonar ÑU.  Puede decirse que fue a partir de entonces cuando empieza a tener lugar un verdadero desfile de músicos por ÑU que no ha parado hasta el día de hoy.

ÑU en Chapa records.

Publicidad… bendita publicidad.

 A primeros de 1978, Jose Mª Garcia ‘Sini’ es el sustituto de Rosendo a la guitarra. Su estilo era muy diferente al de Mercado  y estaba sentado sobre bases mucho más cercanas al rock progresivo. La batería pasaría a ser cosa de Enrique Ballesteros, el conocido hombre del bigote que sería apoyado en la labor rítmica por Jorge Calvo, el guitarrista que había sustituido a Rosendo cuando este marchó a la mili. Se ocupaba ahora de las cuatro cuerdas. Como añadido, entra un violinista, Jean Françoise André, que ayudaría enormemente a dar un sello personal al sonido ÑU. Esta formación debutó en el Teatro Alcalá Palace poco antes de entrar a registrar lo que sería su debut. Habían perdido su oportunidad con EMI, como ya comentamos, pero no por ello habían dejado de buscar una alternativa. La respuesta positiva la encontraron en Chapa Discos, el mítico sub sello de Zafiro que tuvo en cartera las bandas más reseñables que ha dio el rock nacional de aquellos días y que, todo hay que decirlo, terminó siendo una desgracia para gran parte de ellas. Vicente ‘Mariscal’ Romero que trabajaba para la compañía conocía al grupo con anterioridad (desde los tiempos de POLVO, para ser exactos)  y Enrique Ballesteros por su parte, había entrado en contacto c on Luis Soler, uno de los directivos, así que atacando por dos flancos consiguieron finalmente cumplir su objetivo  y entraron al estudio para grabar las canciones de su debut, que llevó el título “Cuentos de ayer y de hoy”.

La formación que grabó “Cuentos de ayer y de hoy” ataviada para la ocasión.

La grabación tuvo lugar en los estudios Audiofilm durante un total de cuarenta horas del mes de junio de 1978 bajo la producción de Vicente Romero.  Según cuenta la leyenda, ‘Mariscal’ estuvo de cortar la grabación en más de una ocasión por ordenes de la jefatura. A una absoluta falta de medios e incompetencia profesional del encargado de la grabación, se unió la personalidad de un José Carlos Molina que veía como sus canciones (todas menos una están firmadas únicamente por él) perdían todo su poder y todo su encanto en manos de alguien cuyo fuerte no era el rock duro. Solo hemos de oír el disco a día de hoy y nos daremos cuenta que maravillas de la talla de ‘Preparan’, ‘Algunos músicos fueron nosotros’ o la propia ‘Cuentos de ayer y de hoy’, son un diamante que la falta de medios dejó sin pulir.

LEÑO + ÑU compartiendo escenario en 1978. Momentos incestuosos del rock and roll

El single “Algunos músicos fueron nosotros” completado con la inédita “La explosión del universo” sirvió como avance para aquel primer disco, con el que aumentó notablemente su status como banda, así como el número de actuaciones en directoen las que no faltaron los incidentes más inesperados.

La mayoría de ellos son recordados con una sonrisa en los labios, a excepción de uno , que si bien pudo haber sido mucho peor, no dejó de ser decisivo en el futuro de ÑU. Uno de los conciertos de presentación del disco tenía lugar en Galicia, acompañando a ASFALTO y CAIMAN, y el grupo decidió acudir al show en dos aviones diferentes, uno llegaría por la mañana, y el segundo aterrizaría por la tarde. En este viajaban Jorge Calvo y el guitarrista ‘Sini’ acompañado por su esposa. Un accidente dio con el avión en un monte cuanto estaba a punto de tomar tierra y, aunque milagrosamente no hubo muertos (sí heridos graves) para ‘Sini’ se había terminado el mundo del show bussines. El shock que recibió fue tan fuerte que le impidió volver a viajar no sólo en un avión, si no en casi cualquier medio, y el hecho de meterse en una furgoneta para rodar durante horas le producía un pánico insuperable.

 Eduardo Pinilla sería el encargado de sustituir a Sini en la guitarra. Pinilla era un fan del rock progresivo de GENESIS y YES que había tocado junto a Ballesteros y a quien este avisó de que buscaban guitarrista tres días antes de un concierto en Verín, Galicia. Tras la prueba de rigor y tres días sin dormir aprendiendo las canciones, Pinilla pasó a formar parte de la familia. Sin embargo, quien se marchó entonces fue Enrique Ballesteros. Está claro que si algo no había cambiado en ÑU desde sus inicios era el trasiego de músicos.

Cartel promocional de ÑU hecho por Zafiro

Ballesteros fue sustituido por Raúl Garrido quien junto a Jorge Calvo formaría la sección rítmica, que daban base a Pinilla y Jean Françosie André, el violinista. Con esta alineación se recorren la piel de toro en  un tour plagado de incidentes, normalmente asociados  a problemas con los precarios equipos de sonido que excitaban el explosivo temperamento de J.C. Molina. El trabajo sobre los escenarios se alternó con la grabación del segundo disco de ÑU, registrado durante el verano de 1979 en los estudios Eurosonic. “A golpe de látigo”, título del segundo álbum de ÑU, se grabó en idénticas condiciones al  primero: un presupuesto para  el que la palabra austero se quedaba corta. Vicente Cruz fue el ingeniero de sonido y Vicente Mariscal repetía como productor. A decir de este último, le había costado mucho esfuerzo convencer a Zafiro de que apoyase la grabación de ese segundo disco. La compañía se había hartado del carácter de Molina, pero este contaba con el apoyo de Mariscal, quien tenía toda la voz y el voto en Chapa Discos.

 

 

Eduardo Pinilla salando de alegría

 

 

Todas las promesas de Molina y su manager que aseguraron que en esta ocasión no habría el menor problema tardaron poco en romperse.  José Carlos parecía sufrir una especie de paranoia que le empujaba a pensar que todo iba en su contra. En consecuencia quiso tomar el control de todo el proceso. Una vez más había firmado la totalidad de las canciones menos de una “La llegada de los dioses” de E.Pinilla.  También instó a Romero a que le dejase a él al frente de la producción del álbum y como añadidura, solo él aparece fotografiado en la portada del álbum. Un detalle tras otro iba minando al grupo. Jorge, que llevaba bastante tiempo al lado de Molina, vió como Pinilla, que acababa de llegar, metía una canción en el disco, algo que él llevaba intentando desde el primer día sin conseguirlo. Vicente Romero abandonó al grupo a mitad de la grabación tras discutir con el cantante, y, en definitiva, nuestro personaje se había convertido en una especie de troublemaker lo que provocó la ruptura en pleno de la banda poco después de terminar la grabación del disco. Únicamente el violinista André quedó al lado de José Carlos en ÑU.

Entrando en los 80’s

 Nos encontramos en septiembre de 1979, a tres meses escasos del final de nuestro viaje. Un espacio de tiempo corto, pero suficiente para que tuvieran lugar varios momentos importantes en la historia del grupo.   José Carlos necesitaba reunir una formación para poder hacer la gira de presentación de su próximo disco que no tardaría en salir (la fecha prevista era Febrero de 1980).  “A golpe de látigo” iba a ser un álbum trufado una vez más de enormes momentos musicales un tanto eclipsados (aunque en menor medida que lo que ocurría con el disco debut) por el pobre sonido. “La galería”, “Velocidad”, “A golpe de látigo” o “El flautista” son piedras angulares en el rock duro español que debieron hacer ricos y famosos a unos músicos que muy lejos de conseguir tal cosa, no han dejado deberse relegados a segundo plato en la escena de España en beneficio de bandas infinitamente más limitadas. La realidad es la que es  y  no podemos cambiarla.

…Y mientras tanto, la vida seguía .José Carlos Molina  continuaba a la caza de músicos que le acompañasen y había oído hablar de un joven teclista realmente bueno que actuaba con su banda  SALAMANDRA en un concierto junto a la antigua estación sur de autobuses en el Paseo de las Delicias de Madrid. Solo necesitó oírle durante poco más de una hora y aquella misma noche le ofreció el puesto.

Jero, todo un high class desde los primeros tiempos

Collado era un músico de conservatorio cuyas posibilidades eran poco menos que infinitas, pero Molina no contó con la lealtad que Miguel Ángel tenía a sus compañeros en el grupo. No era para menos, habida cuenta de que el guitarrista había vendido su propio equipo para poder comprarle uno al teclista, quedándose con otro de muy inferior calidad. Dicho guitarrista no era otro que Jerónimo Ramírez, ‘Jero’ a quien haber pasado algún tiempo en bandas profesionales como el caso de TEQUILA o WC? (la banda de RAMONCIN) le había permitido ganarse un dinero con el que comprar su equipo, el que luego vendió para poder hacerse con uno para Collado… dudo mucho que después de semejante alarde de amistad y confianza, entrase en los planes del teclista abandonar a su colega Jero.

En una vuelta de tuerca de estas que tiene el show bussiness, Molina consiguió relocalizar a Chiqui Mariscal, quien había abandonado recientemente a LEÑO, la  aventura que Rosendo Mercado empezase cuando abandonó a ÑU. Ambos se encontraban  colocando un anuncio en la madrileña tienda de instrumentos musicales Leturiaga, en el que pedían “guitarrista, batería y teclista  para banda con contrato” cuando se les acercó un guitarrista ofreciendo el lote completo. El guitarrista no era otro que Jero y la oportunidad era un caramelo que molina no desaprovecharía y que conformó a todos ellos. José Carlos tenía su banda montada de nuevo y además con el teclista al que había estado intentando convencer, y este se iba a la banda acompañado por sus dos amigos, Enrique Ballesteros y Jero.

Esta nueva formación de ÑU presentaba el disco “A golpe de látigo” en el Teatro Martín. Un concierto de recuerdo poco grato para quienes acompañaban a Molina y a partir de cual ÑU salía al ataque con furia renovada. Una furia que le ha hecho seguir embistiendo durante muchos años más, en un ejemplo de fe y, porque  no decirlo, tozudez cuyo mayor responsable, para lo bueno y para lo malo, ha sido el niño malo del rock español, José Carlos Molina.

Miguel. Asturias