CRONOLOGIA

..::WENDY ‘O WILLIAMS: “W.O.W.”::..

1. I Love Sex (And Rock and Roll)      2. It’s My Life     3. Priestess      4. Thief in the Night       5. Opus in Cm7      6. Ready to Rock      7. Bump ‘N’ Grind       8. Legends Never Die      9. Ain’t None of Your Business.

Wendy O. Williams – Voz     Michael Ray – Guitarra   Wes Beech – Guitarra      Gene Simmons – Bajo, coros, productor    T.C. Tolliver – bateria     Mitch Weissman – Piano     Frank Filipetti – Ingeniero de sonido   Vinnie Vincent – Guitarra    Eric Carr – Batería    Ace Frehley – Guitarra    Paul Stanley – Guitarra

ESTE ARTICULO SE COMPLETA CON UN DOSIER DE PRENSA CUYO CONTENIDO Y FORMA DE CONSEGUIR ESTÁ DETALLADO AL FINAL DEL ARTICULO.

Conocí a Wendy O’ Williams en un recopilatorio publicado por EMI, que bajo el cautivador título “Hot Metal” incluía bandas tan dispares como WHITESNAKE, EVO, QUEENSRYCHE, HELIX, APRIL WINE o SAMMY HAGAR… Era un totum revolutum sin demasiado criterio pero la verdad es que el resultado final no era malo del todo, sobre todo en aquellos tiempos en que no resultaba sencillo acceder a alguna de esas bandas .

El caso es que la primera cara del disco cerraba con una canción de PLASMATICS titulada “Put your love in me”. Había oído hablar del grupo y había visto sus fotos, pero nunca les había escuchado hasta entonces. Cuando lo hice por primera vez. no pasaron diez segundos antes de que me quedase sin habla: ¿Se habrían confundido con el orden de los temas?, ¿no sería que aquella canción la cantaba el guitarrista? en resumen: ¿de verdad podía una mujer cantar de semejante manera? .  En fin , eran preguntas de vital importancia para un chavalín de catorce años que aun no tenía claro si Angus Young había muerto de verdad atravesado por su SG, si Ian Gillan se había roto realmente una cuerda vocal durante la grabación de “Made in Japan” o si lo de Gene Simmons y los injertos de lengua de vaca era o no verdad… un par de años después llegarían Sabina Classem y Dawn Crosby liderando HOLY MOSES y DETENTE y bueno, a día de hoy  estamos ya acostumbrados a mujeres como Loana De Valencia o Angela Gossom , que ya han cruzado todas las líneas rojas en ese sentido, pero en 1982, oír a una mujer cantar como lo hacía Wendy O’ Williams era algo único.

Posteriormente descubriría su vínculo con MOTORHEAD, sus fotos en Penthouse completamente cubierta de purpurina plateada y lanzándose desnuda (salvo por la pintura) desde una avioneta en caída libre, su costumbre de utilizar una sierra mecánica en directo y así, poco a poco, Wendy no hacía otra cosa que caerme cada vez mejor. No es menos cierto que PLASMATICS no terminaban de llenarme del todo (tenían canciones muy buenas que mezclaban con otras verdaderamente insoportables), pero ante mi criterio adolescente Wendy se convirtió en alguien a tener en cuenta: por fin había una mujer en el rock con más pelotas que cualquier hombre ( salvo quizá THOR y por supuesto Lemmy Kilmister) y que junto GIRLSCHOOL, estaba allí como prueba que no todas caían postradas como perras ante Coverdale o David Lee Roth. El rollo de las modelos que aparecen en los videos de MOTLEY CRUE y compañía es algo que jamás he podido soportar.

En fin, todo aquello estaba muy bien, pero aunque nuestra protagonista se había convertido en un icono, quedaba pendiente la asignatura musical, asunto que se zanjó con su debut en solitario.

Todo surgió en 1983, una vez terminada la aventura de PLASMATICS. Aunque la banda no consiguió el crédito que merecía, sí alcanzó cierto status dentro de la escena, y sobre todo muchos contactos. Estos le sirvieron a Wendy O’ para dar los primeros pasos de su carrera en solitario centrando sus esfuerzos en apoyarse en cierta banda para la que PLASMATICS habían abierto en el pasado y con cuyos miembros había trabado amistad.

Rescató a Michael Right y T.C. Tolliser, guitarra y batería respectivamente de su antiguo grupo y para el bajo ‘reclutó’ a un tal Reginald Van Helsing , seudónimo tras el cual se escondía nada menos que Gene Simmons. Wendy y él se pusieron manos a la obra, en los Right Sound Studios de Nueva York donde escribieron y grabaron un disco repleto de colaboraciones que debería estar en las estanterías de todo KISS-maniac que se precie.

Digo esto porque tras una bonita portada donde Wendy luce un apetecible look de Xena urbana, se esconden nueve temas en la más pura tradición de los KISS de la primera mitad de los 80’s cuando con canciones del porte de “War Machine”, “I’m a legend tonight” o “Exciter” nos mostraron su lado más cercano al heavy metal .

Supongo que nadie se sorprenderá por eso,teniendo en cuenta la presencia de Gene Simons como  bajista y el productor, pero es que desmenuzando el álbum vemos que laconexión en realidad llega muchísimo más lejos y de hecho empieza en el minuto en que posas  la aguja sobre el vinilo. La canción que abre el disco, “I love sex (and rock and roll)”, (un guiño al viejo hit de Joan Jett), está coescrito por Simmons junto al resto de la banda. Le sigue “It’s my life”, que fue el single extraído del disco, y con la que se rodó un video clip, sobre el que verdaderamente debieron haber trabajado un poco más. Está firmada por Paul Stanley y Gene Simmons  y se incluye  en el quinto cd del Boxset que KISS editó en 2001 , interpretada por los neoyorquinos enmascarados y cantada por Gene.  Verdaderamente, aun no me explico por qué no la aprovecharon para su propio uso, ya que según el libro de la caja, lleva escrita desde los tiempos de “The Elder” y, francamente, salvo en “Creatures of the night“, hay muy pocos temas en la carrera de KISS en esa década (me refiero a los ochenta) que superen a este. Es algo extraño, y más teniendo en cuenta que en el comentario de la canción (me refiero al que aparece en el libro) no hay ni una sola alusión a Wendy ni su implicación en el tema. Me imagino que todo se deberá a cuestiones legales o algo por el estilo, que e slo único que puede frenar a Paul y Gene en este mundo.

El repertorio continúa con “Priestless“, una canción heredera del legado PLASMATICS, de hecho, no hay nadie de KISS componiendo aquí, y pasa por ser la canción más agresiva y con más pegada de disco. “Thief in the night” es otro tema firmado por Simmons, que KISS grabaron para su LP del 87 “Crazy nights“, y que francamente es mucho más resultona con Wendy de por medio. Bueno, ha llegado la hora de calmar un poco la marcha, y para ello un extraño tema con piano y una voz especialmente bonita de puro rota: “Opus in CM7” es realmente absorbente y merece un punto de atención. En esta ocasión no hay nadie de KISS escribiendo, cosa que no ocurre en “Ready to rock”, donde Paul Stanley aparece como guitarrista invitado y desarrolla un riff especialmente heavy que devuelve las cosas donde habían quedado. Hablamos del sonido en la línea de canciones como “Exciter” o “Creatures of the night“. En “Bump and grind” tampoco hay nadie de KISS escribiendo pero tenemos a un invitado ilustre, nada menos que Ace Freheley, que redondea con su solo un tema donde destacan los coros y su intenso ritmo. “Legends never die” es una bonita balada/medio tiempo en la que el fallecido Eric Carr toca la batería. El caso es que a lo largo de todo el álbum, el sonido que T.C. Tolliver arranca a su batería, es muy parecido al que Ercic desarrolló en los primeros ochenta. Seguramente recordarás la diferencia entre él y Peter Criss, pues la pegada de Tolliver es igualmente contundente y  precisa .

Parece que nadie quiso quedarse sin poner su parte en el asunto. Hasta Vinnie Vincent aportó su innegable talento compositivo junto a Simons y Eric Carr en “Ain’t none for your Bussiness“, una canción rápida con unos interesantes coros. En fin, si hubiese participado Peter Criss por algún sitio, este hubiese sido el único álbum en la historia donde se hubiese citado la saga KISS (hasta entonces) al completo. Lamentablemente no ocurrió así y ahora ya es demasiado tarde debido al fallecimiento de Eric Carr.

Lamentablemente, hay que decir que el disco no tuvo continuidad y su repercusión fue relativa, a pesar de que el apoyo en los medios fue más que notable, especialmente en la prensa. El recuerdo Wendy O’ Williams como actriz en películas de calidad…limitada como “Reform Schoolgirls” o “Candy Goes to Hollywood” o su faceta de Reina del shock-rock cuando saltaba de un autobús en marcha segundos antes de que este se estrellase o cuando se dedicaba a romper televisores en escena moto sierra en mano, ha primado sobre otras facetas suyas, realmente chocantes. De no ser por el asunto del  sexo, Wendy podría estar en la categoría straight edge, ya que era vegetariana militante y no consumía alcohol ni drogas. También sentía un infinito amor por los animales.  Gestionó un refugio durante muchos años, incluso estuvo dando nueces a las ardillas minutos antes de volarse la cabeza en medio de un bosque en Abril del 98… sin embargo me temo que de cara al gran público seguirá siendo la chiflada que se ponía cinta aislante en las tetas. Es injusto, pero  suele ocurrir. Yo prefiero seguir recordándola como alguien extremadamente interesante a  quien sin la menor duda, hubiese merecido la pena conocer. Como dice a canción ‘era su vida e hizo lo que quiso’ y eso merece un respeto.

Miguel.Asturias

DOSSIER Wendy O’ WILLIAMS

Recopilación de artículos, reseñas y entrevistas aparecidos en revistas y fanzines de Wendy O’ Williams cuando lanzó su álbum en solitarui

Para conseguirlo basta con que escribas comentando tu opinión acerca del álbum en particular , su relación con KISS, las mujeres en el rock durante los 80’s o cualquier cosa que se te ocurra.

Recibirás un enlace para descargarlo a  vuelta de correo.

– Entrevista publicada en HEAVY ROCK nº 17 en Febrero de 1984. Tres páginas en español.

– Reseña concierto publicada por KICK ASS MAGAZINE nº 29 en Marzo de 1985. Dos páginas en inglés.

– -Reseña disco publicada en METAL ATACK nº 11 durante Julio de 1984. Una página en francés.

– Entrevista publicada en METAL ATTACK nº 12 en Agosto de 1984. Cinco páginas en francés.

– Entrevista publicada en METAL FORCES nº5 durante verano de 1984. Dos páginas en inglés

– Reportaje publicado en POPULAR1 nº 136 durante Octubre de 1984. Dos páginas en español.

– Reseña en HARD ROCK Nº2 publicado en 1984. Una página en francés.

Anuncios

DEMOS

KISS: “Destroyer Demos”

[REPERTORIO]

1.- Do you love me?

2.- Flamin’ youth

3.- God of Thunder (Instrumental)

4.- None of your bussiness

5.- None of your bussiness (Instrumental)

6.- Great Expectations

7.- King of the nightime world

8.- Detroit Rock City

9.- Sweet Pain (Instrumental)

 

[ PERSONAL ]

GUITARRA: Ace Freheley-Paul Stanley

BAJO: Gene Simmons

BATERIA: Peter Criss

VOZ: Simmons – Stanley – Criss

FECHA GRABACION: Enero 1976

LUGAR DE GRABACION: Record Plant Recording Studios (NYC)

FECHA DE EDICION: –

ESTE POST SE COMPLETA CON UN DOSSIER DE PRENSA. SU CONTENIDO Y LA FORMA DE CONSEGUIRLO ESTÁ RESEÑADO AL FINAL DEL ARTICULO

Cuando empecé con esta página en su formato original (una página web normal y corriente, ya que entonces no había blogs ni nada parecido) la idea era centrar el contenido en una época concreta, la que va desde 1980 hasta 1989. No pasaron cinco días antes de que me diese cuenta del error que ello suponía. No se pueden poner puertas al campo, suele decirse, y tampoco límites al rock and roll.

Ceñirse a los acontecimientos que tuvieron lugar durante sólo diez años y a los discos que se publicaron en ese tiempo, es como podar un árbol hasta dejarlo como un poste de la luz. Para ser sincero, debo decir que no me motiva tanto  buena parte de lo que se publicó de 1990 en adelante, pero por fuerza había que dar un espacio a la década anterior. Me pareció un despropósito pasar por encima de los mejores años de bandas como THIN LIZZY, UFO, SCORPIONS, AEROSMITH y tantos otros, de manera que decidí destinar un espacio al pasado dentro del pasado, en apartados como “RETRO”, “BOOTLEGS” o este en el que estamos ahora, “DEMOS”, que además de servir como excusa para no dejar de lado contenidos pre-ochenteros, nos permite visitar material que nunca hubiésemos podido imaginar que escucharíamos. Esta maqueta de KISS es un ejemplo.

En fin, si digo que “Destroyer” fue un álbum capital en la trayectoria de esta banda, no descubriré nada nuevo, pero no me resisto a recordar que gracias a este disco confirmaron toda su grandeza como banda. Su álbum en directo “Alive” había sido el primer paso y con “Destroyer” remataron la faena. Debemos recordar que este era su quinto disco (incluido el directo) lo que prueba el enorme nivel de esfuerzo y trabajo que esta banda desarrolló para alcanzar sus objetivos. Olvida eso del ‘éxito fácil’: de no ser por su tenacidad y fe en lo que hacían es muy posible que no hubieran ido más allá del segundo o tercer disco. Pero dejemos las especulaciones y centrémonos en las demos del álbum.

Merchandising, sinónimo de KISS

Destroyer” es recordado principalmente por la calidad de las canciones que contenía, de eso no hay duda,  pero a nadie se le escapa que el trabajo de Bob Ezrin en la producción e incluso escribiendo parte de los arreglos, tuvo mucho que ver en el resultado final. La banda decidió darle carta blanca y cederle la dirección absoluta de todo el proceso poniéndose a sus órdenes. Paul Stanley afirmaba:

 “La idea fue darle al productor la última palabra. Era la única forma de que no perdiésemos el tiempo peleando entre nosotros”.

De manera que podría decirse que esta maqueta es el “Destroyer” que KISS hubiese publicado sin Bob Ezrin.

Conviene sin embargo, aclarar un punto antes de hablar sobre las “DESTROYER DEMOS“.  Esta maqueta viene a ser una pre-producción del álbum, está grabada en los Record Plant Studios por los músicos de KISS y ya con la idea bastante clara sobre el material que iban a publicar.  Digo esto porque hay unas grabaciones que preceden a estas y que fueron las demos del proceso de escritura del disco. KISS grabaron en 1975 una serie de canciones en otro estudio llamado Magna Graphics emplazado en Greenwich, Nueva York. Allí registraron una serie de temas con diferentes apoyos (no siempre estaban presentes los cuatro músicos, o había personal ajeno) que sirvieron en unos casos como base para las tomas finales, en otros se aprovecharon partes de las respectivas canciones y algunas fueron finalmente descartadas.  Gene Simmons:

“Grabamos más de diez canciones en los Magna Graphic, entre ellas ‘Mad DOg’, ‘Man of a thousand faces’, ‘Don’t want no romance’ y otras”.

De estas , apenas tres salieron adelante. Hay una versión de “Detroit Rock City” muy corta y con letra diferente, luego está la citada “Mad dog” de la que se extrajeron partes para “Flaming Youth” y ‘God of thunder’.  Estos dos últimos temas aparecen en la KISS BOX SET que el grupo puso en circulación hace unos años,Resulta bastante curioso escucharlas, sobre todo en el caso de ‘God of Thunder’, cantada por Paul Stanley e interpretada a un tempo que triplica la velocidad respecto a la de las “Destroyer Demos” y naturalmente a la velocidad que tenía la versión final. Paul Stanley:

 “Grabé la maqueta de “God Of Thunder” en los Magna Graphics de Nueva York. Originalmente la canción era más rápida y la idea para su letra era cantar sobre mí, como Dios del trueno y el rock’n roll. En la mitología había un dios de la lluvia, un dios del océano y toda clase de dioses con dominios particulares, y yo me veía como el dios del trueno. Cuando llegué con ella, me quedé de piedra cuando Bob Ezrin dijo: “Es una buena canción, Gene la cantará!”

Aclarado el punto de que hubo unas (por así decirlo) maquetas-de-las-maquetas toca echar un vistazo a las demos finales. Esta versión de la demo (suponiendo que haya más, lo cual es bastante posible) no respeta el orden

Ace Frehley, la Les Paul de fuego!!

del disco ya que en lugar de abrir con “Detroit rock city” lo hace con “Do you love me?”, una versión sin demasiadas diferencias con la que finalmente se publicó. La voz de Paul Stanley suena mucho más nasal  pero se conserva la velocidad, la letra y básicamente todo de la versión ‘oficial’. No ocurre igual con ‘Flamin’ youth’, la canción con la que continúan, que aquí, está cantada en primera persona del plural, mientras que en el disco terminó siendo cantada en singular, algo que en principio puede parecer una tontería, pero que, en realidad, cambia por completo el sentido del texto.

‘God Of Thunder’ sí respeta el lugar que tuvo finalmente en el álbum y como ya hemos comentado, se nos presenta como apareció finalmente en el disco, auque en versión instrumental. Cabe pensar que grupo y productor se encontraban discutiendo quien se haría cargo de cantarla finalmente. Tampoco están presentes ningún tipo de efecto ni nada parecido, hablamos de una canción desnuda por completo.

Seguimos con un descarte en dos versiones. “Ain’t none of your Bussiness” es una canción escrita  Becky Hobbs y Lew Anderson, un duo country a quien Bob Ezrin compró la canción, temeroso de que la banda no tuviese suficiente material cuando llegaron al estudio. En esta demo aparecen dos tomas, una instrumental y otra con voz, la de Peter Criss, que hubiese sido el interprete de haberla publicado. La verdad es que la letra de la canción tiene su gracia puesta en  boca de  Criss, ya que  parece que el batería estuviese dirigiéndose a Simmons y Stanley mientras la cantaba: “No me preguntes dónde estuve anoche, no es asunto tuyo ni lo que hago  ni a quien veo”… en  fin, supongo que la letra habla sobre algún tipo de problema de pareja, pero cantada al estilo Criss y atendiendo a lo que dice parece que estuviese pidiéndole a los-tipos-serios-de-la-banda que le dejasen ir a lo suyo. Falta decir que ambas versiones, cantada e instrumental, son idénticas.

Great Expectations’ es la siguiente toma. La canción partió de un descarte de otra escrita a principios de 1975 por Genne Simons titulada “You’ve got nothing to live for” y nació mientras el demoníaco bajista veía una película de Lawrence Olivier titulada precisamente “Great Expectations”. Simmons recuperó con su guitarra acústica parte de las estrofas del viejo tema y cambió la letra, haciendo una especie de personificación de la banda. La versión de esta maqueta se reduce al trabajo de los cuatro KISS con el plus del piano. Imagino que lo tocaba el propio Ezrin, al menos en el disco así fue…. Lo que no viene en el paquete son los coros ni las orquestaciones, lo que hace de la canción  un auténtico tributo a los BEATLES, del ‘Sgt Peppers…’. Como curiosidad, cabe destacar el tramo final, donde Gene Simmons se limita a tararear sin demasiado entusiasmo.

KISS 1976, en todo lo alto

Una versión instrumental de la maravillosa “King of the night time world” da continuidad a la maqueta y, aunque tiene ciertas diferencias en su parte inicial, básicamente se ciñe a la versión publicada en disco, al margen, naturalmente de que aquí estamos ante una versión instrumental. No ocurre lo miso con la siguiente, el clásico “Detroit Rock City”, es decir, la canción también se incluye en versión instrumental, pero hay ciertas ciferencias con respecto a la versión original. Aquí, la parte central del tema sustituye el dibujo de guitarra tocado sobre un falso doble bombo de Peter Criss que todos conocemos por un simple y llano solo de guitarra de Ace Freheley que, en mi modesta opinión, aporta mucho más fuego que la citada melodía. La última canción de la maqueta es una versión de  ‘Sweet Pain’, donde parte del grupo va absolutamente perdido, y esla  guitarra la que lleva todo el peso, mientras el resto no parecen estar todo lo centrados que debieran. La duda es quien la toca, ya que en el álbum no es Frehley quien lo hace, si no un guitarrista llamado Dick Wagener, que tuvo que hacer el trabajo debido al estado en que se encontraba Space Ace en el momento de grabar algunas canciones.

En fin, a partir de aquí, se supone que se trabajó sobre los temas, ya en condiciones de ser registrados y todo se convirtió en una bola de nieve.  1976 comenzó en el estudio pero a lo largo de ese año llegaron a solaparse tres giras. LA de “Alive” la de “Destroyer” y la de “Rock ‘n’roll over”, toda una locura que trajo sus consecuencias, como era perfectamente previsible. Asaltaron Europa por primera vez ( aparte de las visitas promocionales) y  también visitaron el Lejano Oriente. Tocaron ante 42.000 personas en un solo show en Ananheim y en fin, se convirtieron en una de las industris más poderosas de su país. ¡Quien iba a decirlo!. Aquellos tiempos están lejos, pero al menos nos queda el recuerdo.

DOSSIER KISS 1976

Como es fácil deducir, no hay demasiada información en prensa sobre las maquetas. Se me ocurre que, aprovechando el hecho de que este es un viaje al pasado dentro del pasado, el dossier esta vez estará centrado en lo que tuvo que ver con KISS en 1976, aunque aparezca en publicaciones posteriores. Al tratarse en su mayoría de recortes de fanzines  y demás, centraremos el contenido en esa fecha y no en la maqueta en sí.

PARA CONSEGUIRLO

Lo que no varía es la forma de conseguirlo. Debes escribir un comentario sobre el álbum “Destroyer” (no hace falta que sea la maqueta)    y lo q ue han significado para tí, en el caso de que lo hayan hecho,  sus canciones. ¿Te pone “Do your love me?” , ¿te emociona “Beth”?, ¿te curras un air-guitar cada vez que oyes la parte central de “Detroit Rock City”? pues aquí charlamos.

CONTENIDO: 



-BIO 1976.Dos páginas correspondientes al “Esta es su vida” de KISS publicado or POPULAR1 en 1982. Dos páginas en Español.
-BIO 1976.Dos páginas correspondientes al estra de KISS titulado “KISS, el beso de la muerte” publicado por POPULAR1 en 1982. Dos páginas en Español.
-Artículo sobre el grupo publicado en CURCUS MAGAZINE en 1976. Una página en inglés.
-Reportaje sobre las míticas sesiones de fotos inglesas de Enero de 1976. Publicado por el fanzine KISS CRAZY en su número 17. Tres páginas en inglés.
-Reportaje sobre el grupo publicado en el nº 25 de POPULAR1 en 1975. Tres páginas en Español.
-Entrevista a Bob Ezrin publicada en POPULAR1 nº411 en 2011. Seis páginas en Español.
-Pagina publicitaria
-Reportaje sobre el video y show de ANAHEIN, publicado en Fanzine Renegades nº 4. Dos Páginas en inglés.
-Fotoreportaje en ROCKSCENE MAGAZINE en 1976. Cuatro páginas en inglés.
-Reportaje tour europeo 1976.Publicado en THIS IS ROCK nº 26 en 2006. Ocho páginas en español

Si te gustó este artículom, estos te puenden interesar…

 

 

 

.:: DOWN TO EARTH ::.

.:::Cuando RAINBOW, regresaron a la Tierra:::.

Down to Earth” representa muchas cosas para los fans del rock duro . Fue publicado durante la recta final de la mágica década de los 70, aquella durante la cual, bandas como DEEP PURPLE, BLACK SABBATH, LED ZEPPELIN o los propios RAINBOW, publicaban discos que sólo hacían que mejorar al anterior, aquella en la que JUDAS PRIEST, VAN HALEN, THIN LIZZY o KISS habían ido subiendo peldaño tras peldaño en dirección a la cima… aquella en resumen durante la que parecía haber tenido lugar toda la grandeza posible. La pregunta era ¿que nos esperaría ala vuelta de la esquina?. Ritchie Balckmore lo vió claro y puso en juego todo su talento, ganando (una vez más) la partida.
Este artículo, publicado en la revista HUSH hará cosa de un año, pretende repasar lo que rodeó a un disco que dió la vuelta al sonido con que se criase toda una generación. Después de estar un lustro volando por mundos de fantasía, RAINBOW habían decidido “volver a la Tierra”.

RAINBOW · “Down to Earth”

“Después de tres o cuatro años, tiendo a cansarme de la gente con la que trabajo. Suelo hacer muchos cambios  y  no es por fastidiar a los músicos… solo estoy intentando ofrecer al público la mejor banda posible, no trato de comportarme como un cabrón amargado” Ritchie Blackmore para SOUNDS magazine, Julio de 1979 

Siempre he pensado que Ritchie Blackmore no está del todo bien de la cabeza. Entendedme, no me refiero a que sufra una afección mental ni nada por el estilo, si no que desde su primer aliento se ha encargado de probar con sus actos y omisiones que, o bien no es de este planeta o el mundo  le viene pequeño.  Desde que tuvo una guitarra en las manos por primera vez, los hechos demuestran que su instinto de superación ha desplazado cualquier otro sentimiento, haciendo que palabras como lealtad o compromiso carezcan de sentido para él.

RAINBOW fue la prueba definitiva de que nada sobre la Tierra podría frenar su voluntad. Aquella banda nacía del despecho, cuando sus antiguos compañeros en DEEP PURPLE quisieron poner palos en las ruedas de su creatividad. Contra lo que hubiera hecho cualquier persona medianamente sensata, él no asumió la dirección que el resto quería tomar y rompió con un pasado que le estaba reportando incontables beneficios, para partir de cero con una banda donde desarrollar su talento por las vías que él (y solo él) escogería.

Hay que tenerlos cuadrados o estar mal de la cabeza para desmontar un grupo como este. Ritchie Blackmore lo hizo.

En cualquier caso, Ritchie no mentía al hacer las declaraciones a SOUNDS que abren este artículo. En 1979 habían pasado cinco años desde que forzase el abandono de Ian Gillan de la “banda madre” y cuatro desde su ruptura definitiva con DEEP PURPLE. Su carrera se parecía a una partida de cartas, solo que en las bazas que él jugaba, llevaba los cuatro ases. En la primera apuesta, la que hizo a Gillan desaparecer del mapa, dejó atónitos a unos fans que con las manos en la cabeza no hacían si no preguntarse quién podría sustituir a semejante vocalista. Todos sabemos que el reemplazo llegó de la mano de un total desconocido quien encajó perfectamente en la idea que Blackmore tenía para los ‘nuevos’ PURPLE.  Para la siguiente baza, la de RAINBOW, el “as” se llamaba Ronnie y de nuevo le vinieron de cara todas las cartas… creo que no es necesario hablar aquí de lo que nos trae a la memoria títulos como “Rising” o “Long live rock ‘n’  roll” y de cómo un cantante también desconocido para el gran público, encajó como un guante en su nuevo proyecto.

Y bien, entre jugada y jugada, el tiempo pasó y se cumplió el plazo para Ritchie. Después de que su banda alcanzase los cuatro años de vida, y de que hubiese sido creado un RAINBOW clásico, el Hombre de Negro consideró necesario reciclar al grupo. Estaba convencido de que el ciclo se había cerrado, y una vez más se la jugó apostando por un extraño como protagonista principal del devenir del grupo. De la misma manera que presentó al mundo a un desconocido David Coverdale para sustituir a Ian Gillan, y tal como hiciese cuando en su nuevo proyecto Ronnie James Dio asumía el papel de frontman aun siendo una incógnita para el gran público, otro personaje a quien muy pocos recordaban iba a ser el centro de atención de su remozada banda. Como todos sabéis ya, Graham Bonnet fue quien lo hizo.

“Sólo hubo un profesor que me dijo que tenía talento y que debía probar suerte con ello, pero que era necesario que me trasladase a otro sitio. Graham Bonnet para POPULAR1, Julio 2001 

Graham Bonnet llegó a Londres con una mano delante y otra detrás, apenas cumplidos los dieciocho. Corrían los primeros años de la década de los sesenta por aquel entonces, y él no pasaba de ser un muchacho que venía de un pueblo de pescadores donde vivía con su familia, pobres como ratas. Sin embargo, Graham estaba convencido de su potencial como vocalista y decidido a probar suerte en una ciudad que  literalmente era un hervidero de música.

Allí formó parte de incontables bandas como la JOE ROTH ORCHESTRA o SKYLINERS, hasta que en 1965 formó THE BLUES SECT, que fue su primer grupo con aspiraciones profesionales. Como parte de la banda, Graham contó con su primo Trevor Gordon, con quien había crecido en Skeggness, antes de que este emigrase a Australia con su familia..::

Lo cierto es que no puede decirse que Trevor hubiese perdido el tiempo en la tierra de los canguros, ya que durante su estancia en aquel continente, había entrado en contacto con los BEE GEES, con quienes había grabado cuatro canciones, algo que pesaba notablemente en su currículo. Tanto era así que gracias a los vínculos de Trevor con Maurice y Barry Geeb, THE BLUES SECT consiguieron firmar un contrato con el empresario  Robert Stigwood, ya en el 68, momento en que cambiaron su nombre a THE MARBLES. Bajo ese nombre, el dúo consiguió un éxito enorme en el Reino Unido, gracias al single “Only One Woman” que alcanzó el quinto puesto de las listas en aquel país ese mismo año. Desafortunadamente, nunca repitieron el éxito de aquel debut  dejando su segundo sencillo, “The Walls Fell Down“, en el número 23 al año siguiente, lo que les llevó a separarse.

Trevor terminó por abandonar el  negocio, pero no así Graham, quien tras rechazar una oferta de Jeff Lynne para formar parte de la ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA…¡como bajista! inició una irregular carrera en solitario. Mentirá quien diga que la fortuna llamó a su puerta durante aquellos años, porque en realidad su trayectoria estuvo basada en singles y LP’s de discreto éxito. El primero de ellos, editado en 1977 lo grabó en la compañía Ring O’Records  que acababa de ser creada por el BEATLE Ringo Starr y se compone en su práctica totalidad de versiones de varios artistas entre los que figuran BEE GEES o BOB DYLAN.

Los músicos participantes, eso sí, son un elenco de profesionales de verdadero lujo, entre los que se encuentran Graham Preskett (el violinista que colaboró con DEEP PURPLE para “Live at the Royal Albert Hall” en 1999) o Tony Hymas, teclista entre otros de JEFF BECK, JACK BRUCE o GENESIS. Sin embargo quien más se vinculó con Graham fue el guitarrista Micky Moody, con quien surgió una química inmediata. Moody no pudo colaborar en el segundo disco de Graham Bonnet ya que aquel mismo año pasó a formar parte de WHITESNAKE, pero para “No Bad Habits” (que así se llamo el álbum que continuó la carrera en solitario de Bonnet)  también hubo “conexiones púrpura” ya que fue Mike Underwood quien tocó la batería.

¿Quiere esto decir que había vínculos entre DEEP PURPLE y Graham Bonnet en 1978?. Pues técnicamente sí, pero eran totalmente casuales, ya que Graham estaba totalmente distanciado de cualquier cosa que tuviese que ver con el hard rock. Sin embargo, el escaso rendimiento que su carrera le estaba reportando, cambió esa situación para el resto de su vida.

A pesar de que Graham Bonet fue el recambio más visible dentro de los nuevos RAINBOW, en realidad había sido el último en incorporarse a la banda.  Los pasos que se dieron hasta llegar a la nueva formación fueron muchos y no siempre están bien definidos.

“El asunto es que con RAINBOW, no aceptamos nada que no sea el total compromiso de los miembros del grupo en la banda. Ronnie no se estaba involucrando como se esperaba así que  tuvo que irse, es tan sencillo como eso … No fue despedido, le pedimos que se largase. Puedes interpretarlo como quieras”. Cozy Powell para SOUNDS MAGAZINE; Junio de 1979 

Realmente, Cozy Powell hablaba como si estuviese tocando la batería: Claro, directo y contundente. Lo que le contaba al reportero de Sounds, fueron los primeros pasos en el radical cambio que se hizo en RAINBOW. Ritchie Blackmore y Cozy Powell hicieron todo lo posible para que Ronnie James Dio abandonase el grupo.

Con él fuera, no pasó mucho tiempo antes de que el teclista David Stone y Bob Daisley, que como ya sabes era el bajista, se fuesen también. Ninguno de los dos parecía muy convencido del futuro del grupo sin Ronnie al frente, de manera que Bob empezó a negociar su entrada en lo que aun era un proyecto de carrera en solitario para Ozzy Osbourne, y  David Stone siguió con su rol de músico de alquiler, colaborando con varios solistas y bandas de su Canadá natal como Max Webster o THREE DOG NIGHT. Su puesto fue el primero que encontró reemplazo. Después de una semana de conversaciones entre Ritchie Blackmore y Cozy Powell, en las que se decidió si RAINBOW iba o no a tener continuidad,  se llegó a un acuerdo en sentido afirmativo definiéndose además los pasos a seguir.

Ritchie Blackmore había “aportado” a Roger Glover como productor, escritor y arreglista, así que dejó que fuese Cozy el siguiente en mover ficha, proponiendo este los dos reemplazos que faltaban: Don Airey y Clive Chaman. Ambos, teclista y bajista eran viejos conocidos suyos, pues habían formado parte de COZY POWELL’S HAMMER, la banda en solitario del  batería.

Don Airey y Clive Chaman flanqueando la formación de COZY POWELL’S HAMMER a derecha e izquierda respectivamente.

 Clive Chaman era perro viejo. El típico músico de sesión disponible para casi cualquier cosa que adaptaba su estilo a lo que se requiriese de él en cada momento. Había sido parte de la banda de JEFF BECK durante algunos años y su nombre aparecía en los álbumes de artistas tan dispares como DONOVAN o HANSON, el primero un cantautor y los segundos una banda de rock progresivo. Finalmente puso su talento a disposición de Cozy Powell y su banda en solitario, donde coincidió, como ya hemos dicho con Don Airey.

Don tenía las raíces plantadas en el mismo tiesto que Chaman, si bien su formación era más completa. Se forjó trabajando sobre clásicos en su Sunderland natal, al noreste Inglaterra, aunque pronto creció su interés por la escena local de rock y jazz, lo que le llevó a ofrecer sus servicios y los de su órgano Hammond en los locales de mala nota que abarrotaban los trabajadores de la zona. Finalmente vio que aquello no le llevaría a ninguna parte, así que completó su educación musical con un master en la universidad de Nottingham y un diploma en la Royal Northern College of Music, regresando a los escenarios en 1972, ya con su propia banda y viajando alrededor del mundo, desde África a Florida pasando por el lejano Oriente.

En 1974 fijó su residencia en Londres y entró en el mundo del rock de la mano de Cozy Powell en cuya compañía disfrutó de un año de gira antes de pasar a formar parte de los renovados COLOSEUM, a quienes John Hiseman rebautizó como COLOSEUM II y donde grabó tres discos entre 1975 y 1978 , para después pasar un año repartiendo su talento entre el proyecto en solitario de Gary Moore (compañero suyo en COLOSEUM II) y unos BLACK SABBATH en retroceso que caminaban en  la cuerda floja de “Never say die“.

Quizá la precaria situación en que se encontraba la banda de Tony Iommi le ayudase a tomar la decisión de aceptar el puesto que le ofrecía Cozy Powell o quizá fuese simplemente el reto que suponía encontrarse con los profesionales que estaban empezando a rodear aquella nueva versión de RAINBOW. En cualquier caso, Airey fue el tercer miembro estable de la banda tras Blackmore y Powell, ya que Clive Chaman fue descartado a las pocas semanas. Clive era un extraordinario músico, eso está fuera de toda duda, pero no era el que RAINBOW necesitaba.

Dejaremos que la suspicacia de cada uno decida si el siguiente movimiento en RAINBOW estaba calculado de antemano en la mente de Ritchie Blackmore, o si todo obedeció a la aplicación del sentido común. En cualquier caso, con RAINBOW sin bajista era cuestión de tiempo que Roger Glover, presente como estaba en el desarrollo de los acontecimientos, ampliase sus ‘funciones’ más allá de la producción y composición. Él mismo se lo contaba a Pete Makowski de la revista SOUNDS en Marzo de 1980:

“Bueno, yo era solo el productor y arreglista. Había empezado a escribir material con Ronnie Dio, pero después de un par de meses se hizo evidente que había malas vibraciones entre él y Ritchie. Ambos traían ideas pero no había comunicación, así que traté de mediar entre ellos pero no tuve éxito porque le grupo llegó a separarse durante algún tiempo … Cuando las cosas se calmaron y se vieron sin bajista, Ritchie me pidió que colaborase tocando en el disco para después buscar a un músico para la gira.

Ritchie Blackmore:

“…pedimos a Roger que hiciese una canción. Después otra y al final dijimos: ‘¿Bueno, te importaría tocar en todo el disco?’ y él dijo: ‘No’. Entonces estábamos pensando en buscar a otro músico, pero él demostró tal capacidad que al final le dijimos: ‘¿Quieres unirte al grupo?’ Y el dijo: ‘Sí!’, ‘ y fue como: ‘vale, estás dentro’.

Los pasos se estaban dando en  plazo y dirección correctas, pero el tramo más complicado estaba pendiente aún. Había que abordar una cuestión tan delicada como era la de encontrar un sustituto para Ronnie James Dio.

Unos dicen que hubo más de cincuenta candidatos (entre los que estaban Pete Goalby ex-URIAH HEEP, Marc Storace de los suizos KROKUS o Ralph Thompson) otros reducen la cantidad a apenas veinte, y Ritchie Blackmore ha confesado que cuando Dio abandonó, él ya tenía en mente a Graham Bonnet.  Todo forma parte de la leyenda y quizá nunca sepamos quien está más cerca de la verdad, pero los hechos no engañan y Graham Bonnet recibió la oferta para hacer la audición. No fue él quien la buscó… de hecho nunca había mostrado el menor interés por el hard rock como ya hemos dicho. Graham Bonnet hablaba así en el 2001 para POPULAR1:

“Mickey Moody le dio a Roger mi número de teléfono, Roger me llamó y me preguntó si estaba interesado en hacer una audición con RAINBOW en Suiza, donde estaban grabando en un chateau, y yo me trasladé allí días después. En la audición canté el tema ‘Mistreated’ que es el perfecto tema para una audición…. No esperaba entrar en una banda de heavy rock, honestamente, nunca había escuchado a RAINBOW antes. Antes de ir a la audición escuché un par de discos suyos y la verdad es que no era mi tipo de música en absoluto; no quedé impresionado y me dije a mi mismo que no iba a funcionar, Pero cuando entre en la banda me di cuenta de lo interesante que era esta música.”

Ritchie Blackmore, Cozy Powell, Don Airey, Roger Gloer y Graham Bonnet dieron vida de esta manera a la formación que se convertiría en el puente entre los RAINBOW barrocos de espada y brujería y los reyes del rock de estadio, mucho más asequible a las ondas radiofónicas  y a las listas de superventas.

“Down to Earth”, la grabación.

“Cozy solía grabar en el chateau de Suiza y al terminar la jornada se subía en su Mercedes, se desplazaba al aeropuerto y cogía un avión para ir a dormir a su casa en Inglaterra (risas) ¡hacía eso cada día!. El vivía en una zona granjera, y le gustaba volver a su casa y olvidarse de toda la mierda del rock and roll” Graham Bonnet para POPULAR1, en 2001.

Es difícil siquiera a imaginar lo que debió de ser el castillo Pelly de Cornfeld durante el tiempo que fue ocupado por aquellos cinco talentos tratando de llegar a acuerdos sobre el contenido del disco. Sólo pensar en lo fuertes que eran las personalidades de Cozy, Blackmore y Bonnet, me lleva a imaginar una estación de tren donde tres locomotoras chocan y todo salta por los aires dejando devastado el lugar.  Quizá por eso, las dos figuras principales del grupo no solían pasar mucho tiempo en el estudio. Cozy iba y venía como nos recuerda Graham Bonnet, y Ritchie llegaba con su trabajo preparado, registraba sus tomas y desaparecía de inmediato. Él grababa cada canción de tres o cuatro formas diferentes, para que luego fuese Roger Glover el encargado de escoger la más adecuada y empastarla junto al resto de las interpretaciones.

El material fue grabado con una unidad móvil, la Maison Rouge Mobile Studio, propiedad de Ian Anderson, alma mater de JETHRO TULL. Ritchie Blackmore se encargó de que fuese ese estudio y no otro el que recogiese el nuevo trabajo de RAINBOW en un intento de que su banda sonase tan nítida y fuerte como JETHRO. El estudio venía preparado en un enorme camión, que se dispuso al lado del castillo. Se pasó todo el cableado por una ventana y llevó hasta un enorme comedor que había sido habilitado como sala de grabación por su reverberación natural. Esto fue un factor decisivo sobre todo para la batería, que quizá fue el instrumento que más mimo recibió y mejores resultados obtuvo.

Quizá también ayudó el hecho de que Roger, como productor que era, se esmeró para tener una base sólida y brillante sobre la que trabajar, aunque justo es reconocer, que donde se dejó la piel en realidad fue como productor y compositor.  Él fue, sin asomo de duda, quien cargó con más peso en la creación de “Down to Earth”. Cada canción era grabada de cuatro o cinco maneras diferentes, con distintos matices, arreglos y melodías y una vez que Glover montaba los diferentes puzles, Blackmore llegaba al estudio para dar el visto bueno a una u otra versión. La mayoría de las canciones tenían títulos provisionales e incluso diferentes letras, y así “Bad Girl” y “Eyes of the world” habían sido concebidas previamente como “Stone” y  “Mars”  o “No time to loose” en un principio llevaba por título “Sparks don’t need a fire”. También en este sentido, Roger se vio abrumado por el exceso de responsabilidad. No es un reproche, si no un hecho, que Graham Bonnet apenas aportó nada a las tareas de creación. Muy al contrario de Ronnie James Dio, Graham no estaba acostumbrado a escribir (recordemos que sus álbumes en solitario estaban hechos a base de versiones y canciones escritas por terceros) por lo que el productor y bajista tuvo que hacer un esfuerzo extra para sacar adelante aquellos temas.

Esto hizo saltar algunos roces en la relación entre cantante y bajista que en su rol de productor obligaba a Graham a repetir las tomas una y otra vez hasta que, como él mismo recordaba “…solía perder la voz después de pasar tantísimas horas en el estudio repitiendo fragmentos de canciones. Era un labor imposible; a veces pasábamos doce o trece horas seguidas grabando”.

Graham empezó grabando los coros y voces principales sobre las bases de aquellos temas que ya habían sido grabados antes de su llegada al grupo, que eran la mayoría,  y después arregló el resto de canciones junto a Roger para que la banda llevase a cabo el proceso habitual de grabación, empezando por las bases rítmicas (batería primero, y sobre ella el bajo) y los acompañamientos, que en este caso era el trabajo de Don Airey y Ritchie Blackmore, doblando las guitarras. Por último se ponía la voz y para terminar era de nuevo Ritchie el encargado de aportar los matices finales con sus solos de guitarra. No fueron muchos los temas que quedaban pendientes por escribir a la llegada de Graham en realidad, apenas “All night long” y un par de ellos más.

“Down to Earth”, las canciones.

“ El objetivo principal de “Down to Earth” fue traer los aspectos cósmicos de RAINBOW ‘de vuelta a la Tierra’  “. Roger Glover para Sounds, 1980

Han pasado treinta años desde la edición de “Down to Earth” y eso es mucho, demasiado tiempo. Por eso es bastante posible que no haya muchos, entre quienes estáis leyendo esto, que vivieseis la edición de “Down to earth” con el suficiente criterio y conocimiento de la banda en aquel momento para apreciar la diferencia entre este disco y el resto. Ese es al menos mi caso y seguramente el de muchos de vosotros. Sencillamente, no llegamos a tiempo para vivirlo “en directo”, y por eso no queda otro remedio que hablar a toro pasado y por referencias.

Ritchie Blackmore, genio y figura.

Eso, sin embargo, no impide adivinar que seguramente, el simple hecho de la edición del disco alivió a gran parte de los fans.  Esos que temieron por la continuidad del grupo tras la marcha de Ronnie Dio en primer lugar y la de Daisley y Stone después.  No obstante, dicho esto, creo también que muchos de aquellos que se sintieron aliviados en un principio, poco después hubiesen querido ver otro nombre y no el de RAINBOW escrito en la cubierta del disco, sobre la que, dicho sea de paso, se han hecho varias interpretaciones. Hablamos un poco sobre el asunto. Una de ellas la hacía el propio Roger Glover quien, como ya hemos dicho, apuntaba que el título era un juego de palabras, que manifestaba el deseo por parte del grupo de poner los pies en el suelo (sería el equivalente en el refranero español) y apartarse de los “temas cósmicos”. Hay quien dice también que la trayectoria definida en el dibujo, con el Arco Iris en una estela dirección al continente americano, presagiaba la intención de la banda de conquistar de una vez por todas el mercado norteamericano … lo que quizá parezca un poco rebuscado. En cualquier caso, lo que si es verdaderamente significativo es el cambio de logo, que pasa de  utilizar la clásica fuente gótica a otra mucho más moderna y, dicho sea de paso, impersonal. Y es que, digámoslo de una vez, RAINBOW en “Down to Earth” es, simple y llanamente otro grupo. Tres de sus cinco componentes llegaban como novedad, y entre ellos estaba, por un lado, el que creaba las canciones, y por otro aquel que primero identificamos al oírlas. El sentimiento tampoco era el mismo porque en definitiva, los tiempos no eran los mismos. Los ochenta estaban ahí y había una cierta urgencia en adaptarse a las nuevas formas. Mal que nos pese, el hard rock había comenzado a convertirse en una rémora,  y la práctica totalidad de los grupos consolidados tomaron posiciones aquel año de cara a la nueva década.

En aquel 1979, hubo quienes escogieron orientar su sonido a un corte más europeo, como fue el caso de JUDAS PRIEST, UFO, THIN LIZZY o SCORPIONS, y quienes optaron por escribir material más adecuado a la fórmula FM, como fue el caso de BLACK SABBATH, TED NUGENT, AEROSMITH o los mismísimos AC/DC, pero en cualquier caso, son contadas excepciones las bandas que mantuvieron el sonido que les había dado a conocer en la primera mitad de la década de los setenta. Especialmente significativa es la cantidad de discos en directo que se editaron entre 1978 y 1979, los cuales funcionaron en la mayoría de los casos como punto de inflexión para las carreras de sus autores… “Tokyo Tapes”, “Unleashed in the east”, “Strangers in the night” y tantos otros. Dicho esto, RAINBOW no fue ajeno a esos giros, lo que quedó patente a lo largo de las ocho canciones que lo forman.

El mítico single…

“All night long” . Cuenta Graham Bonnet: “Me gustaba mucho sobre todo porque me involucré en el proceso de composición. Una tarde, Ritchie me dijo que tenía una idea para un tema. Tocó algo con su guitarra acústica, y yo escribí la melodía de la canción” . … falta por saber la razón por la que el cantante no aparece en los créditos. Seguramente todo responde a líos de tipo legal, contratos y todo esto. En cualquier caso, el tema que abre el disco es un clásico de la época, construido a partir de un riff verdaderamente ‘adictivo’ aderezado con abundantes cambios y arreglos.

Fue el primer single (editado en Marzo de 1980) y tuvo su correspondiente video  clip que, al igual que la propia canción, es sencillo y efectivo. Seguramente el hecho de abrir con un tema como este sirvió para que muchos fans despejasen sus dudas sobre la capacidad del ‘nuevo’ cantante, quien brilla con especialmente intensidad en las partes sostenidas del tema.

A continuación nos encontramos con “Eyes of the world”, una canción que podría haber sido escrita tiempo atrás. Los más suspicaces pensarán que es parte del material que se escribió durante los últimos días en que Ronnie James Dio estuvo en la banda, porque realmente lleva el feeling de los viejos tiempos. El largo preludio de Don Airey, la implacable entrada de Cozy Powell, el riff de Blackmore  vagamente oriental… todo se mezcla  para dar como resultado una canción épica muy en la línea de “Gates of Babylon” o “Stargazer” que choca de frente con la siguiente pieza, la cual supone un giro de 180 grados.

…claro que este no lo fue menos. Lo que no entiendo muy bien es lo de la portada.

“No time to loose”, es una canción que, a pesar de ser un tema con poco peso dentro del conjunto de “Down to earth” puede considerarse como uno de los más significativos, ya que anticipa mucho del RAINBOW de los tiempos venideros. Su ritmo ágil, sus cortes bruscos y su melodía eran inéditos dentro del repertorio del grupo en aquel momento, pero volveríamos a encontrarlas muy a menudo en la etapa en que Joe Lynn Turner se puso al frente de la banda.  El contraste que se aprecia con el anterior tema queda diluido entre este y el siguiente, “Makin love” que cerraba la cara A del disco.  Un medio tiempo radicalmente diferente del RAINBOW majestuoso de tiempos pasados que estaba sin embargo en perfecta sintonía tanto con otros temas dentro de este disco como con la gran mayoría del repertorio del grupo en el futuro. Su melodía evoluciona desde unos acordes vagamente inspirados en la música folk y medieval hasta llegar a unos riffs dibujados sobre puro rock. Una demostración del alcance que tenía el talento de estos músicos ala hora de escribir canciones. Por su parte, Graham Bonnet literalmente se vacía en esta canción poniendo a partes iguales técnica y sentimiento para conseguir un resultado que desborda elegancia.

La segunda cara de “Down to Heart” se abría con “Since you’ve been gone”, canción que terminó por convertirse en una de las más emblemáticas del grupo desde entonces hasta su desaparición., aunque también termino siendo el último clavo en el ataúd del RAINBOW clásico ya que fue el principio del fin para Cozy Powell en la banda.

Pensaba que estábamos yendo demasiado lejos. Pensé que los fans dirían “¿Qué es esto?”. Obviamente es una canción muy comercial y sucedió que se convirtió en un gran éxito. Y en aquel momento esa fue una de las razones por las que decidí que si Ritchie iba a seguir por esa ruta, mejor que me fuese e hiciese otra cosa, así que eso fue básicamente. Después de unos seis meses más o menos.” Cozy Powell para Sounds, 1981

La idea de incluir este clásico del pop escrito por Russ Ballard para CLOUT (un grupo femenino) partió de Bruce Payne, manager de RAINBOW y contó con el beneplácito de Roger Glover, la oposición frontal de Cozy Powelly serias dudas por parte de Ritchie Blackmore. Pero después de todo Payne era quien mandaba así que el grupo grabó el tema… y tuvo que dar la razón a su jefe. Lo que no habían conseguido con “All night long” , lo

Cozy estaba hasta las narices ¿quiso decirnos algo en esta foto?.

 hicieron con esta versión  entrando por fin en las listas americanas, concretamente en el puesto 57. En las listas inglesas bajaron un puesto (del 5º al 6º) con respecto al anterior sencillo, algo por otra parte perfectamente entendible, habida cuenta que la melodía de ese tema encajaba mucho mejor con el sonido U.S.A.Quizá para no alarmar demasiado a los fans clásicos, decidieron colocar a continuación “Love’s no friend of mine’, un blues rock donde Graham y Ritchie compiten por su protagonismo, tal es el buen hacer que ambos demuestran (y sin desmerecer el trabajo del resto del grupo, naturalmente). ¿podríamos hablar de una puesta al día de “Mistrated”? no quisiera pasarme de frenada pero es la referencia inmediata que me viene ala mente cada vez que escucho la canción. Algunos años después nos encontramos una réplica en “Rock you to the ground”, una canción pertenciente al “Assault Attack” de M.S.G. también con Graham Bonnet a la voz.

En la recta final del disco nos encontramos con “Danger Zone” una canción en la que quien cobra el mayor protagonismo es Don Airey quien se enzarza en un duelo con Blackmore en mitad de la canción. Eso y el trabajo de Bonet es quizá lo más sobresaliente de una canción menor dentro del conjunto del disco, que de hecho nunca llegó a formar parte del repertorio en directo.  Justo lo contrario ocurría con “Lost in Hollywood”, el tema que cierra el álbum.  No creo que sea demasiado aventurado colocar esta canción entre las diez mejores que el grupo haya grabado a lo largo de su historia. Dinámica como pocas, cada uno de los músicos que la interpretan hacen que su trabajo engrane con el de los del resto como parte de una maquinaria que termina por funcionar a la perfección. Decía, que este tema era parte fundamental del trabajo en directo y de hecho servía como pie al solo bien de Ritchie en unas ocasiones o de Cozy Powell en tantas otras e incluso de Don Airey en su interludio.

 

“Down to Earth”, sobre las tablas.

 

“(Since you’ve been gone) Desde que te has ido, han ocurrido muchas cosas Ritchie (.,..) pero  no tienes nada por lo que preocuparte: Acabas de tener el mayor éxito de tu carrera aquí y, en el contexto de cambios por los que hemos pasado, unas pocas caras nuevas en RAINBOW no van a hacer naufragar el barco, sobre todo si una de ellas es de un viejo amigo. De todas formas, tu ya sabías que no esperábamos verte dos veces seguidas con la misma formación ¿verdad?”  Hugh Fielder para el Sounds, Reseña del show en Newcastle Febrero 1980

 “Lost in Hollywood” decíamos, forma parte del repertorio que presentó al álbum “Down to earth” a lo largo y ancho del planeta durante 1979 y 1980. Los dos primeros meses de la gira los dedicaron a la promoción del disco en Estados Unidos, en un tour en la que abrían para BLUE OYSTER CULT, quienes presentaban a su vez el disco “Mirrors”.  Tras esta primera parte del tour, RAINBOW tenían contratadas doce actuaciones en Alemania y Países Bajos pero fue tal el éxito cosechado en Estados Unidos, que se tomó la decisión de reprogramar todas las fechas y dejar pendiente la visita al Viejo Continente hasta 1980.

De este modo, pasaron el resto del 79 girando por Estados  Unidos,  pera esta vez como cabezas de cartel, teniendo como teloneros a unos desconocidos GAMMA en la mitad de los shows, y nada menos que a SCORPIONS en la otra mitad, que habían conseguido con “Lovedrive” su primer gran triunfo en América.

Ya en 1980, RAINBOW giraron durante tres meses por Europa, empezando en el Norte para después cumplir los compromisos pendientes de Alemania y Paises Bajos e incluir algunas fechas en Francia y  Suiza antes de regresar  a suelo inglés a mediados de Febrero. La última vez que habían estado en su país natal, había sido en Noviembre de 1977.  Un largo período de tiempo durante el cual, todo había cambiado de una forma que nadie podía haber imaginado. No solo dentro de la banda, como ya hemos comentado, si no también en la escena musical del momento.

Por una parte, la explosión punk, que había terminado con muchas de las expectativas de los grupos hard rock, había sido absorbida por la industria independiente entre el sonido 2Tone y la New Wave,  y por otro lado, los tipos duros del heavy metal estaban en su práctica totalidad bajo la bandera de la N.W.o.B.H.M., un sonido que con bandas como IRON MAIDEN, SAXON o PRAYING MANTIS sentaría las bases del género en Europa para los próximos años.   Sobra entonces decir que RAAINBOW estaba en una posición no demasiado cómoda, por decirlo de una manera suave.

Con un  público al que tenían “abandonado”, un cambio radical en su formación, que incluía la herética sustitución del emblemático R.J.Dio y un álbum para presentar que en nada se parecía a los publicados anteriormente, la banda de Ritchie Blackmore podía esperar casi cualquier cosa. Sin embargo, los dieciséis conciertos en Inglaterra tuvieron una buena acogida y sorprendentemente, el público recibió a Graham Bonnet como si hubiera sido parte del grupo desde su principio. Parapetado tras sus Rayban negras, luciendo un corte de pelo cercano  a las rock star de los 50 y vistiendo traje, corbata y camisa, su presencia en el escenario más parecía un acto de provocación que otra cosa. Bien es cierto que tanto Roger Glover y su sombrero estilo mafia, como Don Airey luciendo por lo general indumentaria deportiva (es decir, un chándal) paliaban en gran medida el impacto visual de Graham Bonnet, pero salvo en los casos de Cozy y Ritchie, la imagen del grupo estaba a mil kilómetros de la que tenían en la anterior visita  a suelo inglés.

Ritchie con la portada de l álbum como telón de fondo

El montaje escénico era básicamente el de siempre, pero con un telón de fondo que reproducía la portada del nuevo álbum, como es natural. Pocos artificios y apenas efectos al margen de la pirotecnia  de Cozy Powell y las luces de rigor. En ese sentido RAINBOW no había cambiado nada. Seguían siendo nada más (y nada menos) que cinco poderosísimos talentos sobre el escenario, que  juntos eran capaz de derrotar por K.O. a quien quiera que se pusiese por delante.

Durante la gira inglesa de Febrero del 80 hubo ciertos incidentes que alcanzaron una gran notoriedad en la prensa de aquel país, amante como todos sabemos de cuanto tenga cierto ‘color amarillo’. La banda que abrió ese tour fue SAMSON, aun con Bruce Dickinson como cantante. A estos héroes de la N.W.o.B.H.M. fueron en parte achacados los famosos incidentes del Wembley Arena, ya que tras su actuación y a petición del público, hicieron un bis, algo que tenían expresamente prohibido y que dejó para RAINBOW solo 70 minutos de actuación. Tras ese escaso tiempo las luces se encendieron haciendo estallar las iras del público, que literalmente arrasó el recinto, provocando daños por valor de 10.000 libras, la consiguiente carga policial y un montón de detenciones. Consecuentemente, SAMSON se encontraron al dia siguiente que su puesto como banda telonera había sido ocupado por KATCHIS y que sus servicios no volverían a ser necesarios en las cinco noches que restaban para terminar el tour inglés. Otras versiones culpan de los hechos a los celos personales de Ritchie Blackmore, quien al parecer se negó a salir, encarándose al resto de la banda que se mostraba partidaria de continuar el show… en fin, todos sabemos que cualquier cosa es posible si Ritchie está de por medio.

Tras Inglaterra, la nueva parada sería Japón donde se celebraron seis brillantes actuaciones que sirvieron como final del tour de invierno.  Había muchos proyectos programados para un futuro inmediato, pero como veremos a continuación, en el verano de 1980 se apagaría de forma prematura aquel color del Arco Iris.

“Down to earth”. El Arco iris  cambia de colores (otra vez).

‘El Monsters fue una de las mejores cosas que me han pasado. Toda mi familia estaba allí: mi madre, mi padre, mi hermano… todo el mundo. Nunca olvidaré esa experiencia.” Graham Bonnet para POPULAR1, año 2001 

Ya en el tour japonés se habló de grabar los shows con vistas a publicar un álbum en directo. Graham Bonnet insiste en que así se hizo, y que el álbum iba a ser publicado a finales de aquel año, pero no existen pruebas de que así fuese.  Sin embargo sí las hay  de que se quisiese materializar esa idea, pero en otro show, el que tendría lugar el 16 de Agosto en Donnington Castle, Inglaterra, y que se convertiría en la primera edición de una larga saga de festivales que, bajo el nombre de MONSTERS OF ROCK serían la referencia de aquella década y parte de la siguiente en lo que a macro eventos de rock se refiere.

Blackmore buscaba un promotor para el tour de verano en Europa, y encontró en Maurice Jones, de MPC Agency, al hombre que se encargaría del trabajo. Maurice sin embargo, no se ciño al guión y propuso hacer del último concierto algo realmente grande, un festival de un solo día que nacía con todo en contra, a una semana escasa de que se celebrase el veinte aniversario del mítico READING pero que, no solo salió adelante creciendo continuamente a lo largo de dieciséis años, si no que dejó a macro eventos de la talla del USFEST californiano, el ROCKPOP de Dortmund, el PINKPOP holandés o el mismísimo READING ya citado, tendidos en la lona por K.O. técnico.

Aquel concierto  se grabó para su posterior edición e incluso el grupo interpretó la inédita ‘Will you still love me tomorrow?’ que iba a ser el single, pero la edición de ese álbum nunca tuvo lugar si no en fragmentos. La respuesta a tales hechos quizá la encontremos en los cambios sufridos por la banda tras ese show, que fue el último para Cozy Powell, quien ya manifestaba sus dudas sobre la dirección que RAINBOW había tomado en el disco. Lo cierto es que ya lo dejaba bastante claro en sus declaraciones aparecidas en el programa del festival:

“Tengo un sabor amargo. ¿Que está mal? Que los hombres de negocios hayan sobrepasado a los músicos. Los tipos que buscan dinero fácil llevan las riendas ahora. Hay mucha falsedad en todo esto. Sonrisas superficiales, gente que critica a tus espaldas… no entro en ese juego, simplemente me largo y les dejo que sigan.”.

Como suele decirse, a buen entendedor…

La marcha de Cozy precipitó  la ruptura del grupo. La banda se fue a ensayar a Copenhage con Bobby Rondineli como batería, quien a juicio de Don Airey no cumplía las expectativas mínimas, tal como declaraba posteriormente a Joan Singla para POPULAR1: “Creo que RAINBOW está bajando en calidad, ya no son excitantes, Ritchie no está tocando nada, y el batería es realmente malo (…) sé que es un chico estupendo pero es muy malo tocando la batería, ¡horrible!”

De la misma manera, Graham Bonnet apunta a una total falta de empatía con el grupo a causa del desinterés de Ritchie quien apenas aparecía en los ensayos,  y cuando lo hacía era para echar por tierra el trabajo del resto del grupo, lo cual terminó provocando que Bonnet,  a través de su manager, pidiese la carta de libertad. Todo esto hizo inviable la edición de el proyecto de disco en directo y dio al traste con aquel efímero capítulo en el libro de RAINBOW, pero como todos sabemos no tardaría en resurgir otro Arco Iris entre las nubes de tormenta … pero eso es otra historia…

Miguel.Asturias

SI TE GUSTÓ ESTE ARTÍCULO, TAL VEZ TE INTERESEN ESTOS TAMBIÉN:

Hemeroteca

#d7c2a8;

.:: THRASH METAL, la revista ::.

Cubierta del primer número de THRASH METAL, para el que tuvieron una idea bastante resultona, al poner dos portadas en opuesto. En una aparecían las bandas extranjeras más relevantes y en la otra las españolas más populares, dando así la impresión de que eran dos revistas diferentes.

[EDITA]
MC EDICONES
[PERIODICIDAD]
Bimensual.
[PRECIO APROXIMADO]
300 Pts. (aprox 1,8 €)
[PUNTOS DE VENTA]
Quioscos.
[AUTOR]
Varios
[FORMATO]
205 x 265
[PAGINAS]
50
[IDIOMA]
Español

Mi agradecimiento público a Xavier Rulló, cuya generosidad y desinterés me ha ayudado a completar la colección de THRASH METAL. Gracias socio!

La explosión del thrash metal llegó a España, como casi todo: tarde, mal y nunca.

TARDE: porque cuando aquí se empezó a distribuir material de las bandas thrash a nivel general, las joyas definitivas del género ya eran parte del pasado. Para entendernos, pierde bastante gracia hacerte con “Hell Awaits” y “Kill ‘em all” una vez que has comprado “Reign in Blood” y “Master of Puppets”. Creo que estaremos de acuerdo en que, excepción hecha de Madrid, Barcelona u otras grandes ciudades, eso fue lo que ocurrió.

MURO, icono del thrash español en aquellos años.

MAL: porque como decía, se pasó de la nada al infinito de una forma tan brusca que muchos de nosotros terminamos bastante confundidos. De repente te encontrabas con tres discos de la misma banda y sin ningún tipo de referencia sobre cual comprar o cual dejar, en un momento en que la falta de recursos hubiese agradecido cualquier información.

NUNCA… porque realmente jamás hubo un movimiento thrash metal en España, al menos comparable al de otros puntos de Europa (no digamos ya en América). Para hablar de bandas que llegaron a grabar y (más omenos) girar, podemos hablar de aquellas que surgieron en el País Vasco o Cataluña como LEGION, ESTIGIA, KTULU o ASPID y fuera de ahí CROM, MURO , pero todas ellas, al menos por aquel entonces, funcionaban a un nivel totalmente underground. No entraré ya en los grupos que se limitaron a grabar maquetas o a participar en recopilatorios porque, en primer lugar me gustaría reservarlo para un futuro artículo, y en segundo, no creo que pudiésemos hablar de una escena como tal.

Tomemos ahora esta introducción y trasladémosla punto por punto a la prensa musical especializada… et voilá, ya tenemos un resumen del que fue la revista que hoy comentamos. THRASH METAL puede resumirse en esas tres palabras: tarde, mal y nunca.

Bien, supongo que ahora ya estás ofendido. No era mi intención, créeme, así que intentemos desarrollar esto un poquito.

THRASH METAL se colocó en los kioscos a finales de 1988, (creo que en Octubre) de una forma bastante atropellada. Era una especie de hermana pequeña de la HEAVY ROCK sobre la que hemos hablado hace algunas semanas, y nació al calor de una supuesta demanda por parte del público, que al final se demostró inexistente. Yo creo que más bien, el final de la hegemonía de HEAVY ROCK en los quioscos fue lo que realmente aceleró su aparición. ¿Iba a permitir Vicente Mariskal, perejil de todas las salsas, que aquellas recién nacidas METAL HAMMER o METALLIK.O. se comieran el trozo de pastel del thrash metal, como de hecho estaban haciendo?. O, planteándolo de otra forma : ¿hubiese aparecido THRASH METAL si HEAVY ROCK hubiese seguido siendo la única publicación disponible? Ni en mil vidas!.

Tom Araya con la boca abierta, como de costumbre.

Esto, unido a una serie de detalles entre lo lamentable y lo bizarro, me lleva a la conclusión de que para reseñar THRASH METAL, es totalmente necesario separarla en dos partes: la dirección y la redacción. Me parecería injusto valorar por igual a quienes allí escribían y a los que dirigían el asunto, por que los intereses que movían a unos y a otros eran agua y aceite. Estando de acuerdo en que una revista, como cualquier empresa, se hace para rentabilizarla y sacar el mayor provecho posible, creo también que no se puede hacer a cualquier precio. De lo contrario, es muy posible que el esfuerzo y el talento de unos quede ensombrecido por el oportunismo y la mediocridad de otros, como fue el caso.

Bien, como decía, en mi opinión la parte positiva es para las firmas de sus redactores. Gente más o menos de la misma edad que nosotros, los lectores, que basaban su trabajo en la ilusión, la entrega y la dedicación. Eran gente nueva, ajena por completo a HEAVY ROCK, que durante los catorce números que se llegaron a editar fueron cambiando casi cada mes. En aquel Staff se encontraban incontables nombres entre redactores y colaboradores. Algunos de ellos estaban vinculados a fanzines del género, como era el caso de Joan Gubert del “Hueso duro”, Roberto Herrero de “Underground Scene” o Antonio Pardo y Antonio “Toñin” Delgado de “Thrashock”, que fueron los principales activos a la hora de echar a caminar el asunto y de mantenerlo durante su mejor época. También había gente de bandas como Luis Gadea de CROM y promotores y distribuidores alternativos como Vicente Javier Mena… nombres que seguramente te resultarán familiares si estuviste de alguna forma vinculado en todo este mundillo.

METALIK.O. el “kaos” que puso nervioso a alguno. Las portadas son de la época en qeu salió THRASH METAL

En fin, todos ellos aportaron su grano de arena, y estoy seguro de que se emplearon a fondo y lo hicieron de la mejor manera posible, con los medios de que disponían. Digo esto porque me parece necesario recordar y poner en valor, el hecho de que trabajaron sin contar ni de muy lejos, con los medios ni la información de que disfrutamos ahora, y además en un género del que no abundaban las fuentes. Hoy día, cualquiera de nosotros puede preparar entrevistas, biografías o lo que le parezca, casi sin necesidad de oír el disco o grupo en cuestión, cosa que en 1988 y 1989, desde luego, no ocurría. Dudo mucho que alguien pudiese hacer entrevista a HIRAX, LEEWAY o ANACRUSIS, o reseñas de los discos de CARCASS, ASSASSIN o los por entonces desconocidos SEPULTURA sin estar muy puesto en la materia.

Vaya entonces todo mi respeto y admiración a quienes desde aquellas páginas intentaron (y consiguieron) que conociésemos a WARZONE, SUBTERRANEAN KIDS, ATROPPHY, WARGASM, CARCASS, CARNIVORE, EXCEL, SACRED REICH y tantas otras bandas que para la época podríamos decir que era lo más underground del mundo.

¿THRASH METAL?¿King Diamond?

Sin embargo, no todo son flores. A partir del octavo número, el giro es radical. Algunos de estos redactores y colaboradores desaparecen, entrando a formar parte del staff otros, con nombres que con el tiempo fueron conocidos. Entre ellos estaban JJ Cacheda alma mater del festival SERIE Z o Dave Rotten cantante de AVULSED e icono del detah metal en este país. Ni que decir tiene que estos pusieron de su parte tanto o más que sus predecesores, pero de poco sirvió, porque las cosas ya no eran ni medio parecidas.

Aquel ejemplar había traído cambios, y no solo se limitaban al nuevo logo en la revista, si no que ocupando su portada aparecía ¡¡ KING DIAMOND !!. Recuerdo que el grupillo de freaks que la comprábamos e intercambiábamos, nos preguntamos qué carajo pintaría aquel tipo en una revista dedicada al thrash. No era la primera vez que Mr. Diamond aparecía en la revista, pero darle la portada, fue enseñar demasiado el plumero . Entendedme, mi admiración y respeto por este legendario cantante es profundo (sobre todo en sus primeros años con MERCIFUL FATE, todo hay que decirlo) , pero también el que siento por Gene Simmons, Steve Harris o Michael Schenker y no por eso me parecen materia para una publicación dedicada al thrash. El caso es que en realidad, la portada de marras no era lo peor. Lo peor fue que a partir de entonces la dirección apartó a quienes habían empezado con todo el asunto, que con toda la ingenuidad pretendían hacer de THRASH METAL una plataforma desde la que dar a conocer a bandas underground. De esa forma, fue abriendo más espacio aún a unos grupos que, o nada tenían que ver con el thrash como RAGE o HELLOWEEN, o bien para entonces ya eran lo más trillado y estandarizado del negocio. METALLICA o MEGADETH están bien, ANTHRAX y SLAYER mucho mejor, pero no nos engañemos: en 1989 y 1990, todos ellos estaban completamente absorvidos e integrados y llenaban páginas de todas las revistas imaginables. ¿Quien iba a pagar trescientas pesetas de las de entonces para leer artículos o lo que fuese sobre METALLICA, cuando podía encontrar otroas tres o cuatro revistas bastante mejores donde hacerlo?

Total, de leer entrevistas con DEFECATION, NAPALM DEATH o CRIPTYC SLAUGHER, pasamos a XENTRIX, WATCHTOWER, METALLICA, METALLICA, METALLICA y METALLICA. Error de bulto. Eso hubiese colado en su día, pero insisto en que a aquellas alturas, había muchas otras publicaciones sobre heavy metal que ya tocaban ese palo, y además con bastante más nivel. Para colmo de colmos, desde jefatura se empeñaron en dedicar cada vez más espacio al skate. Me pregunto si tal vez creyeron que los patinadores eran idiotas y comprarían THRASH METAL por asociación con THRASHER, la legendaria publicación dedicada a ese deporte.

[calameo code=0004126623f54bbeed077 lang=es width=100% height=500]

Naturalmente, pasó lo que tenía que pasar. Llegado el número 14 la revista desapareció. La disculpa fue que al publicarse cada dos meses, la información quedaba desfasada y era mejor dejarla en las páginas de HEAVY ROCK, es decir, encima nos hacían un favor. Seamos serios: las cosas fueron como fueron y quienes escuchábamos thrash y buscábamos información medianamente decente, dejamos de comprarla. La prueba está en que en los últimos números, la publicidad no pasaba de ocupar dos páginas en toda la revista y una de ellas erade publicaciones pertenecientes a MC Ediciones, la misma editorial que publicabba esta. Las revistas viven de la publicidad. Si no venden en el quiosco, los anunciantes no invierten y la revista desaparece. Tan fácil como eso. No niego que es una lástima que una publicación desaparezca, pero cuando detrás de ella hay un enfoque oportunista, sin la menor profesionalidad a la hora de gestionar y con una falta de escrúpulos más que evidente, creo que es lo mejor que puede ocurrir. Candado y a otra cosa.

Afortunadamente, muchos de quienes allí firmaron allí de una u otra forma en el ajo, con otras publicaciones, y la ‘cúpula directiva’ de esta revista siguió dedicada a HEAVY ROCK que cada vez estaba mejor y poco después se aventuró con KERRANG, cuyo arranque fue formidable. Eso que ganamos todos.

Miguel. Asturias

Post Data (si no lo digo, reviento).

Editorial de presentación atacando a ‘otras’ revistas que son un “kaos” ( a buen entendedor…. )

No puedo resistirme a incidir en dos momentos a cual más bizarro que definen bastante bien el perfil de la dirección de esta revista, y lo poco metidos en el asunto que estaban los mandamases. En primer lugar, la editorial del primer número. Como dice el otro Zas! en toda la boca! . Es un pequeño párrafo que no viene firmado, pero cuya redacción orienta bastante hacia su autoría. Es todo un ejemplo de sectarismo, de intentar anular a la competencia, del conmigo o contra mí… es decir, el estalinismo puro y duro tan presente en muchos personajes de la época, que para lo único que ha servido ha sido para que la escena musical española jamás haya despegado.

Añadido a todo esto, estaban los intereses creados. Todo era tan evidente qeu daba risa. Veamos, en la primera época de TM, MURO eran la cúspide del thrash español junto a FUCKOFF. Ningún problema con eso. Lo que me choca es que FUCK OFF, que grababan en los estudios Mediterraneo siguieron presentes en la revista, mientras que MURO, que fueron a su bola, desaparecieron del mapa. Solo volvieron a ocupar espacio enla revista con una entrevista a su ex- bateria Lapi en uno de los últimos números, donde la banda no queda precisamente bien, y una reseña de su disco “Mutant hunters” ( en el mimso ejemplar de TM) donde el redactor insiste hasta el aburrimiento en la mala calidad de su sonido y su pésima producción. solo le faltó decir ‘esto no hubiese ocurrido si hubiesen grabado enlos Estudios Mediterráneo?… ay Señor, Señor.

El THRASH METAL agotado. Ver para creer.

El otro asunto, cuando menos delirante, fue el de la ‘promoción’. Por supuesto, cada cual es muy libre de darse todo el autobombo que considere oportuno, pero en mi opinion el sentido común, la modestia y sobre todo, el respeto a la inteligencia del lector, está por encima de todo. Los recortes que puedes ver arriba y abajo aparecían en la HEAVY ROCK y me cuesta encontrar las palabras para calificarlos. Especial mención para el de la foto del kiosco, que es de aurora boreal… ¿de verdad creían que éramos tan memos como para pensar que nos íbamos a tragar algo asi?. ¿Era ese el concepto que tenían de nosotros?. Pues sí, ese era.

… y por si fuera poco, también el segundo número.

… si te gustó este artículo, puedes echar un vistazo a estos otros: