METAL80.COM

Bueno, después de dos semas de desquiciante trabajo informático he conseguido lo que llevo meses barruntando, que es pasar la página original de metal80 a formato blog y añadir la de revistas.

Naturamente, pasarán meses antes de que la nueva versión tenga todo el material que tenía la otra pero cuando esté será mucho mejor, corregido, aunentado y, lo más importante, con vuestros comentarios. En realidad es lo único que puede moverme a gastar horas y horas delante del ordenador devanándome los sesos para aprender a hacer estas cosas. Si cuando estaba estudiando hubiese puesto el mismo entusiasmo hoy ería como poco ingeniero en telecomunicaciones.

En fin, pues nada, a partir de ahorano veremos en www.metal80.com  espero haber exportado todos los comentarios como Dios manda, y si algo se ha quedado por el camino, lo siento, han sido los bichos de la informatica.

Besos.

Miguel. Asturias

www.metal80.com

HEMEROTECA

 

 

En esta ocasión vamos a hablar sobre un libro que tuve el honor de recibir de manos de Ian Christe, autor de “El sonido de la bestia” y editor de BAZILLION POINTS.  Si eres fan del género NO DEBES dejar escapar la oportunidad de hacerte con una copia. He tratado de hacer la reseña de la forma más fiel posible y la he completado con una entrevista a Albert Mudrian, el autor del libro, quien amablemente nos aclara algunas cosas.  Como de cosumbre, hay un DOSSIER para quienes os molestéis en escribir vuestra opinión, bien sobre el libro si lo habéis leído, bien sobre el death metal en general o sobre algún grupo en particular. La manera de conseguir el dossier y su contenido, están detallados abajo. See you (in hell).

THANKS TO IAN CHRISTE, ALBERT MUDRIAN AND HUGO FROM PORTUGAL FOR THEIR HELP AND SUPPORT.

Sería alrededor de 1991 o 1992, cuando la explosión death metal y grindcore tuvo lugar en mi ciudad. De repente un par de tiendas se animaron a traer discos, lo cual era perfecto para quienes hasta entonces teníamos que conformarnos con los intercambios de cintas (que por cierto, tanto echo de  menos). Sí, el ver las estanterías llenas con portadas de MORBID ANGEL, PESTILENCE o POSSESSED era todo un acontecimiento muy esperado y celebrado… lo malo era que quienes lo celebrábamos éramos tres o cuatro amigos. Rindámonos a la evidencia. Por aquel entonces el death metal era un poso marginal al que  costaba trabajo encontrar adeptos. Todos los fans del género en la ciudad nos conocíamos y éramos los mismos que después nos encontrábamos en los conciertos e intercambiábamos revistas, fanzines o maquetas, lo cual, me temo que era la norma general en todas las ciudades medianas de España, salvo contadas excepciones.

Hoy, en 2010, las cosas han cambiado hasta el extremo de lo que entonces era impensable. No sólo se ha publicado un libro que glosa la historia de los géneros más extremos dentro del metal, si no que además ¡lo han traducido al español!. Nunca hubiese imaginado algo así en aquellos momentos, pero me congratula tener que decir lo contrario.

El autor del trabajo es Albert Mudrian, director de la revista especializada DECIBEL, que se publica en Estados Unidos, y que originalmente escribió “Choosing Death” para la editorial Feral House en 2004, obra que ahora nos ofrece Bazillion Points en una magnifica traducción.

Hay que decir que en realidad, Bazillion Points es una editorial norteamericana que no ha puesto su esfuerzo pensando en el público español precisamente, si no en el hispano, que a la hora de la verdad da vida a un mercado muy importante en toda la Costa Este y, lógicamente, Méjico. En fin solo tenemos que recordar todas las bandas y personajes latinos metidas en el metal extremo (Dino Cazares, Jesse Pintado, Danny Corrales, Oscar García…) pero bueno, en cualquier caso, si de rebote llega algo a España que anime a leer, bienvenido sea.

El libro consta de 300 páginas escritas a partir de las entrevistas y declaraciones que Mudrian ha hecho a una miríada de personajes involucrados en la escena. Gente que ha trabajado por y para el death metal y el grindcore tanto desde el escenario ( Mike Amott (CARNAGE, CRACASS, ARCH ENEMY), Nike Anderson (ENTOMBED, HELLACOPTERS) Trey Azagoth (MORBID ANGEL)etc, etc, etc ) como desde los despachos ( Mike Faley (METAL BLADE), Hammy (PEACEVILLE), Monte Corner (ROADUNNER), Matt Jackobson (RELAPSE) o Digby Pearson (EARACHE) entre otros)  pasando por la producción y los estudios, como en el caso del mítico Scott Burns, Gunter Ford, o Colin Richardson por citar sólo algunos.  

La historia ha sido repartida en diez capítulos, los cuales siguen un orden cronológico  aunque sin llegar a ser estricto al 100%, si no que se amolda a ciertas necesidades coyunturales.  Pone el punto de partida en el Birmingham de 1981, lugar donde aquel año nacía NAPALM DEATH y a partir de ahí va desarrollando un fascinante historia que transita por diferentes épocas y lugares, tan presentes en incontables entrevistas a otras tantas bandas, casi resultan familiares. ¿Alguien sabía dónde estaba Tampa antes de que todo esto llegase a nosotros? Yo tampoco, pero gracias a MORBID ANGEL, DEATH o DEICIDE, al menos aprendimos eso! . 

En fin, decía que el recorrido comienza en la Inglaterra de los primeros 80 con NAPALM DEATH, HERESY, EXTREME NOISE TERROR y demás familia crustcore, para dar el salto a Estados Unidos donde examina con detalle la gestación de grandes y madrugadores clásicos  como REPULSION, POSSESSED o los mismísimos MANTAS – DEATH, para rematar la década de los 80 en la grata compañía de nombres como TERRORIZER, AUTOPSY, o NIHILIST y XECUTIONER.   A partir de aqui el texto discurre de un lado a otro del Atlántico, saltando de la escena U.S.A. a la escena Sueca y Europea, con una enorme presencia de las bandas Earache, y muy especialmente de NAPALM DEATH, presentes a lo largo de toda la historia.

De especial interés me parece el capítulo “Tirar de la Corporación” donde se abordan de una manera sincera por parte de músicos y compañías, todos los  problemas generados por la intromisión de las grandes corporaciones como Columbia y Sony en la escena death, que terminó con muchos proyectos y dejo un gran resentimiento en muchas personas. La trastienda de compañías como Earache  es puesta en cuestión por los propios músicos, pero lo mejor es que su presidente rebate la cuestión con sus propios argumentos formando un fuego cruzado realmente interesante. Es como si todos se hubiesen formado una tertulia alrededor alrededor de una mesa,  hablando sobre el qué, el cómo y el cuando y tú estuvieses asistiendo al debate. Realmente bueno.

Como no, en la parte final del libro hay una mirada al futuro tan cabal como esperanzadora, celebrando  por una parte el hecho de que bandas como DEICIDE, MORBID ANGEL, ARCHENEMY o (una vez más) NAPALM DEATH se mantengan ahí y por otra el empuje de NASUM, THE LOCUST o PIG DESTROYER estaban haciendo en la escena en el momento en que fue publicado el libro originalmente.

En las páginas finales hay una acertada guía de discos del género que seguramente no servirá para los fans más hardcore pero para quienes como este que escribe, gustan del género sin haber profundizado al 100% en él será de gran utilidad de cara a completar las ‘grandes obras’ de un género que nació en el underground y por suerte nunca llegó a salir del todo de allí. El día en que lo haga será la muerte de la muerte.

TODA LA INFORMACION SOBRE EL LIBRO, PEDIDOS Y DEMÁS, ASÍ COMO LA DESCARGA DE UN CAPITULO GRATIS LO TIENES PINCHANDO A Q U I

E N T R E V I S T A    C O N    A L B E R T   M U D R I A N

Lo primero que debo hacer es felicitarte por haber tenido el valor de escribir un libro que hace justicia a todo un género como la música extrema (llamémosle así para no confundirnos entre etiquetas).  ¿Hubo algo en especial que te hiciera dar el paso de escribir o fue una simple cuestión de pasión por la escena?.

Probablemente suene a cliché, pero lo hice simple y llanamente porque soy un fan y  no podía creer que nadie se hubiese  molestado antes en documentar la historia de ese género.  Tampoco hubo nadie que me sugiriese que yo podría hacerlo, sencillamente  las primeras imagenes llegaron en el momento de entrevistar  a Digby Pearson, el fundador de EARACHE, en Mayo de 2000, para un reportaje sobre el perfil de su compañía de discos  que yo escribía coincidiendo con la edición de “Inmortal”, la caja de EARACHE. Un par de personas insinuaron que en aquel texto de 1000 palabras había algo lo bastante consistente como para servir de esqueleto a un hipotético libro que documentase la historia completa del death metal y el grindcore. Llevé la idea a cabo en enero de 2002, cuando reuní el coraje suficiente para empezar a trabajar en el proyecto. Nunca creí que encontraría el tiempo necesario para escribirlo, ya que estaba dedicado a la edición de otra publicación (no era DECIBEL), y eso absorbía todo mi tiempo.

El libro está ordenado cronológicamente, pero no de una manera estricta, si no adaptándose a determinadas circunstancias, de una manera muy inteligente. ¿Hiciste un planteamiento previo a su creación o simplemente todo fluyó de manera natural? ¿Cómo trabaja Albert Mudrian a la hora de escribir?

 Sí, es solo semi-cronológico al principio porque pensé que era importante concentrarse en el desarrollo de las escenas de modo individual. Creo que si intentas llevarlo todo al mismo tiempo – como escribir a la vez sobre NAPALM DEATH en Birgminham en el 85 y sobre DEATH en Tampa- puedes generar cierta confusión y al lector  le resultará difícil seguir el libro. Hacia la mitad del mismo, después de que se establece la génesis de cada escena es cuando intento llevarlo todo a la vez… ¡espero que haya funcionado!.

 

¿Crees que tu condición de editor de Decibel ha sido indispensable a la hora  de escribir el libro o simplemente ha sido una herramienta más?

 

‘Choosing Death’ fue escrito entre 2002 y 2004 y fue terminado antes de que se publicase el primer ejemplar de DECIBEL, el cual salió en Agosto-Septiembre de 2004. Creo que ‘Choosing Death’ se editó justo unas semanas después de que DECIBEL llegara a los quioscos, por lo que más bien fue al revés, y mi experiencia con ‘Choosing Death’ fue lo que ayudó al desarrollo de DECIBEL.

¿Qué personajes de los muchos que participan en “Eligiendo Muerte”  han sido más receptivos con la idea? ¿Alguna decepción?

 En su mayor parte, la respuesta ha sido abrumadoramente positiva! He recibido una gran cantidad de pulgares para arriba de gente como Tomas Lindberg de AT THE GATES y Scott y Matt, de REPULSION, así como de bandas nuevas de death metal y grindcore como CRETIN y FUNEBRARUM así que ha sido una experiencia realmente gratificante. Por supuesto, mi amigo Jeff Walker nunca pierde la ocasión cuando se trata de quejarse de las cosas! Y me dio un toque por haber dejado “Necroticism – Descanting the insalubrious” un tanto ‘marginado’ en el libro… aunque hay que reconocer que tiene razón porque ese álbum es un auténtico clásico de todos los tiempos!

 Especialmente emotiva y bonita (por así decirlo) es la aportación del tristemente desaparecido John Peel . ¿Tuviste la oportunidad de conocerle personalmente? .

Un poco, sí. Yo quería entrevistar a John cuando empecé a montar el libro porque él era parte importante de cómo las cosas desarrollado a lo largo del Reino Unido. Finalmente contacté con su agente pero siempre me venía con excusas y me decía: “Está ocupado“, o “Está de vacaciones” o “inténtalo dentro de un mes.” Seguí en ello, y un día me dijo: “Hablé con John, y acepta una llamada en su casa.” Así que lo llamé a casa y tuve una gran entrevista con él. Cuando estábamos bajando por teléfono, él dijo: “Si alguna vez necesitas algo, dame un toque.” Cerca de seis, siete meses después, mientras remataba el libro, me di cuenta de que sería muy bueno que escribiese la introducción del libro. Así que le llamé un día a casa y le pedí que lo hiciese, yo estaba muy nervioso pero él dijo: “Oh sí, claro, no hay problema.” Así que fue genial. Me costó tres o cuatro andando trás él, pero fue fantástico. Se negó a aceptar dinero ni nada en absoluto por ello. Le dije: “Mira, ¿puedo donar los beneficios a la caridad en tu nombre? Has puesto tu trabajo en esto, y creo que es necesario compensarte de algún modo.. ” Él dijo: “No, no te preocupes por eso“. Así que finalmente hablé con su mujer y le pregunté: “¿Qué le gusta a John?” Él amaba el vino tinto, así que le envié un par de botellas de vino tinto de una bodega cercana a su casa. Y eso fue todo. Cuando me llegaron las copias de promoción del libro le envié una. Murió un mes después. Nunca tuve la oportunidad de saber si lo había leído y que le había parecido…

 

¿Crees que el hecho de que alguien como él, todo un mito de la BBC, apoyase en su dia  la naciente escena grindcore fue decisiva en el desarrollo de la misma o todo hubiese sucedido de una manera u otra?

Como vivo en los EE.UU., sólo podía seguir sus programas el  último par de años a través de Internet, y la verdad es que fueron los más emocionantes y entretenidas que he oído nunca. John fue muy influyente en el desarrollo del primer death metal sobre todo para que bandas como NAPALM DEATH, CARCASS y EXTREME NOISE TERROR llegasen a un público más amplio. No creo que que la escena se hubiese desarrollado tan rápidamente, sin él. Él es verdaderamente insustituible.

Hay sectores muy puristas dentro del público grindcore que rechazan la idea del death metal, o al menos la idea de mezclar ambos estilos.  ¿Has recibido alguna crítica en ese sentido?

Sí, hay un montón de “puristas” por ahí, pero me siento como si estuvieran engañando a sí mismos si no aceptan que la historia del death metal y grindcore están vinculadas. Quiero decir, todo lo que tienes que hacer es seguir el ejemplo de Trey Azagthoth quien añadió los “Blast beats” de “Scum” a MORBID ANGEL, mientras que casi al mismo tiempo, un par de años después eran NAPALM DEATH quienes iban a los Morrisound Studios en Tampa,  tratando de capturar el “sonido Florida” para “Harmony Corruption”!

Tu libro ha sido traducido a varios idiomas aparte del español. Exceptuando la que está escrita en inglés ¿Sabes cual es la edición que mejor ha funcionado?.

Me imagino que la versión en Inglés es el más vendido, ya que fue el primero en salir, y el Inglés es una lengua segunda muy popular en toda Europa (donde existe también una fuerte base de fans del death metal y grindcore). Dicho esto, la traducción al español es la versión que he sido el más entusiasmado ya que la versión original en Inglés fue lanzado en 2004. Me siento como si fuera desde hace mucho tiempo y estoy extremadamente feliz de trabajar con los BAZILLION  POINTS para ayudar a darle vida.

 

¿Encuentras muchas similitudes entre la industria musical y la editorial? con todo el tema de las descargas ilegales en Internet, cuál de los dos sectores tienen hoy en día más futuro en tu opinión?
Bueno, la industria editorial ha cambiado mucho debido al tamaño cada vez menor de la industria musical. Las compañías no disponen de las mismas cantidades de dinero que en el pasado para publicidad y marketing (o simplemente no quieren gastar), por lo que los ingresos por publicidad ha disminuido para las editorials, lo que lo hace un poco más difícil de publicar una revista impresa. Dicho esto, si trabajas duro, puedes encontrar anunciantes de otras áreas relacionadas con el estilo de vida “de la música extrema y subterráneos”, que quieren usar la revista como vehículo para promover sus productos. En definitiva, es un mundo diferente en estos días, pero en el que (las buenas) revistas impresas y los (buenos) sellos discográficos aún puede prosperar.

A la hora de publicar la traducción del libro, parece claro que el objetivo es el público hispano mucho antes que el español (de España). Los costes postales son muy altos aquí y quizá no sería rentable editar un  libro en Estados Unidos dirigido a España. ¿Habéis pensado tú o Christe de BazillionPoints hacer alguna licencia editorial o algo por el estilo para los diferentes países donde se hablan los idiomas en que ha sido editado el libro?.

 Probablemente esa pregunta estaría más dirigida a Ian que a mí, ya que él tiene un mayor conocimiento de los entresijos del negocio cuando se trata de publicar y distribuir libros.

Me parece especialmente interesante el capitulo  “Tirar de la corporación” donde se trata sobre la intromisión de las compañías multinacionales en el death metal. ¿Crees que la escena death ha conseguido mantener su integridad desde los primeros días o el paso del tiempo ha ido desvirtuándola?

Creo que la conserva. Obviamente, volvió al underground durante mucho tiempo y sólo empezó a ser una especie de fuerza comercial nuevamente a mediados de ’00s. Creo que en estos días, las grandes discográficas multinacionales tienen mucho más que decir en la música metal que antes. Quiero decir, PANTERA estaba en una de las grandes. Lanzaron sus discos más importantes en una multi y después los echaron. Si permiten a las bandas hacer lo que quieren hacer, y sólo se dedican a su música, creo que podría funcionar. Mira LAMB OF GOD. Ese es un buen ejemplo de una banda que firmó con una multinacional y grabó un disco que seguía siendo tan extremo como los que habían hecho antes. Así que creo que puede funcionar. En cuanto a death metal y grindcore extremo en las compañías más importantes, me sorprendería mucho si alguna vez ver a una banda de puro death metal en una compañía importante otra vez ..

 

Bien, por último me gustaría que nos dieses diez razones ( es decir, el título de diez discos) para amar el death metal.

Eh tio, me has puesto en mi salsa, bien allá vamos:

1. Carcass, Necroticism – Descanting the Insalubrious

2. Death, Human

3. Dismember, Like an Ever Flowing Stream

4. Morbid Angel, Altars of Madness

5. At the Gates, The Red in the Sky is Ours

6. Obituary, Cause of Death

7. Entombed, Left Hand Path

8. Repulsion, Horrified

 9. Napalm Death, Harmony Corruption

10. Nile, Amongst the Catacombs of Nephren-Ka

 Ten en cuenta que esto es sólo mi opinión personal y de ninguna manera una lista definitiva

Cualquier cosa que quieras añadir…. Es el momento.

Me he quedado sin tiempo (y sin palabras) pero gracias por el interés en el libro y en el metal underground!.

D  O  S   S  I  E  R      D  E  A  T  H      M  E  T  A  L

Bueno, como es costumbre en este blog, como ‘complemento’ al artículo se incluye un dossier, esta vez dedicado al death metal (original eh?). No sabía muy bien que poner en el, si material sobre las bandas que aparecen en el libro, o material sobre las bandasmás imortantes del género… así que finalemnte he decidido que lo más coherente es incluir material sobre algunas de las banadas aparecidas en la década de los 80′s. Debo decir que la mayoría de las entrevistas y/o artículos son de años posteriores, pero en fin, creo que a los fans del género habrá cosas interesantes, y para los no iniciados quizá sea una buena ocasión para adentrarse en un mundo  muy particular .

 ¿C O M O   C O N S E G U I R L O?

Hay que esforzarse un poquitín y escribir un comentario en “Escribir un comentario” (arriba del todo, donde el títular del post), y te enviaré el enlace donde esta subido y la contraseña correspondiente. Por favor cúrratelo un poco, no valen rollos tipo: “el death metal mola un güevo” ok?. Lo mejor sería que si has leido el libro lo comentes, des tu opinión para que otros que estén interesados se decidan (o no) a comprarlo, pero si no puedes hablar sobre un álbum en concreto o sobre una banda, o sobre un show o sobre lo que quieras, siempre y cuando esté relacionado con el género.

C O N T E N I D O

- ABOMINATION. Entrevista para la revista THRASH METAL publicada en 1989. 1 pag. en español.
- ACHERON. Entrevista para la revista Sounds of Death #8, en Otoño de 1996. 4 pag. en inglés.
- ASPHYX.  Entrevista para la revista GRINDZONE # 1, publicada en 1994. 2 pag. en Español.
          Entrevista en fanzine MUTILATING PROCESS de 2004. 7 pag. en Inglés
- ATHEIST. Artículo para la revista METAL FORCES # 4, Noviembre de 1989. 1 pag. en inglés
           Entrevista para la revista THRASH ‘N BURN # 1 publicada en Agosto de 1991
- BENEDICTION. Entrevista para la revista THRASH’N BURN # 3, publicada en Octubre de 1991
- CANNIBAL CORPSE. Entrevista para METAL HAMMER #164 Julio de 2000. 2 pag en español.
                   Entrevista para la revista METAL HAMMER #179  Octubre de 2002. 2 pag en español.
                   Entrevista para la revista METAL HAMMER #102 Mayo de 1996. 2 paginas en español.
- CARCASS. Entrevista METAL HAMMER # 87 en Febrero de 1995 2 pag. en español
           Entrevista publicada en la revista METALLI-K.O. # 77  1 pag. en español
           Entrevista publicada en la revista METALLI-K.O. # 42  1 pag. en español
           Entrevista publicada en la revista METALLI-K.O. # 51  1 pag. en español       
- DEATH.   Entrevista para la revista GRINDZONE # 1, publicada en 1994. 2 pag. en Español.
           Artículo para la revista METALLIK.O. #22, Agosto de 1988. 1 página en español.
           Artículo para la revista METAL FORCES # 6 publicado en Abril de 1989.
           Artículo-Entrevista publicado en la revista THRASH METAL en 1989. 2 paginas en español.
- DEICIDE, Entrevista para la METAL HAMMER #92,Julio de 1995. 3 pag. en español.
           Entrevista para la revista METAL HAMMER #89,Abril de 1995. 2 pag. en español.
- DISMEMBER. Artículo en la revista METAL HAMMER # 93 Agosto de 1995. 2 pag. en español.
- ENTOMBED.Entrevista para la revista GRINDZONE # 1, 1994. 3 pag. en Español.
           Entrevista para METAL HAMMER # 151, publicada en Junio e 2000 2 pag. en español.
           Entrevista para la revsta Heavy Rock # 201 publicadad en 2000 1 pag. en español.
- GOREFEST.Entrevista para GRINDZONE # 1, publicada en 1994. 2 pag. en Español.
- MARTIN VAN DRUNEN.Entrevista en fanzine MUTILATING PROCESS de 2004. 8 pag. en Inglés
- MORBID ANGEL. Entrevista en METAL HAMMER # 93 en Agosto de 1995. 2 pag. e español
                Artículo en la revista METALLI-K.O.#52 publicado en Febrero de 1991
                Entrevista en Holocaust Zine, publicado en 1991 2 pag. en inglés
- NAPALM DEATH. Entrevista para METAL HAMMER # 156 Noviembre de 2000. 2 pag. español
                Reportaje gira española en METALLIK.O. #42 publicada en
                Articulo entrevista de la revista THRASH METAL Publicado en 1991 3 pág. en español.
- NECROPHILIAC. Entrevista en la revista THRASH METAL. publicada en 1989 2 pag. en español
- OBITUARY. Artículo para la revista METALLI-K.O. publicado en Mayo de 1989. 1 pag. en español.
            Artículo para la revista METAL HAMMER # 83 publicado en Octubre de 1994. 2 pag. en español.
- PESTILENCE. Entrevista en la revista METAL FORCES # 35 publicadad en 1989. 1 pag. en ingles
              Entrevista en la revista THRASH ‘N BURN  # 01 publicadad en Agosto 1989. 2 pag. en ingles
              Entrevista en la revista THRASH ‘N BURN # 02 en Septiembre de 1989. 2 pag. en ingles
- POSSESSED   Artículo en la revista METAL FORCES. 1 pag. inglés
- RIGHTEOUS PIGS. Entrevista para la revista THRASH METAL publicada en 1989. 1 pag. en español.
- SINISTER. Entrevista aparecida en METAL HAMMER # 93 en Agosto de 1995. 2 pag. en español
- TIAMAT.Entrevista para la revista GRINDZONE # 1, publicada en 1994. 2 pag. en Español.

cronologia

Dio: “Holy Diver”

1. Stand up and Shout  2. Holy Diver  3. Gypsy  4. Caught in the Middle  5. Don’t Talk to Strangers    6. Straight Through the Heart     7. Invisible    8. Rainbow in the Dark      9. Shame on the Night

 

Ronnie James Dio – VOZ, produccion Vinny Appice – Batería     Jimmy Bain – Bajo y teclados   Vivian Campbell – Guitarra    Wendy Dio – Fotos ,portada, dirección        Angelo Arcuri y Ray Leonard- Ingenieros de sonido 

 

 

Ronnie James Dio nos parecía un viejo cuando abandonó a BLACK SABBATH. Claro que cuando uno tiene trece o catorce años, parece que con veinte uno estará acabado. El caso es que daba la impresión de que su única alternativa era dedicarse a la producción o algo que le mantuviese al margen de los escenarios. Afortunadamente nos equivocamos. En 1983, hace veintisiete años, el gran Ronnie Dio daba los primeros pasos de una carrera en solitario que nos ha dado muchos momentos de felicidad. Ahora Ronnie, todos lo sabemos, está pasando por momentos difíciles y aunque las noticias que llegan no son del todo malas, parece que a partir de ahora sí va a tener que cuidarse y mantenerse alejado de la primera línea… Falta saber si será capaz.

 Ronnie pertenece a la vieja escuela, la de quienes trabajaron como bestias y se esforzaron hasta el extremo para ver cumplidos sus objetivos. La de quienes no abandonaron a la primera dificultad ni se hundieron en el pozo de la altivez y la de quienes han entregado toda su vida al rock and roll. Me vienen a la cabeza nombres como Rudolf Schenker y Klaus Meine, Ian Paice, Tony Iommi, Lemmy cómo no, los hermanos Young… músicos que no han sabido vivir fuera de la carretera durante los últimos casi cuarenta años.

 Ahora vamos a re-visitar su primer trabajo en solitario como solista heavy metal. Sabes que tiene otros discos en solitario, los que grabó antes de ELF y por supuesto de RAINBOW, que nada tienen que ver con el rock. Como de costumbre, al final del post están las explicaciones sobe el DOSSIER HOLY DIVER, su contenido y cómo conseguirlo. Vamos allá. La salida al mercado de este trabajo fue un verdadero bombazo en la escena de 1983. Por fin había un disco capaz de poner de acuerdo a los fans del metal europeo con los que tenían gustos más orientados a la onda americana: “Holy diver” era una obra maestra y nadie discutía eso.

Seguro que muchos fans suspiraron aliviados al escuchar sus canciones, ya que su aparición era la consecuencia de que el mejor momento que BLACK SABBATH había tenido en años se hubiese esfumado y eso era preocupante. Efectivamente, las desavenencias y malos entendidos entre Ronnie J. Dio y el resto de BLACK SABBATH (mejor dicho, Toni Iommi y Geezer Butler) dieron al traste con la banda que firmó “Heaven & Hell”, “Mob Rules” y el doble en directo “Live Evil”. Aquellos problemas fueron aireados en público por la prensa musical que a través de comunicados y entrevistas ayudaba a que ambas partes se acusasen mutuamente de falta de profesionalidad, desidia respecto a la banda, e incluso boicot en el proceso de producción del último álbum que editaron, el directo “Live Evil”. (El dossier incluye lo que la revista Kerrang (ed. inglesa) publicó en su día con respecto a DIO)

 

El carácter de Ronnie Dio y la curva descendente que de forma tímida pero firme comenzaba a definir la carrera de BLACK SABBATH, fueron determinantes para que Dio tomase la resolución de empezar con su nueva aventura, algo que no debió ser fácil de hacer por el riesgo que implicaba. Debemos tener en cuenta que Ronnie James Dio había escrito un currículum que había ido ganando en brillo año tras año, desde los tiempos en grupos de instituto, sus primeras incursiones en solitario, después con ELF, para seguir con RAINBOW y finalmente con BLACK SABBATH. Esto le daba un crédito previo tanto de cara al público como a la crítica, pero también significaba que un resbalón podía finiquitar de un plumazo lo que tanto tiempo le había costado conseguir. Había muchos intereses en aquel entonces para que eso ocurriese, y a nadie se le escapa que de haber sido así, tanto el entorno de BLACK SABBATH como el de OZZY OSBOURNE no hubiesen tardado un minuto en sacar las uñas… ¿alguien lo duda?

Una de las cosas que más llamó la atención fue el hecho de que se rodease de músicos con el talento que tenía su banda. Pudo haber tenido la tentación de contratar a tres o cuatro mediocridades para de ese modo brillar él con mayor intensidad (no puedo evitar acordarme de la actual chapuza de Axl Rose) pero muy al contrario, lo que hizo fue contar con los servicios de músicos de gran solvencia, los cuales, en sus respectivos papeles, estaban a la altura del cantante.

 

Por una parte mantuvo a su lado al batería Vinnie Apice, el cual había entrado en BLACK SABBATH a mediados de 1980 a propuesta del propio Ronnie. La jugada tuvo un fifty-fifty de lealtad e interés por parte del batería ya que si bien su fidelidad a quien en realidad le había aupado donde estaba tuvo sin duda un gran peso, por otro lado BLACK SABBATH sin Dio estaban acabados (a los hechos me remito) y además el cantante iba a establecer su centro de operaciones en Los Angeles, que era donde Vinnie residía por lo que el interés en irse con él era evidente.

Como bajista contrató a otro viejo conocido, Jimmy Bain, con quien Dio había compartido los años más brillantes de RAINBOW, entre el 75 y el 77, lo cual era una hábil jugada del cantante, quien además de hacerse con los servicios de un competentísimo músico, se aseguraba el interés de las decenas de miles de fans que veneraban la época de ‘On Stage’. Como contrapartida, y para meterse en el bolsillo a la sangre más nueva dentro de la escena metal, jugó la misma baza que su eterno rival, Ozzy Osbourne, contratando como mano derecha a una joven promesa. Un músico de talento desbordante que venía de una banda de la N.W.o.B.H.M. conocida como SWEET SAVAGE. Vivian Campbell, su guitarrista, era un talento malgastado en una banda que tras varios sencillos se había quedado en el furgón de cola, y que cuando vio otro tren pasar ante sus ojos, no dudo que tenía que cogerlo, lo mismo que en su día había hecho Randy Rhoads con la banda de Ozzy…o John Sykes con THIN LIZZY. Precisamente hemos de decir que Sykes fue un candidato al puesto. El caso es que Jimi Bain estaba muy al tanto de lo que se cocía en la escena inglesa de los primeros ochenta, ya que también participaba en ella formando parte de WILD HORSES junto a Brian Robertson . Por ello sugirió a Dio los nombres de John Sykes y Vivian Patrick Campbell.

Dio escucho los trabajos de ambos y se inclinó por la habilidad de Campbell quien fue citado para una audición en los John Henry’s Rehearshall Studios, donde grabaron ‘Holy diver’ y ‘Don’t talk to strangers’. Al día siguiente, el puesto era suyo. Así de fácil. Aquel chaval de 19 años había pasado de escuchar “On Stage” y “Mob Rules” a ser una parte fundamental de la banda que incluía a los músicos que él admiraba.

El tema del teclista fue lo único que la banda dejó pendiente, a la espera de contratar a alguien para el trabajo en directo. Mientras tanto, Jimi Bain y Ronnie serían los que solucionarían el problema grabando las partes correspondientes.

La banda viajó a los Sound City Studios en Los Angeles para grabar las canciones que previamente habían preparado y ensayado en Inglaterra. En principio, Ronnie quiso trabajar con Martin Birch, junto a quien había grabado durante años, pero el productor no estaba disponible y Dio no estaba por la labor de retrasar ni un día más su disco, de manera que él mismo se tiró a la piscina de la producción con Angelo Acuri como ingeniero. Dicho sea de paso, hicieron un gran trabajo.

En cuanto al repertorio, se trata de nueve canciones entre las que es verdaderamente difícil destacar alguna sobre las demás. La espontaneidad, la fuerza y la arrogancia parecen darse la mano a lo largo de un repertorio brillante como pocos que hace de este disco algo irrepetible.

Las canciones vienen firmadas por Ronnie James Dio en su totalidad, pero imagino que debió hacerse así por cuestiones legales, ya que en realidad, solo hay dos escritas exclusivamente por el cantante (‘Gipsy’ y ‘Holy Diver’). El resto están firmadas por toda la banda, bien como grupo o bien por separado. Eso sí, el nombre de Ronnie figura en todas y cada una de las canciones. En este sentido hay algo bastante extraño con un tema concreto, “Straight to the heart” que está firmado por Jimi Bain y Ronnie James Dio, pero que había sido grabado en 1982 por SWEET SAVAGE en los Lombard Studios de Dublín muy poco tiempo antes de que Vivian abandonase el grupo. No es difícil de conseguir por alguna de las miles de páginas de descargas que existen y te aseguro que escuchar el original y compararla con cómo termino siendo grabada por estos maestros es un ejercicio interesante.

Dicho esto, ahora viene la parte difícil. ¿Qué se puede decir de las canciones de “Holy Diver” que no se haya dicho ya? ¿Hay algo nuevo que aportar? La cosa es complicada, de manera que trataré de dar una pequeña visión personal, con la que unos coincidiréis y otros no, como de costumbre. Yo diría que lo primero que apreciamos es que para este disco usaron un esquema bastante parecido al de “Mob Rules” y “Heaven and hell”. En ellos BLACK SABBATH con Ronnie al frente habían utilizado las parejas de canciones ‘Turn up the night’-‘Voodo’ y ‘Neon knights’-‘Children of the sea’ para abrir sendos discos y en ‘Holy Diver’ repiten el efecto abriendo el disco con “Stand up and shout“,  un latigazo en la cara con el que ellos se garantizan tu atención desde el segundo uno, para continuar con “Holy diver” , el medio tiempo que se convirtió en todo un patrón de la banda. Al margen de este detalle que se repitió en posteriores obras, el resto del repertorio está construido sobre una fuerte personalidad propia conseguida a base de una mezcla perfectamente equilibrada entre intensidad y melodía, representada en temas como “Gipsy”, “Caught in the middle”, “Invisible” o “Don’t talk to strangers“, un crescendo que pasa por ser una de las canciones mejor cantadas de este hombre a lo largo de toda su carrera… todo un festín para los sentidos.

Como single se editó “Rainbow in the dark” o lo que es lo mismo: LA CANCION, así con mayúsculas. En fin, “Rainbow in the dark” es a DIO lo que “Boys are back in town” o “We’re not gonna take it” es a THIN LIZZY y TWISTED SISTER. La canción que todo Dios conoce. De hecho llegó al puesto nº 15 en USA (el álbum fue 40).

Por último, la portada nos presentaba a ‘Murray’, el demonio que se convirtió en la mascota del grupo y que algunos aseguran que aparece en el centro de la portada de ‘Mob Rules’, encima de donde se supone que dice’ Kill Ozzy’. Toda una leyenda urbana que convertía a estos discos y sus creadores en algo insustituible.

Ojala Ronnie se recupere pronto de su enfermedad y viva el resto de sus días disfrutando y siendo feliz. Creo que se lo ha ganado.

DOSSIER

¿Cómo conseguirlo?

Escribe un comentario en esta entrada del blog hablando sobre el significado de este álbum o de Ronnie Dio para tí. Se enviará el enlace correspondiente para que lo puedas descargar.

Contenido:

-Reseña del álbum en la ENFER MAGAZINE nº7 (Francia, 1983). 2 pag.
-Entrevista a Dio en la ENFER MAGAZINE nº9 (Francia, 1984).5 pag.
-Reportaje a Dio en la HEAVY ROCK nº13 (España, 1984). 3 pag.
-Entrevista a Vivian Campbell en la HEAVY ROCK nº 16 (España, 1984) 2 pag.
-Hoja promocional de Polygram Records. 1 pag.
-Entrevista a Dio sobre su marcha de BLACK SABBATH en la KERRANG nº 39 (Inglaterra, 1983). 3 pag.
-Entrevista a Dio sobre la nueva banda en la KERRANG nº44 (Inglaterra, 1983). 3 pag.
-Entrevista a Vivian Campbell en la KERRANG nº 47 (Inglaterra, 1983) 2 pag.
-Poster de Ronnie en METAL HAMMER nº1 (España, 1987) 2 pag. (hay que tirar de Photoshop y montarlo)
-TOURBOOK HOLY DIVER: Dos libros diferentes de la gira de ‘Holy Diver’- 28 pag. No está escaneado por mi, así que no es mi mérito.

 

ARTICULOS

FUE HACE TREINTA AÑOS!

Dicen que nunca se olvida el primer amor… y tienen razón. Aunque al final las cosas siempre terminan mal, nunca habrá nada que mate ese recuerdo que todos tendemos a mitificar. Creo que con la música sucede lo mismo. Cuando ves las cosas a través de los ojos de un niño, el recuerdo las distorsiona y las hace parecer más grandes y (quizá) mucho mejores de lo que eran en realidad.

Recuerdo que cuando vi a BARON ROJO actuar en el programa  APLAUSO un sábado por la tarde, el mundo se me vino encima. Tenía media idea de lo que eran AC/DC, solía ir a ver todos los días la portada del álbum ‘Killers’ de KISS que había en el escaparate de una tienda de discos de Gijón y me gustaban mucho STATUS QUO y ELVIS PRESLEY, pero vamos, también me gustaba LEIF GARRET, BONEY M y LOS PECOS.  ¡Tenía once años o doce recién cumplidos y ni puta idea de que era todo aquello!.

Eso sí, insisto: cuando ví a BARON ROJO en aquel plató fue como si Moisés me enseñase las tablas de los Diez Mandamientos o algo por el estilo. No se si caí de rodillas pero poco debió faltarme. El caso es que al cabo de dos años, los Reyes Magos me trajeron el “Volumen Brutal“, y casi treinta después estoy dedicando mi tiempo a escribir esto. Supongo que algo les debo a Carlos, Armando, Sherpa y Hermes.

 

Como han vuelto al sitio de donde nunca debieron irse, me gustaría rendirles un pequeño tributo recuperando un artículo que publiqué en la extinta Metal80 en el que intentaba relatar lo que fue su periplo entre el 81 y el 82 corregido y aumenta do, así como un dossier cuyo contenido encontraréis al final. Os aseguro que merece la pena porque son recortes históricos y fotos muy poco vistas.

 

En fin, lo dicho. Si por una casualidad, alguno de los BARONES lee esto, me gustaría agradeceros el haberme volado la cabeza aquel sábado por la tarde con el mítico “Con Botas Sucias”. Como dicen las bandas sureñas que tanto os gustan: Que Dios os bendiga.

   

…Y EL BARON VOLO SOBRE EUROPA.

No fue el único grupo rock español que pisó los escenarios londinenses, ASFALTO o LEÑO también lo hicieron. Tampoco fueron los primeros que se codearon con la jet set del rock and roll internacional. Algunos años antes los sevillanos THE STORM conseguían elogios del mismísimo Freddie Mercury o vencían a THIN LIZZY en un concurso de la radio, … en fin, no fueron los únicos ni los primeros, pero sí los que mejor supieron exportar su talento más allá de España, dejando testimonio de su talento en el centro neurálgico de la escena heavy metal.

 

BARON ROJO consiguieron tocar el cielo del rock and roll y treinta años después, aun seguimos esperando que otro grupo español consiga ponerse a la altura. Bien, la intención de este artículo no es especular con lo que pudo haber sido, ni de lamentarse de lo que no fue, si no hacer un repaso a partir de entrevistas, artículos e información en general que he podido recuperar del único grupo español que supo hacerse oír donde más ruido había. Sí amigo, hubo un tiempo en que el Barón voló sobre Europa.

[LARGA VIDA AL ROCK AND ROLL]

“Larga vida al rock and roll” se había grabado en Noviembre del 80 y llevaba desde el veintisiete de Abril arrasando con cualquier expectativa imaginable que uno pudiese hacerse respecto a una banda de rock duro en este país. Recordemos que sólo dinosaurios de la talla de RAINBOW o AC/DC asomaban la nariz por las tres ciudades de turno (Madrid, Barcelona y San Sebastián), y que para conseguir un disco tan básico como “Strangers in the night”, había que recurrir a la importación o esperar uno o dos años. Bien, pues en aquel estado de cosas cuatro personajes procedentes de bandas como MODULOS, COZ o PSIGLO habían decidido unir esfuerzos para editar, de la mano de Vicente Romero, un álbum de debut que costó sangre, sudor, lágrimas y seis meses de espera para poder entrar al estudio, pero que como decíamos, finalmente desbordó todas las previsiones.

Un altísimo nivel de ventas, continuas galas a lo largo y ancho del país, singles en la radio y apariciones televisivas dejaban claro que ese era el momento y el lugar. Vicente Mariscal logró convencer a la compañía Zafiro (que a través de Chapa Discos movía todos los hilos) de que el material que tenían para el segundo álbum era una bomba y que podía y debía ser proyectado internacionalmente.

 

Así las cosas el 4 de Octubre de 1981 BARON ROJO terminó la gira de ‘Larga vida al r’n’r’ y hasta el cinco de noviembre, día que volaban a Londres, estuvieron encerrados en el local de ensayo terminando de matizar el nuevo álbum.

“Nos metimos en el local incluso sábados y domingos y al final tuvimos que desechar cantidad de temas, grabamos disco y medio por lo menos”

recordaba Carlos.

El asalto que se había preparado a tierras británicas, fue gestionado por Vicente Romero y Robert Mills, periodista y promotor muy vinculado a España, y consistía en grabar el segundo álbum, hacer una serie de conciertos aislados y promocionar al grupo de cara a conseguir un sello que comprase la licencia de edición de los discos para otros paises.

[LONDON'S BURNING!!]
 

En Marzo de 1979 Ian Gillan había hecho un par de actuaciones en España con su banda GILLAN, ofreciendo los servicios de unos estudios de su propiedad a Vicente Romero, algo de lo que él tomo nota. Estamos hablando de KINGSWAY RECORDERS, un estudio al que cualquier ordenador casero con el programa adecuado superaría hoy en día, pero que en su día había recibido la visita de artistas tan míticos como WISHBONE ASH, AXIS POINT, JEFF BECK o el propio GILLAN, lo que al menos garantizaba unas paredes empapadas en historia. El presupuesto de la compañía era relativamente holgado, fruto de las buenas ventas de su anterior disco, así que en el mes de Noviembre de 1981, BARON ROJO graban el mítico “Volumen Brutal” con la producción de Vicente Romero y bajo la batuta de Bob Broglia, en sesiones que en ocasiones rozaron las veinte horas seguidas.

No se trata de hablar aquí de la grabación del álbum, pero tampoco podemos dejar de recordar que, como todos sabéis, “Volumen brutal” contó con la colaboración de Colin Towns al teclado y Mel Collins en el saxofón. Colin Towns era el teclista de la banda de Ian Gillan. Se habló en principio de que fuese el mismísimo Jon Lord el que pusiese su grano de arena en el álbum, pero en aquellos días se encontraba grabando su álbum ‘Before I forget’ y no fue posible. Mell Collins, por su parte era el saxofonista de la banda progresiva KING CRIMSON y actuó como invitado en varios shows de BARON ROJO poco tiempo después. Armando de Castro contaba la experiencia en una entrevista aparecida en Popular1 en aquellos tiempos:
 En los camerinos tuvieron lugar las presentaciones y entre unos y otros se liaron y finalmente Dickinson cantó con ellos “Rock me baby” de B.B.King. También fue allí donde Sherpa regaló su muñequera a Bruce, que la aceptó sin acabar de creérselo y la lució en muchas fotos a lo largo de los años.

“A Colin Towns se le dio la armonía y el seguramente hubiera deseado meter algo más complicado, pero se trataba de hacer un ambiente, no en plan espectacular, que metiera también algo de su cosecha. A Mel Collins le dijimos que hiciera lo que le diera la gana, que ahí tenía 16 compases y se tiró una hora y media grabando solos, hasta que al final dijo: ‘este’, es un tipo muy exigente consigo mismo, además le venía el tema “Son como hormigas” en un tono putísimo, en Si, que para el saxo es como tocar con las ocho alteraciones juntas”.

Durante la grabación del disco tuvieron lugar tres conciertos en suelo inglés, como parte de la estrategia que habíamos mencionado antes. El primero de ellos se celebró el 20 de Noviembre de 1981 en el LONDON COLLEGE OF PRINTING, uno de los cinco colegios de Bellas Artes situado al sur de Londres, sobre cuyo escenario gente como MOTT THE HOPLE o BARCLAY JAMES HARVEST habían dejado su huella. Al día siguiente (21) la visita era al THE GREYHOUND, en 175 Fulham Palace, un pub donde por una libra podías ver actuaciones de bandas que llegarían a ser historia (el nombre de AC/DC quizá te digan algo!).

BARON ROJO tuvieron como invitados a SCARECROW, un grupo que tenía en cartera Robert Mills, y en el final del show, nada menos que Michael Schenker hizo con ellos una jam donde interpretaron el clásico ‘Crossroads’. Michael, con vaqueros y camisa blanca, puso como única condición usar la Flying V de Armando, lo que dejó a Carlos como cantante y a Armando utilizando la Startocaster color madera de Carlos. También fue allí donde recibieron la visita de Bruce Dickinson. Dickinson se había convertido en el frontman de IRON MAIDEN hacía muy poco tiempo, de hecho los propios BARON ROJO habían acudido al RAINBOW THEATRE de Londres el día 15 de aquel mes, al show de debut de MAIDEN con su nuevo cantante. El caso es que Dickinson sintió curiosidad ya que conocía el primer disco de los Barones, y fue aquella tarde a ver a “RED BARRON, Spanish nº1 heavy rock band”, (tal como venía anunciado en los carteles) acompañado por un roadie de su banda.

El último de los conciertos era en el templo del rock and roll. El Marquee era ocupado por BARON ROJO el 22 de Noviembre, aunque no sería esa la última vez. Como compañeros de tablas tuvieron a unos desconocidos HANOI ROCKS, para quienes abrieron y con cuya actuación se despidieron de los primeros escarceos en los escenarios ingleses.

 

Durante el resto del tiempo que duró la grabación de ‘Volumen Brutal’ recibieron de nuevo la visita de Bruce Dickinson, esta vez en el estudio, que ayudó en la traducción a inglés de las letras del disco, algo que le gustó mucho hacer, ya que admiraba la carga crítica de los textos, especialmente los escritos por Sherpa y Carolina Cortés. También les visitó John Sloman, el rubio cantante que había pasado por URIAH HEEP y posteriormente formó parte de la banda de Gary Moore. Se ha llegado a rumorear que Sloman podría haber formado parte de un hipotético ‘nuevo BARON ROJO’, que se habría instalado en Gran Bretaña, pero alguno de los miembros del grupo siempre ha desmentido este extremo. Carlos contaba a Popular1:

“Con Sloman se grabaron creo que un par, pero sin que él lo supiera, fue muy curioso porque había hablado con John para que el cantara con nosotros en directo, se pasó por el estudio y ensayamos un par de temas, el “Crossroads” uno de ellos, y luego no apareció en la actuación”.

En cualquier caso, la curiosidad de ver a una banda española que superaba con creces a la inmensa mayoría de los populares grupos NWoBHM de la época, atrajo al estudio a mucha gente del negocio. La maquinaria ya se había puesto en marcha, y faltaba muy poco tiempo para que saliese a la venta el disco más emblemático del rock duro jamás grabado en España y el más conseguido respecto al sonido:

“El sonido del disco en sí es bastante mejor que el primero, de entrada el técnico de sonido estaba acostumbrado a grabar con Ian Gillan y gente así, no hacía casi falta que le dijeras lo que querías, te ecualizaba el mismo y ya te iba gustando, y eso te da bastante confianza. Lo hacen sonar mas compacto, incluso cuando se graba bien aquí suena artificial, y no te creas que es un estudio increíble, totalmente lo contrario, cualquier estudio medio de aquí es bastante mejor…y mezclamos como en la edad de piedra, con todos los potenciómetros rascando y sin embargo, ya ves!!”

recodaba el grupo en una entrevista de 1982.

 

Solo quedaba pendiente el asunto de los negocios, un lado tan poco amable como necesario para que la cosa funcione. En Inglaterra se firma un convenio entre Chapa y una compañía inglesa llamada Kamaflage, para sacar el material de los Barones en las Islas. ‘Larga vida al rock and roll’ y ‘Volumen Brutal’ serían editados en Inglaterra, mientras que Zafiro se ocuparía de editar en nuestro país trabajos del sello inglés, como por ejemplo el mítico ‘Filth hounds of Hades’ de TANK, que aquí llevaba el sugerente título de ‘Los perros inmundos del infierno’. Habían conseguido unos resultados más que positivos en todos los objetivos que les habían llevado a Inglaterra. Habían actuado en algunos de los lugares sagrados de la historia del rock, habían conseguido un contrato para ser lanzados a nivel internacional y, sobre todo, habían grabado un disco cuyo título está escrito con letras de oro en las páginas de la historia del heavy metal. “Volumen Brutal” salió al mercado a finales de Febrero de 1982 y, naturalmente, empezaba el trabajo duro.

 

[EL SATANICO PLAN TOMA ESPAÑA POR SORPRESA]

 

 

Aristos Managent, la agencia que tenía en cartera a BARON ROJO, organizó un tour por España en el que la banda que abría era STRAY, un combo ingles de boogie-prog-rock que llevaba en escena desde finales de los sesenta, aunque se habían separado en el 77 y buscaban en esta gira una especie de prueba de fuego para su reunión con la formación original. Por su parte BARON ROJO, como ya dijimos, se trajeron como invitado a Mell Collins, el saxofonista que había grabado con ellos en Londres. Para hacernos una idea del nivel al que estaba este hombre, basta decir que acababa de terminar un tour alrededor de todo el mundo como músico de los ROLLING STONES, y luego giraría con los DIRE STRAITS de aquellos años.

El tour, decíamos, empezó el 7 de Marzo de 1982 en el Palacio de los Deportes Juventud de Badalona y a pesar de que el día anterior habían actuado SCORPIONS en Montjuic, y de que el clima no acompañaba en absoluto, el inicio de gira fue un lleno completo, algo que se repitió a lo largo y ancho de toda España.

Algo totalmente nuevo para este país fue la inversión que se hizo en lo que a sonido e iluminación se refiere. Verdaderamente, las giras de grupos españoles no habían destacado hasta entonces por la calidad e sus equipos, pero BARON ROJO no estaban dispuestos a que joyas como ‘Incomunicación’, ‘Resistiré’ o ‘Hermano del rock and roll’ quedasen deslucidas por un sonido deficiente, por lo que optaron por alquilar los servicios de la delegación francesa de la compañía internacional ENTEC, que se encargó tanto de luminotecnia como de sonorización. En algún sitio queno recuerdo, encontré el listado técnico de la gira, que reproduzco para quienes puedan estar interesados.

[EQUIPO DE GIRA VOLUMEN BRUTAL1982]

MICROFONÍA:

[Voces]: ELECTROVOICE DS-35, ELECTROVOICE RE-10.

[Guitarras]: Sennheiser 421, Shure SM-57.

[Batería]: Shure SM-57 (caja),Sennheiser 421 (bombo) AKG D-12 (Timbales) Sennheiser 406.(Platos y Charles)

EQUIPO DE MEZCLAS:

Mesa Midas de 32 canales con ocho grupos de salida estéreo.

Rack de efectos y material electrónico auxiliar como: un compresor DBX 162 estéreo, un Harmonizer de Eventide, un Chorus Echo SER-555 de Roland y el frecuente Space Echo RE-201 también Roland.

Bajo este grupo de aparatos empleados para el acondicionamiento de las voces, un par de ecualizadores gráficos Klark-Teknik DN27 para los dos canales de salida y divisor electrónico, de cinco vías, con puntos de cruce en 370 Hz, 1,4 KHz, 3 KHz, y 6 KHz.

AMPLIFICACION:

Aplificadores BGW 500 y 750, Crown DC-300 A y bloques Midas de 1000 watts.

10.000 w. en P.A. y 5000 watts en retorno a escena

Altavoces. seis proyectores Martin 215 por cada lado del escenario con altavoces Gauss tipo 4883 en su interior para graves cinco cajas MH 212 Martin con altavoz RCF de 12 pulgadas se utilizaban en medios-graves,

Bocinas de 500 y 800 Hz. JBL con motores 2482 y 2440. Unas diez unidades en total por cada lado de escena. Además, en cada lado dos bocinas Gauss de 60º con motores HF 4000. para los medios trío de tweeters JBL 075.Para los agudos.

MONITORES:

Mezclador de escena Midas Pro-4 A con 24 canales de entrada y 8 envíos de salida.

Dos sidefill de tres vías, con graves radiados mediante dos cajas reflex JBL 4560.en los laterales de escena para cubrir en estéreo la parte delantera.

Los medios, una Martin MH 212 y para agudos, una lente JBL de amplia dispersión.

Las cuñas, en número de ocho o nueve, dispuestas por parejas. Unas eran de dos vías (con cruce pasivo) con dos altavoces de 12 pulgadas y una lente de láminas pequeñas JBL. Las otras eran de forma prismática o paralelipédica con 15 pulgadas y para los agudos una lente de distribución circular JBL.

La batería poseía, detrás del intérprete, un monitor de dos vías con dos cajas de graves con dos 15 pulgadas en recinto cerrado por caja y dos bocinas JBL de 500 Hz. De corte y dispersión horizontal de 60º.

AMPLIFICACION DE ESCENA:

[Hermanos de Castro]: cuatro Marshall a su espalda con amplificadores MK2, de 100 watts y dos cajas de la misma marca por cada amplificador, todo montado en “flyght cases” de aluminio a medida.

[Sherpa]: amplificador Peavey Musician, de 200W. Con altavoces Black Widow de 18 pulgadas y otro amplificador Peavey MK-35, de 300 watts con cuatro altavoces de 15 pulgadas Black Widow cargando a 2 ohms. Utiliza conexión directa a la mesa.

[Hermes]: Ludwig con parches Remo y platos Paiste 2002.

La decisión tomada fue quizá un arma de doble filo. Por un lado, viéndolo en positivo, estaba la calidad de los equipos, que quedan reseñados en cuadro aparte, y cuyo potencial era indiscutible para la época. Pero (y siempre hay un pero) el problema radicó en los técnicos que sonorizaban los shows, que desde luego eran un personal absolutamente competente, pero eran franceses o ingleses, lo que, a la hora de entenderse fue un problema, pero a la hora de sonorizar la voz, fue un problema mayor, debido a que en varias ocasiones, lo que para ellos era un fraseado correcto de Sherpa o de Carlos, estaba a años luz de serlo en realidad, sencillamente porque entendían lo mismo con buen sonido, que con malo, es decir, nada.

 

  

A falta del listado de fechas de la gira de promoción de ‘Volumen Brutal’, los detalles de cada show y demás información, que se ha perdido en el mar del tiempo, los propios músicos se encargaban de resumir someramente aquellos conciertos que tuvieron lugar entre Marzo, que fue cuando empezó la gira, y Agosto, que fue cuando actuaron en el festival de Reading. Ángel Casas les hacía una entrevista e su programa de televisión “Musical Express” .  He intentado trascribirla lo mejor posible, el sonido no es perfecto y pido disculpas por los posibles fallos.

A.C. Nos hemos pasado esta merienda hablando de Inglaterra, pero vamos a hablar de España. Una vez terminado este trabajo de mes y medio ¿Qué es lo que pensáis hacer aquí? ¿Estáis de gira, estáis parados, grabando….?

C.d.C.: Realmente estamos a punto de acabar la gira esta de verano y después vamos a empezar la otra con HAWKWIND, así que creo que vamos a acabar lo suficientemente cansados como para tomarnos unas vacaciones…

Sherpa: como los toreros más o menos ¿no? Acabamos una gira, cruzamos el charco y seguimos con la otra.

 

A.C.: Pero en España vais a estar un tiempo sin tocar, supongo…

C.d.C.: Pues…nos gustaría, lo que no sé, es si vamos a poder.

 

  

A.C.: ¿Cómo ha ido esta gira de verano por España?

C.d.C.: Pues ha ido bien, muy cansada, ya sabes que en España las giras no se montan en condiciones… no hay mucha experiencia en ese tipo de trabajo la verdad, entonces tienen un problema y es que muchas veces tocas a unas distancias increíbles, tienes que viajar 500 o 600 kilómetros y eso realmente es muy cansado.

 

  

A.C.: ¿Y la gente? ¿El publico?

C.d.C.: Bueno, ¡que puedo decir! el público de España es maravilloso.

Sherpa: ¡El mejor del mundo! (risas).

A.d.C.: Es el típico público que si tu le das él responde.

Serpa: El problema que tiene el tocar en España es que a veces a lo mejor se te rompe un escenario y te caes dentro como nos pasó hace poco, que casi me rompo las piernas y en fin….

 

  

A.C.: Ese es un problema de infraestructura típico de los festivales aquí, que se preparan mal…es un gran problema

Hermes: Sí, en realidad la infraestructura no va de acuerdo a lo que han progresado los grupos y el público. La infraestructura sigue siendo la misma de hace años y esa es una cosa que ha que tratar de superar, aunque dándole mensajes a los empresarios a veces se consigue poco, muchas veces no sabes que hacer realmente…

C.d.C.: Bueno, a mi me gustaría romper una lanza en favor de la gente que organiza conciertos en España, porque organizar un concierto aquí muchas veces es algo realmente difícil, porque existe una carencia de medios que hay que tener en cuenta ¿no? Entonces yo creo que lo importante es que se hagan festivales, que la gente acuda y que se de a conocer lo que hay aquí…

Como vemos, afortunadamente, 25 años después las cosas han cambiado a mejor y, a pesar de que aun quedan muchas cosas por corregir, los festivales en España y las giras de las bandas no tienen nada que envidiar a los que se hacen en otros países. Como podemos comprobar, la gira de 1982 de BARON ROJO no tuvo un principio y un final demasiado claro, ya que las actuaciones se sucedían lo largo de los mases sin casi descansos, de España a Gran Bretaña, para después regresar aquí… una verdadero record con momentos únicos en la historia. Uno de ellos, como no, la actuación en Reading.

[LIVE AT READING' 82]

Si algo destacan todos los miembros del grupo es el peso de la responsabilidad que suponía actuar en un festival como ese. Una situación sumamente estresante que se vio agravada por problemas de última hora, como fue el hecho de que el conductor se perdiese de camino al festival, haciendo que el grupo llegase tarde a su actuación. De hecho, ya estaban tachados de la lista y, de no haber sido por Bruce Dickinson, que insistió al showmanager para que esperase diez minutos, BARON ROJO no habría podido tocar en Reading.

Todo el stress y la tensión de aquellos momentos quedaron claramente reflejados en la actuación que quedó grabada en una bootleg muy pobre,  que sin ser, como digo, gran cosa, al menos sirve como testimonio de su actuación. La adrenalina que generaba el hecho de salir al escenario como quien sale a combatir a un ring, dio como resultado unos temas tocados a más velocidad que nunca y los temas, donde ya son buenos, ganan más puntos aun.

Desde ‘Stand up’ (‘Resistiré’), que fue la canción con la que abrieron, hasta ‘The Poor’ (‘El Pobre’) con la que terminaron la actuación, supieron dar una verdadera lección de su maestría y tablas, aun teniendo muchísimos handicaps que superar, como eran el hecho de ser una banda extranjera, cuando en aquellos tiempos el tirar latas a las bandas no británicas era una tradición, o la barrera del idioma que no fue un obstáculo en este caso.

Todas las canciones fueron cantadas en inglés y además se nota el esfuerzo y el trabajo que les habían dedicado. La mayoría del show se hizo a partir de canciones de ‘Volumen brutal’, no faltaron ‘Concert for them’, ‘Rockers go to hell’, ‘You are telling me’ donde entre Carlos y Sherpa hacen una variación a dos voces en el último estribillo increíblemente buena, o ‘Flowers of evil’. Aunque también el primer álbum del grupo tuvo sus ecos, con la citada ‘The Poor’ o ‘Long live rock and roll’.También dejan un pequeño espacio de tiempo para lucimiento de Hermes Calabria en el tramo final de la instrumental ‘Baron falles over England’ , aunque quien se llevó a los periodistas de calle y obtuvo sus reseñas particulares fue Armando de Castro cuyo trabajo con la guitarra calificaron como ‘sencillamente increíble’.

[LA GIRA CON HAWKWIND]

14-10- 82 Hitchin. Regal Teathre

15-10- 82 Hitchin. Regal Teathre

16-10- 82 Manchester Apollo

17-10- 82 Preston Guild

18-10- 82 Liverpool Empire

19-10- 82 Glasgow Aopllo

21-10- 82 Edinburgh Playhouse

22-10- 82 Aberdeen Capitol

23-10- 82 Newcastle City Hall

24-10- 82 Bradford St. Georges

25-10- 82 Sheffield City

26-10- 82 Nottingham Rock City

27-10- 82 Birmingham Odeon

28-10- 82 Wolverhampton Civic Hall

30-10- 82 St. Albans City Hall

31-10- 82 Bristol Colston Hall

01-11- 82 Southampton Gaumont

03-11- 82 Hanley Victoria Hall

04-11- 82 Dunstable Queensway Hall

05-11- 82 Norwich University

06-11- 82 Ipswich Gaumont

07-11- 82 Leicester De Montfort Hall

09-11- 82 Tunbridge Wells Assembly Hall

10-11- 82 Folkestone Leas Cliff Hall

11-11- 82 Guildford Civic Hall

12-11- 82 Londres Hammersmith Odeon

13-11- 82 Londres Hammersmith Odeon

14-11- 82 Oxford Apollo

15-11- 82 Chippenham Goldiggers

18-11- 82 Londres. Marquee Bar

19-11- 82 Londres. Marquee Bar

No consta que entre Agosto y Octubre de aquel año hubiese ninguna otra gira, si acaso hubo conciertos ocasionales, pero cabe suponer que aquellas semanas sirvieron para preparar nuevo material. De hecho, casi puede decirse que no hubo otro momento para escribir los temas de ‘Metalmorfosis’. Sea como fuere, en Octubre de nuevo volaron sobre Inglaterra, en una serie de fechas en solitario, amen de otras 25 abriendo para el grupo HAWKWIND.

Aquel grupo estaba presentando su álbum ‘Church of Hawkwind’ y BARON ROJO consiguieron abrir las veintisiete fechas que les llevaron por gran parte de las islas, lo que ayudó a curtir su directo en ambientes hostiles en muchas ocasiones.

El tópico del fan inglés que ve a los teloneros como meros objetivos para afinar la puntería se hizo realidad en muchos casos según recuerda un roadie de HAWKWIND: “

por aquel entonces telonear a HAWKWIND era una tarea sin futuro, por decir lo mínimo. La audiencia era tan fanática del grupo que los teloneros tenían que soportar toda clase de abusos. En ese sentido ‘el poderoso Barón’ no fue distinto que los demás, y como añadido el problema de las Islas Malvinas aun estaba fresco y muchos ingleses identificaban a España con Argentina, así que puedes hacerte una idea…”

ellos sin embargo aguantan el tipo presentando un repertorio diferente del que habían utilizado en Reading. En este tour las actuaciones se abrían con ’Come On’ (‘Barón Rojo’) y la presencia de los dos discos estaba más compensada, debido a que, a aquellas alturas, ambos álbumes podían encontrarse en el mercado británico de importación y, claro, había que promocionarlos. Solían cerrar con una versión de ‘Crossroads’ quien sabe si para dejar un sabor de boca en el público, más dulce de lo que hubiesen conseguido con ‘Stan up’ (‘Resistiré’). La gira estuvo plagada de anécdotas, unas buenas y otras no tanto. De las últimas, Sherpa relataba en su libro cómo Hermes, él y Nick, su roadie inglés tuvieron que salir huyendo de un pub en Newcastle, con su vida amenazada, pero en fin, eso fue un pequeño bache en medio de logros como fue el hecho de conseguir que “Stand up” (la versión inglesa de “Resistiré“) lograse el número uno en las listas de heavy metal del Melody Maker una semana, que la Kerrang! (inglesa, naturalmente) les diese la portada , con una fotografía de Armando de Castro en acción, o que en el cierre de gira en el Hammersmith que tuvo lugar el 15 de Noviembre, apareciesen en letras grandes como ‘guest stars’, cuando lo habitual era que el grupo telonero no fuese ni siquiera mencionado.

Pocos días después, el 18 y 19 hicieron dos shows en el Marquee, acompañados en esta ocasión por el fallecido Paul Samson en las guitarras y por John Sloman (¡esta vez sí!) como cantante.

Era la despedida de las Islas Británicas, si bien se volverían a encontrar con un trocito de ellas apenas un par de semanas después. Aunque no debemos olvidar que en este intermedio hubo una visita de BARON ROJO a América, concretamente a Venezuela, a hacer un único concierto que coincide con la salida al mercado de ‘Volumen Brutal’ en Europa y Japón, de la mano de Mausoleum.

[TANQUES ARRASANDO ESPAÑA]

[GIRA NAVIDAD 1982, BARON ROJO + TANK]

07 DICIEMBRE Barcelona

08 DICIEMBRE San Sebastián

09 DICIEMBRE Valencia

12 DICIEMBRE Cartagena

14 DICIEMBRE Madrid

16 DICIEMBRE Zaragoza

18 DICIEMBRE Coruña

19 DICIEMBRE Pontevedra

25 DICIEMBRE Vitoria

26 DICIEMBRE Pamplona

Kamaflage, por su parte, y como ya dijimos, era la compañía que había editado los trabajos de BARON ROJO en Inglaterra, y tenía entre sus grupos al trío TANK, banda completamente metida en la NWoBHM, que heredaba el sonido de MOTORHEAD sin demasiado disimulo. En España se editó su álbum ‘Filth Hound of Hades’ y, de cara a la promoción se decidió preparar un tour de Navidad con BARON ROJO y ellos, si bien se habían barajado dos posibilidades más, que a mi juicio hubiesen sido más acordes con el sonido del grupo de los de Castro, que eran DIAMOND HEAD o TYGERS OF PANG TANG.

  

Finalmente, el primer show se celebró en San Sebastián el DIA 8 de diciembre de 1982, y fue, a decir de los comentarios de la época, un triunfo clamoroso. Con el recinto lleno hasta la bandera (algo que se repitió en la práctica totalidad de la Gira de Navidad, cuya mayoría de shows fueron sold out) BARON ROJO y TANK supieron que aquellos shows serían una experiencia irrepetible, que se tuvo momentos míticos como el día 19 en Pontevedra con todos los músicos de ambas bandas tocando ‘Highway to hell’.

Pamplona fue el lugar donde terminó la gira, el 26 de Diciembre de 1982, y a punto ya de acabar un año lleno de grandes momentos que compensaban con creces el agotador trabajo que suponía la vida en la carretera…Marquee, Reading, giras sold out… la realidad dejaba la puerta abierta a grandes proyectos…fue sin duda el año del hard rock español. Fue sin duda, el año de BARON ROJO.

D O S S I E R    B A R O N    R O J O

Como complemento al artículo he incluido un dossier compuesto por 42 páginas de entrevistas, artículos y reseñas que como de costumbre pertenecen a la época en la que está centrada el artículo. En este caso son apariciones en la prensa musical entre 1981 y 1982. El contenido esta desglosado un poquito más abajo.

PARA CONSEGUIRLO

Como ocurre con el resto de dossiers, para conseguirlo debes escribir un comentario al respecto de la banda, la influencia que en tu opinión ha tenido, Como viviste (si lo viviste) la edición de aquellos trabajos, o si los has visto en algún show de la reunión qué te ha parcido… no se, lo que se te ocurra. ES MUY IMPORTANTE que en un privado o cmo sea me envies tu coreo para poder mandarle la dirección y contraseña para el dossier.

CONTENIDO DEL DOSSIER

POPULAR1 Nº94, Abril de 1981. Nota informativa presentando a la banda. 1 página.
POPULAR1 Nº97, Junio de 1981. Entrevista presentación “Larga vida al r’n'r”. 2 páginas.
POPULAR1 Nº99, Sept.1981. Artículo “Historias del rock duro Ibérico” con BARON ROJO, LEÑO y OBUS 2 Páginas
POPULAR1 nº101, Noviembre de 1981. Reseña festival en Andalucía con STROM, BARON ROJO, MEDINA AZAHARA y PATA NEGRA.Incluye entrevista a BARON ROJO. 6 Páginas.
POPULAR1 Nº103, Enero 1982. Artículo entrevista de los conciertos y grabación de “Volumen Brutal” en Londres . 4 páginas.
ROCK ESPEZIAL. Entrevista descargada en internet. No se la fecha ni el número de la revista. 3 páginas. Baja resolución, pero sepuede leer.
POPULAR1 Nº113 Noviembre 1982. Entrevista show Reading. 2 páginas.
POPULAR1 ESPECIAL READING 1982. Reseña del día 27, en el que actuaron BARON ROJO. 7 páginas.
POPULAR1-ESPA34-HARD ROCK ESPAÑOL. Artículo-entrevista sobre BARON ROJO, dentro de un especial de rock duro español. 7 páginas
POSTER nº13. Bio-poster dedicado al grupo. 8 páginas.

RETRO-ROCK

TED NUGENT… just what the doctor ordered.

Figura polémica donde las haya, pasa por ser una de esas personas a las que el mundo se les queda pequeño. Ha puesto los pies en muchos charcos y en todos ha alcanzado notoriedad. En el mundo de la caza es una destacadísima figura, organizando campamentos y safaris, con un programa de televisión especializado, varios libros, una línea de ropa y artilugios y un club de caza con delegaciones en gran parte del mundo. Como político y comunicador, que duda cabe que destaca como un trozo de mierda en medio de la nieve, merced a sus declaraciones, su destacada militancia en el N.R.A., su homofobia y sus viscerales diatribas anti-inmigración. Tristemente, en los últimos tiempos es bastante más (im)popular por todo esto que por su trabajo como músico, pero bueno, quien tenga prejuicios hacia Tio Ted por no comulgar con sus ideas puede tirar sus discos a la basura ( y de paso los de TWISTED SISTER, ALICE COOPER, ZZTOP, KISS o METALLICA entre otros) .

 

 Aquí, a quien intentaremos ‘visitar’ es al genuino rock’n'roller. Agresivo y salvaje como nadie en el negocio, tocado por los dioses como guitarrista y un don especial para escribir canciones, especialmente en la época que vamos a revisar, la de los setenta. No quiere esto decir que vayamos a partir de esos años, ya que las cosas empiezan un poco más atrás, concretamente diez años antes, en 1960…  

Este año, nuestro demente favorito funda con doce añitos el clásico grupo de colegio llamado THE ROYAL HIGH BOYS, con el detalle de que a esas alturas ya llevaba cuatro años tocando la guitarra, lo que viene a demostrar que la pasión de este hombre por el rock es más que añeja. Poco después de abandonar a aquella pandilla de imberbes llega la primera oportunidad un poco seria con THE LOURDS, que a mediados de los sesenta llegaron a telonear a SUPREMES en el Cabo Hall de Detrot, la ciudad que le vió nacer un 13 de Diciembre. Esa banda basaba su repertorio en versiones de grupos de moda como STONES o KINKS, algo que no terminaba de llenar a Tedy, el cual aprovecha el traslado con su familia a Chicago en el 65 para formar THE AMBOY DUKES, nombre que daba título a una novela sobre pandillas y que él ‘robó’ a una banda de Detroit que acababa de separarse.

 

Realmente tenía poco más que eso, el nombre, y no fue hasta pasados un par de años que consiguió una formación más o menos estable, con John Drake (compañero de Nuge en THE LOURDS) a la voz, el bajista Bill White, el teclista Rick Lober, Steve Farmer como guitarra rítmica y Dave Palmer como batería. Con esa formación consiguieron ponerse en boca de todo el mundo dejando Detroit patas arriba, lo que inevitablemente derivó en una oferta para un primer álbum. El grupo firma por Mainstream rcs. y en 1967 publican “The Amboy Dukes“, un primer paso en su carrera donde se mezclan psicodelia y rock ácido con brit pop.

En el disco incluyen hasta cuatro versiones, entre ellas una de CREAM otra de PETE TOWSEND y otra que con el tiempo, casi hizo suya, ‘Baby please, dont go’. Los temas propios quedaron un tanto diluidos por una desfortunada producción, cuyo responsable fue Bob Shad, un especialista en Jazz que no parecía muy preparado para aquellos sonidos, y que contra todo pronóstico no solo repitió en el segundo disco, si no que incluso dotó a la guitarra de Ted de un sonido que sentó cátedra. Con todo, lo que sí quedaba clara era la enorme creatividad del duo Nugent-Farmer, creadores del 90 % del repertorio. Para su segundo trabajo decidieron escribir por separado (quizá una cuestión de egos) ocupándose Nuge de la cara A y Farmer de la B, amén de firmar un par de temas a medias, aunque en “Journey to the center of the mind” es ya Ted quien se lleva el gato al agua por completo, pertrechado tras su clásica Gibson Byrdland blanca, el mismo modelo que usa a día de hoy. Comienzan las deserciones y tanto White como Lober abandonan en favor de Greg Arama (fallecido de un accidente de moto en el 79) y Andy Johnson, bajista y teclista respectivamente. Un año después publican “Migration“, con el que trataron de recrear sin conseguirlo, el éxito de su predecesor, aunque sí les sirvió para liderar una escena emergente compuesta por bandas que luego serían clásicas como MC5 o THE STOOGES. Eran los tiempos de rock de alto octanaje y pocas bromas. Esto era satisfactorio a nivel moral pero no evitó por otra parte, las continuas deserciones en el seno de la banda que dejaron a Nuge como único miembro estable, que a partir de ahí decidió dejarse de historias y seguir bajo el nombre de TED NUGENT AND THE AMBOY DUKES.

Este período comienza con el álbum de 1970 ‘Marriage on the rocks’ que cuenta nada menos que con el mítico productor Eddie Krammer, quien por entonces no era tan mítico, pero sí fue un lujo que revirtió en una notable mejoría del sonido de la banda, a pesar de seguir siendo incapaces de recrear los buenos viejos tiempos de ‘Journey to the center…‘. Es entonces cuando tratan de remediar la situación con un álbum en directo, aunque como hiciera también diez años después en su disco ‘Intensities in ten cities’, tuvo la osadía de incluir el repertorio totalmente inédito, el universo Nuge es así. Las noches del 31 de Julio y 1 de Agosto de 1971 que transcurrieron en el Eastwne Theatre de Detroit quedaron inmortalizadas bajo el nombre de ‘Survival of the fittest’. Tardaremos tres años en volver a tener noticias de él pero no puede decirse que durante los mismos haya estado perdiendo el tiempo. Cambia la formación por completo, manteniendo únicamente al fiel bajista Rob Grange que se ocupa de la sección rítmica junto al batería Vic Mastriani, el batería. Andy Jezowski a la voz y un teclista llamado Gabriel Magno, que también toca la flauta, completan la formación. En 1974 cambian finalmente de compañía discográfica, y firman por el sello de FRANK ZAPPA Discreet rcs. con el que publican , ‘Call of the wild’ y una vez sustituido el teclista por un segundo guitarra que responde al estrafalario nombre de Rev Atrocious Theoedious, se edita en el mismo año ‘Tooth, Fang and Claw“, ambos producidos por Nugent y Lew Futterman, que también acompañará posteriormente a Ted. Un detalle por el que muchos consideran ‘Tooth, Fang & Claw’ el primer disco en solitario de Ted Nugent es el de que todas las canciones van firmadas en solitario por él, a excepción de la versión que hace del ‘Maybeline’ de CHUCK BERRY. Otro es el hecho de que una vez más cambian el nombre pasando a llamarse para ese álbum TED NUGENT’S AMBOY DUKES, un pequeño matiz que dice mucho de adonde se van dirigiendo las cosas.

 

Transcurre la gira del disco y uno de los shows se celebra en el Lincoln Park Theatre de Detroit, donde abre para ellos un banda desconocida llamada SCOTT. No hay mucha diferencia con otras tantas bandas, pero el frontman brilla con luz propia sobre el resto. Se tarta de un joven procedente de la cercana ciudad de Riverview, donde ha crecido influido por la tradición blues que su madre, cantante gospel, le inculca, pero que no escapa al influjo de los grupos británicos de moda. Su nombre es Derek St. Holmes y lleva tocando desde los doce años, además de tener una gran voz, que era lo que Nugent necesitaba para su grupo. El manager de Nugent propone a Holmes varias audiciones, todas ellas sin resultado positivo, lo que le hace perder la esperanza y plantearse emigra a la Costa Este en busca de fortuna, pero en una última prueba le ofrecen ya el contrato.

Abandonan Discreet, ya que Epic les ofrece mejores condiciones y cambian a Mastrianai por el batería Cliff Davies procedente de los británicos IF para grabar el disco de debut ‘Ted Nugent’ en 1975. Registran un disco áspero y enérgico que contiene algunos de los mejores momentos del grupo presentes en cuantos directos y recopilatorios existen, y que incluso el propio Ted admite como su favorito. ‘Just what the doctor ordered’, ‘Motorcity Madhouse’, ‘Stormtroopin’ o ‘Hey Baby’ son algunas de las joyas del tesoro que presentan en directo junto a algunos viejos hits de los Dukes.
 De ese asunto por cierto, se encargan los todo poderosos ‘Derek & Krebbs’ la agencia de managent con la que consiguen firmar, y que lleva también a monstruos como AEROSMITH, SCORPIONS o AC/DC y que les llegan a firmar trescientos conciertos en un año.

‘Portada del reportaje que la revista española VIBRACIONES dedicó al Gonzo, en 1980′

Parece que las cosas no pueden irles mejor, aunque la realidad es bien distinta. Se dejó tomar parte demasiado a productores, directivos y gente de oficina que desplazan totalmente a la banda centrando la atención en el ya de por si egomaníaco Ted, que se convierte en un absoluto imbécil, llegando a prohibir al resto del grupo responder a cualquier entrevista o incluso posar en la fotos!. Los managers por su parte pincha y cortan a su antojo, como demuestra el hecho de que cuando grabaron el tema de Derek, ‘Hey baby’, le dijeron que no la incluirían en el álbum. Inician el tour sin el disco en las tiendas y en plena gira sale su canción como single, pero si que él (Holmes) tuviera ningún derecho sobre la canción. Puñaladas así, unidas a lo inhumano del tour, terminaron calentando las cosas hasta la explosión.

La gota colmó el vaso una vez terminada la gira que hicieron junto a BAD COMPANY, cuando llegaron al estudio con los tema escritos y preparados para grabar. La política de trabajo seguía siendo la misma, y también el personal de producción y, por lo tanto, su actitud respecto al grupo y su sonido. Lew Letterman y Tom Werman presionan para que las canciones tengan un sonido más popero y asequible a las radio fórmulas y piden a Derek St. Holmes que haga lo que sea para que su voz suene dulce y comercial, a lo que el se niega rotundamente, obteniendo el despido por respuesta.

Un nuevo problema se añadió a la carrera del Gonzo, que necesitaba encontrar un sustituto para Derek lo antes posible, ya que tenían que presentar la preproducción a Epic, para que les diesen el visto bueno y poner al álbum a la venta, y encontró la solución en un dúo llamado STONEY AND MEAT LOAF que habían editado un único álbum en 1971, en el que interpretaban varios clásicos de rithm’n blues, que no eran nada especial, pero llamaron la atención de Ted impresionado con la cristalina voz de la parte masculina del duo, Meat loaf.
 

Creyó que él cubriría tanto sus expectativas como las de los productores, y así fue por lo que grabó seis de las nueve canciones del disco que presentaron a Epic. La sorpresa fue que, contra todo pronóstico, Epic rechazó las cintas por considerar que el sonido del disco se alejaba mucho del primer álbum y ello podría afectar a las ventas, todo lo contrario de lo que opinaban los productores, y obligó a contratar de nuevo a Holmes que regrabó parte del trabajo que había hecho Meat Loaf de cuyos servicios prescindieron. Aun con toda la mezcla de cantantes el álbum terminó alzándose al puesto 24 del Billboard y se convirtió en el primer disco de platino del grupo, algo totalmente merecido ya que ese álbum contiene también varios de los grandes momentos de Nugent, como ‘Dog eat dog’, ‘Free for all’ o ‘Turn it up’ (magistralmente versioneada por BARON ROJO en su ‘Perversiones). El éxito del álbum fue más allá de las fronteras americanas ya que durante su tour europeo, aparte de grabar un programa para la WD alemana, el mítico ‘Rockpalast’ formaron parte del Festival de Reading en 1976, al lado de figuras como RORY GALLAGHER o unos desconocidos AC/DC que venían empujando muy fuerte.

‘Free for all’ fue un álbum de mucho éxito que les dio base para continuar con las giras demenciales, pero aún faltaba esa chispa que terminase de prender fuego a la hoguera. Faltaba su ‘Rock and rol all nite’ o su ‘The boys are back in town’ particular, ese hit single que colapsase las emisoras de radio manteniendo la esencia del grupo intacta. Con ese objetivo escribieron ‘Cat scratch fever’, la canción que sirvió para dar título a un álbum que empezaron a grabar en Atlanta y lo terminaron en Londres debido, como ya dijimos, a la cantidad de conciertos programados que no les permitían ni un respiro. Un éxito rotundo que les aupó al puesto 17 y con el que noche sí y noche también colgaban el cartel de ‘Sold out’ en las taquillas de los recintos donde actuaban. Fue el momento más brillante de la banda y decidieron plasmar toda la fuerza que salía de sus shows en un doble disco en directo tal y como era norma en la época. Pero no todo eran alegrías ni mucho menos. El fantasma de los enfrentamientos y la tensión había vuelto con más fuerza que nunca y el choque de personalidades iba en aumento día a día. Fue al finalizar un show en New Jersey, (cuando la gira de ‘C.S.F.’ aún no había terminado pero las canciones para el clásico en directo ‘Double live Gonzo’ ya habían sido elegidas), que los acontecimientos se desbordaron y el duo Holmes-Nugent terminó a ostia limpia.

Ted aprovechaba el poco tiempo libre para dedicarse a la caza, mientras que el resto del grupo ensaya los shows, pero en el de New Jersey, Ted tuvo una mala noche y al terminar el concierto acudió a los camerinos donde estaba el resto grupo con unas veinte personas de la prensa y la compañía de discos, road managers y demás. Nugent, delante de todo el mundo comenzó a gritarle al bajista, reprochándole todo tipo de fallos, para, a continuación intentar hacer lo mismo con Derek St. Holmes. Pero este, que asistía atónito a la bronca que Nugent estaba montando se enzarza en una pelea con él que los presentes ven, sin poder creerlo (intentad imaginar la situación).

 

Naturalmente todo se acabó esa noche, aunque en un gesto de profesionalidad y porque no, de honestidad, Holmes le pide disculpas a Nugent y deciden terminar el tour antes de separar sus caminos. Finalmente, el 18 de Marzo de 1978 es el último día en un montón de años que Holmes y Nugent actúan juntos. Una monumental despedida que tuvo lugar en el “Ontario Motor Speedway”, California, durante el festival California Jam 2 donde actuaban junto a mitos americanos de la talla de HEART , AEROSMITH, SANTANA o FRANK MARINO. ‘Cat scratch fever’ cerró pues, una etapa en la carrera de Ted Nugent dejando para la posteridad un buen puñado de temas de hard rock visceral como ‘Out of control’, ‘Live it up’ o el tema estrella que ya mencionamos (del que han hecho versiones bandas como PANTERA o MOTORHEAD), aparte de un histórico doble en directo resultado de una tormentosa gira. Por su parte, Derek St. Holmes, junto a Rob Grange, que también se va del grupo después de tantos años junto al Nuge, funda ST.PARADISE con Denny Carmassi (anteriormente con HEART y WHITESNAKE) en la batería y John Corey ( EAGLES, ROD STEWART) en la guitarra rítmica.

 ’un trocito de los despachos de Metal80 (ja!), donde tengo el ordenador, vaya… el poster es inmenso y muy feo, pero es Uncle Ted!’

Nos acercamos paso a paso al final de la década, y es el momento de hacer cambios en el grupo. Se podría suponer que iba a haber una nueva orientación en el estilo de la banda, ya que hablamos de una carrera en alza con todos sus discos y un remate final con el directo, y además no va ha haber ningún tipo de oposición, ya que el miembro en discordia no está presente ya, pero en el siguiente disco siguen la trayectoria habitual de hard rock and roll, repitiendo los esquemas sin arriesgar nada. Incluso el nuevo cantante, un desconocido Charlie Hunn que venía de bandas de bar, tenía un registro idéntico al de Holmes.

“Weekend Warriors” es editado en 1978 y aunque está lejos de ser un mal disco, no tiene tampoco nada que le haga especial. No hay realmente un single potencial, ni ningún momento mágico, sino una continuación de lo que hasta entonces habían hecho. Temas rápidos en la linea ‘Turn it up’ como ‘I got the feelin’ o ‘Weekend warrios’ u otros más bluesy como ‘One Woman’, pero repito, nada especial a pesar de los cambios de personal, el citado Hunn y el nuevo bajista David Hull, que tomaba el puesto de Rob Grange.

‘Merchandising de Ted Nugent. Obsérvese la navaja suiza e imagínense sus posibilidades. La camiseta de mangas negras mola de la ostia…’

Con la misma formación editan, un año más tarde el último álbum en estudio de los setenta, que sí contiene, varios grandes momentos al viejo estilo Nugent como “It Doesn’t Matter,” ” Snake Charmer,” o “Bite Down Hard” aparte de un tema que aun hoy tiene su espacio en los repertorios de Nugent, el single ‘Paralized’.

Esa canción abre ‘State of shock’, su álbum de 1979, que es posiblemente el último gran disco, antes de que en la década de los 80 bajara el listón peligrosamente, y de cuya gira europea saldría publicada en directo años mas tarde, su actuación en el Hammersmith, bajo el título ‘Live at Hammersmith 79’, un magnífico resumen que personalmente prefiero al ‘Double live Gonzo’ por muy histórico que este sea.

 

Bien, esta es a grandes rasgos la historia de un hombre entregado al ‘rock and roll life style’ de una manera muy sui generis, con la que no demasiadas personas coinciden, pero que ha dejado para la historia muy buenos momentos de rock en crudo.
 

Miguel. Asturias

DOSSIER DE TED NUGENT

Como complemento a este artículo he preparado una pequeña carpeta con material ‘vintage’ de Ted. Se trata de una pequeña colección de artículos y entrevistas recopiladas de publicaciones antiguas (menos una, que es relativamente reciente). La relación del contenido la tenéis un poco más abajo.

PARA CONSEGUIR EL DOSSIER.

1) Escribe un comentario en el blog sobre Tio Ted. Si le odias dilo, si le amas también (el porqué en cualquier caso se agradecería). En fin, cual es tu disco favorito, si lo has visto en gira etc, etc… lo que se te ocurra.

2) IMPORTANTE. La clave para descargar el dossier y la contraseña correspondiente te llegará via email, así que necesito una dirección de correo. Puedes enviármela a mag@telecable.es o miangarri@gmail.com (la dirección de correo, no el comentario)

CONTENIDO DEL DOSSIER:

Treinta y ocho páginas 26 Megas, alojado en Megaupload

-Entrevista en HEAVY ROCK Nº4, tres páginas.

-Articulo dedicado a TED en la serie EL RUGIDO AMERICANO del Popu. 8 páginas. POPULAR1 111, Sept. 1982
-Artículo dedicado a TED en la serie VIBS de la revista VIBRACIONES. 7 Páginas. VIBRACIONES nº 75. Dic. 1980
-Entrevista en HEAVY ROCK nº11, tres páginas
-Entrevista en HEAVY ROCK nº27, dos páginas.
-Reportaje en THIS IS ROCK nº 33. Seis páginas. Bueno, es este reportaje que acabas de leer que me publicaron en esa revista.
-POSTER Popular1,’Ted Nugent, el monstruo de Detroit’. Fascimil de ocho páginas con su biorafía (1983)

CRONOLOGIA

IRON MAIDEN: “Piece of mind”

1. Where Eagles Dare (Harris) – 6:11 2. Revelations (Dickinson) – 6:48 3. Flight of Icarus (Dickinson/Smith) – 3:51 4. Die With Your Boots On (Dickinson/Harris/Smith) – 5:29 5. The Trooper (Harris) – 4:11 6. Still Life (Harris/Murray) – 4:53 7. Quest for Fire (Harris) – 3:42 8. Sun and Steel (Dickinson/Smith) – 3:26 9. To Tame a Land (Harris) – 7:27

Bruce Dickinson – Voz   Adrian Smith – Guitarra  Martin Birch – Productor, mezclas,Ingeniero   Steve Harris – Bajo   Nicko McBrain – Bateria    Dave Murray – Guitarra

Hay discos que por alguna razón que desconozco, están ligados a una época hasta el punto de transportarte a ella con tan solo escucharlos. Personalmente me ocurre con “Back in black” de AC/DC o el “Black Album” de METALLICA. Escuchar cualquiera de los dos es como hacer un viaje a los días en que los descubrí, quizá por una asociación de recuerdos o quizá por un deseo inconsciente de volver a aquellos tiempos. Bien, pues exactamente lo mismo me ocurre con el que comentamos ahora, “Piece of mind“. Hay algo en este álbum que es puro 80′s. Sí, ya se, está grabado en los ochenta y eso ayuda, pero también lo están “Reing in blood” o “Blow up your video” y la asociación disco-época no es la misma.

Creo que en realidad todo responde a que ‘Piece of mind’ (que originalmente iba a llamarse ‘Food for tough’) sintetiza entre sus surcos lo mejor que tuvo el heavy metal europeo de la década. A saber, tiene una técnica apabullante, casi inhumana, combinada con una fuerza de la que no gozaba ninguno de los anteriores discos del grupo y mucho menos ninguno de los que grabaron después.

Hay que tener en cuenta también que sus canciones estaban escritas en base a una estructura compleja, pero al mismo tiempo dinámica, es decir, IRON MAIDEN no eran precisamente un grupo simple, y en este álbum estructuraron las canciones dando a cada una incontables partes, riffs, arreglos… que al mismo tiempo hacían que esos temas transcurrieran de principio a fin sin aburrir. Por poner una comparación (odiosa, lo reconozco) METALLICA trataron de hacer lo mismo en “… And Justice for all” pero lo único que consiguieron fue hacer un ‘cut and paste’ en el que se repetían partes dentro de cada canción una y otra vez sin ningún sentido, escribiendo algunos temas verdaderamente aburridos. Bien, eso no ocurre, al menos en mi opinión, con “Piece o Mind”.

Otro punto a tener en cuenta es que la banda en sí misma presentaba un aspecto como el que todos queríamos tener. Lejos del look futurista que lucieron en la época de ‘Somewhere in time” y “Seventh

son” las fotos de ‘Piece of mind’ son el reflejo deun grupo que sabe que está subiendo y que no tardará en alcanzar la cumbre, pero que aun se siente cómodo con su chupa y sus vaqueros. Ya sabes: “…Denim and Leather Brought us all together”. Incluso la portada, siendo tan infantil como todas las demás, era ni más ni menos lo que el grupo necesitaba para transmitir de un modo preciso lo que te ibas a encontrar en el disco.De cualquier forma, y aunque esto sea una paranoia personal, y no le suceda a nadie más sobre este mundo, seguro que en lo que si coincidimos la mayoría es que estamos ante el vértice del medio de la trilogía sagrada de IRON MAIDEN, cuyos otros dos lados serían “The number of the Beast” y “Powerslave” naturalmente. El cambio respecto al anterior trabajo “The number of the Beast” es notable. En primer lugar, a estas alturas la banda ya es grande y no deja ningún sitio a la improvisación. Todo esta milimétricamente medido y elaborado, y aunque siguieron con un esquema muy parecido al de su anterior trabajo, en este la producción esta cuidada hasta en el mínimo detalle. Solo has de escuchar temas como “Where eagles dare” cuya parte central consigue crear un ambiente que te transporta las montañas de las que habla la canción. Martin Bich es un punto muy importante a tener en cuenta y consiguió un ambiente barroco idéntico a la época de RAINBOW con Dio o incluso a la de los BLACK SABBATH de “Heaven and hell“. Otro cambio respecto a anteriores trabajos es la mayor aportación de toda la banda en labores de composición. Si antes era S.Harris quien más ponía de su parte, ahora ese aspecto está más equilibrado y todo el mundo pone su grano de arena.

En cuanto a los textos, la apuesta de Bruce Dickinson toma cuerpo de un modo casi avasallador, centrado la temática del disco en temas religiosos (“Revelations“), míticos (“Flight of Icarus” basado en Icaro, el personaje mitológico que quiso volar tan alto como Dios) e histórico-bélicos (“The trooper” que habla sobre la Batalla de Crimea entre rusos e ingleses de 1854) casi al completo. Los temas callejeros (“Gangland“, “Running Free”…) han quedado relegados a la segunda fila, y si tenemos en cuenta la influencia que esa temática (la histórico – épica) ha tenido en incontables bandas que aparecieron posteriormente, parece ser que no se equivocaron al dar ese paso.

También hay cambios de personal. Clive Burr miembro original, ‘cede’ su puesto en la batería a Nicko MacBrian, procedente de la banda de Pat Travers. Sobre este cambio hubo cierta polémica en su día, ya que fue solventado con la clásica excusa de las ‘diferencias musicales’, pero el tiempo y las declaraciones de los propios protagonistas han venido a confirmar las sospechas de que en realidad, los motivos fueron exactamente los mismos que terminaron con el cese de Paul Dianno. En fin, parece que el abuso de alcohol y otras sustancias tuvieron bastante que ver en el cese de Clive, quien fue echado de menos por muchos fans, pese a la buena acogida que Nicko tuvo desde el primer día.  Sin embargo, el propio Bruce Dickinson contaba “…todavía creo que (Clive) fue el mejor batería que la banda tuvo. Esto no quiere decir que tenga nada en contra de Nicko. Técnicamente, él es un batería muy por encima de Clive. Es solo que Clive tenía un feeling increíble, y eso solo viene de nacimiento”. Sobre gustos no hay disputas, pero en cualquier caso la aportación de Nicko no merece reproche alguno y pronto se convirtió en marca de la casa junto a las cabalgadas de Harris o los duelos de A.Smith y D. Murray, que por cierto, en esta ocasión son más cortos y efectivos que en otros álbumes.

Steve Harris: “América no es el lugar más fácil donde resistir las tentaciones, especialmente si estás en una banda de rock duro y tus discos están en las listas” comenta refiriéndose al tour de “The number of the beast” en el que la mayoría de los shows los hicieron abriendo para otras bandas ”…en más de una ocasión Clive pasó la mayor parte del show vomitando en un cubo al lado de su batería. Yo pensé ‘Bueno, si estamos teniendo problemas con sets de cuarenta y cinco minutos, ¿Qué ocurrirá cuando los hagamos de dos horas?”

Como anécdota y de alguna manera siguiendo con el nuevo batería, cabe citar la intro de ‘Still life’. Después de grabar “The number of the beast” la banda comenzó a ser el objetivo de grupos religiosos que les acusaban de incluir mensajes subliminales en sus canciones para convertir a los jóvenes metalheadas en adoradores del maligno. En fin, el mismo rollo que han sufrido incontables bandas de hard rock a lo largo de la historia. Para dar que hablar, Nicko McBrian incluyó una intro grabada al revés que venía a decir “¿Qué dijo el monstruo de las tres cabezas? No te metas en cosas que no entiendes…”. ((“What had said the thing with three head? Don’t middle with things you don’t understood”). Dicho así y con los efectos pertinentes puede parecer una advertencia hecha por el mismísimo Lucifer, pero el caso es que no pasaba de ser una cita de un cómico inglés de los sesenta llamado John Bird, quien interpreta al dictador africano Amin Dada, quien siendo preguntado por los ministros que desaparecían en su país, decía que los había enviado a Plutón a resolver los problemas del Tierra. Sin duda era algo maligno, pero no precisamente satánico.

Fueron singles “Flight of Icarus” que alcanzo el puesto octavo y “The trooper” que se quedo en el 28, canciones que siguen formando parte del repertorio en directo de la banda veinte años después. Me gustaría reseñar que “Where eagles dare“, “Die with your boots on” y “Revelations”, nada menos que siete de los nueve que trae el disco (solo quedaban fuera “Quest for fire” y “Sun and steel “) estaban incluidos en el set de directo del WORL PIECE TOUR 83, ciento cincuenta y tres conciertos en Europa y Estados Unidos junto a gente como SAXON, ROCK GODDESS, FASTWAY, QUIET RIOT o M.S.G. abriendo para ellos. En España hicieron cuatro fechas y un especial en la televisión, en el programa Tocata, presentando un playback con cuatro temas y una entrevista hecha por José Antonio Abellán, el mítico comentarista deportivo que entonces presentaba aquel programa junto a Mercedes Resino. Si algo así se hacía en un país con tan escasa tradición rockera como este, es porque no cabe duda de que “Piece of mind” una obra maestra del rock duro.

He preparado un pequeño dossier  que incluye varias entrevistas que aparecieron en revistas de la época para completar la reseña de este gran disco. El dossier consta de 35 páginas (15 Megas) repartidas de la siguiente manera:

HEAVY ROCK n 002, Mayo 1983. Entrevista a Bruce Dickinson.

POPULAR1 n 119, Mayo 1983. Entrevista con la banda anunciando la aparición de ‘Piece of mind’

ENFER MAGAZINE n 002 . Reportaje biográfico de IRON MAIDEN (en francés)

ENFER MAGAZINE n 008 Diciembre 1983- Entrevista y reseña del show en París del 17-11-1983. Incluye poster (En francés)

POPULAR1 n 127, Enero 1984. Entrevista y reportaje del show en Barcelona del tour ‘Piece of mind’

HEAVY ROCK n 008, Enero 1984. Entrevista y Reportaje del show en Madrid del tour ‘Piece of mind’

Para conseguir el dossier debes dejar un comentario sobre el álbum y recibirás el enlace y contraseña al dossier.

CRONOLOGIA

TWISTED SISTER: “Under the Blade”

1. What You Don’t Know 2. Bad Boys (Of Rock & Roll) 3. Run for Your Life 4. Sin After Sin 5. Shoot ‘Em Down 6. Destroyer 7. Under the Blade 8. Tear It Loose 9. I’ll Never Grow Up Now! 10. Día de la Rocker

J.J. Francés – Guitarra
Mark Mendoza – Bajista
Eddie Ojeda – Guitarra
A.J. Pero – Batería
Dee Snider – Voz
Pete Way – Productor

“Under the Blade” Fue el premio a la constancia, la fe y el amor propio de una banda que tardó diez años en conseguirlo. No todos los debuts vienen precedidos de tanta lucha como este. La banda Se formó en diciembre del 72, Partiendo la idea de John Segal, Más conocido como Jay Jay francés, Un personaje metido en la escena glam de su Nueva York natal INCLUSO que compartió el local de ensayo con unos tipos llamados Simmons y Stanley en su época pre -KISS. J.J. contaba con un solo Miembro estable en la formación, otro guitarra llamado Eddie “Dedos“Ojeda Y, más o menos, Kevin Grace A y la batería Kenneth Harrison al bajo, pero es la voz no conseguían a nadie que durase demasiado tiempo.

Todo esto se termina una primeros del 76, entra Cuando un Formar parte del grupo Dee Snider, Quien se convertiría en cantante y líder de la banda. También propició Ciertos cambios en el sonido del grupo que pasó de estar influido por las viejas bandas glam, un basar su sonido en algo mucho más cercano al hard rock de bandas como la de ALICE COOPER Aunque, por supuesto, sin abandonar su esencia como banda reflejada en el eslogan “vestir como mujeres, hombre como hablar y tocar como hijos de puta”, Estamos ahí.

Siguen paso a paso haciendose con una buena banda de Reputación correo directo y en el 78 cambian de bajista Entrando a Formar parte de la banda nada menos que Mark “The Animal” Mendoza, Procedente de los míticos punkrockers neoyorquinosDICTATORS. Esto Término de acercarles terminantemente al hard rock, lo que dejaron registrado en los singles “Nunca voy a crecer (ahora)” Y “Chicos malos del rock and roll “, Ambos grabados en los Electric Lady Studios (habituales de KISS en lo 70′s) bajo la producción de Eddie Kramer Y en su propio sello TSR. Tuvieron que esperar otro par de años mas para que la Independiente Secret, Les diese la oportunidad.

Primero un EP con cuatro temas que se editó solo en Inglaterra, y luego, por fin, el larga duracion. Con un nuevo batería, el ex -CIUDADES A. J. Pero, Volaron a Europa a grabar “En la hoja“, Y si esta era la puesta de largo para el grupo, También lo era para el productor. Nada menos que Pete Way, Bajista de UFO, Empezó su carrera de productor con los Sizta, Y el resultado obtenido parece ser que dejó una mucha gente descontenta o indiferente, Aunque personalmente creo que no iene tanto que envidiar una “No se puede dejar de rock and roll” o “Stay Hungry“, Máxime TENIENDO EN CUENTA Que es un debut y que el presupuesto era Cualquier cosa menos holgado.

Sonido limpio y claro, el pecado Ningún artificio, con dos guitarras que EN OCASIONES (casi siempre) Una sola Parecen. Llano y simple, ni hay más, ni falta que hace. Al igual que el sonido, al colección de temas marca la pauta Durante los años que siguieron, Mientras les fue bien, Lo que se traduce en temas muy rockanroleros y festivos, pero con ese punto de chulería y mala leche que les caracterizaba. Ahí tienes “Bad Boys of r’n'r” (Recuperada), “Shoot’em Down” “Lo que no sé” (impactante forma de empezar un disco que Después repitieron o) “Nunca voy a crecer (ahora)”También que recuperaron de su etapa de eps. También dejan ver sus influencias más Metaleras, las que con el paso de los años serian las principales y que terminarían con ellos, en canciones como “Corre por tu vida” o “Under the Blade” aunque no esperes encontrar nada de la NWOBHM por aquí. En todo caso ala metal americano de la época muy TRANQUILO RIOT. Bueno, y esto es un grandes rasgos “Under the Blade”, La antesala de una carrera no muy larga pero con varios discos buenísimos de las Naciones Unidas mas ire comentando que en posteriores entregas. Los años que Tuvieron Para preparar este trabajo Dieron su fruto. Puedes estar seguro de ello.

 

Miguel. Asturias

ENTREVISTAS

  

’77:  M A X I M U N   R O C K ‘ N ‘ R O L L

Tengo una cuenta pendiente con esta banda. Gonzalo , batería del grupo respondió a una entrevista que resultó ser la última que hice para Metal80 en su versión web, pero nunca llegó a ser publicada allí. En fin, nunca es tarde si la dicha es buena y por fin podéis leer lo que contaba hacia el verano de 2009 el hombre tras los parches de una de las mejores bandas surgidas en España en veinte años.

 

METAL80: ‘77 es una cifra que evoca momentos importantes dentro de la música. Sin embargo no parece que haya mucha relación entre lo que ese numero trae a la memoria (CLASH, PISTOLS, el 100Club…) y la música que vosotros hacéis. ¿Quizá sea por que ’77 no es un término referido a música? Por favor habladnos un poco sobre ese nombre.

GONZALO77: 1977 es el año en que AC / DC editaron “Let There Be Rock”, empezaron a preparar los temas de “Power Age” y a nuestro juicio el momento de su carrera en el que su directo era perfecto. A nosotros nos apasiona esa etapa de la banda. Los videos de shows como el del Golders Green Hippodrome en Londres o el Rock Goes To College nos han vuelto locos desde siempre. Nos gustan todas sus épocas pero sin duda lo que condujo a los hermanos Valeta a montar una banda de rock es el legado de los primeros AC / DC con Bon Scott. De todos modos a nosotros el 1977 nos hace pensar más en la muerte de Elvis que en la movida punk, la explosión punk inglesa no nos interesa en absoluto, de hecho si pensamos en punk nos quedamos con Detroit y New York.

M80: Estuvisteis en Avilés grabando material hace algún tiempo. ¿Qué trae hasta Asturias a una banda catalana que, en principio tiene mucho más cerca todo lo que podría necesitar?

M80: Bueno aquí en Gijón hay una banda sixties (Dr. Explosion) que se gastó una fortuna en viajar a Inglaterra para grabar en mono con un sonido casi mohoso … ¿conoces a la banda?

G77: Pues la verdad es que me gusta mucho lo que han grabado… me recuerdan a los Sonios… nosotros apreciamos mucho el garage de los 60’s y 70’s, no sabía que habían grabado de ese modo… te confieso que tenemos ganas de poder hacer un disco en un estudio en el que todo esté igual desde hace más de 30 años… nos apasiona el tema. Es como cuando ves videos sobre Bonham en el estudio, alucinamos al ver como grababa, con poco más que par de micros, lograba un sonido bestial y único. Ahora todo es una mierda, los baterías usan 12 micros y suena todo plástico, artificial. Todas las guitarras parecen la misma, todo esta lleno de efectos y retoques… en fin, que es una autentica mierda. Ahí están los álbumes 60’s de The Beatles, The Rolling Stones, The Animals, The Doors… son todos la hostia y lo mismo pasa con discos de los 70’s como “Who’s Next” o “Power Age”. Vi el otro día a una entrevista a Robert Duvall, que hacia música y actuaba desde el instituto, y decía que en esa época no sólo se trataba de ser mejor o peor que los demás, la cuestión era ser autentico. Ser técnicamente mejor que la media no significaba nada… lo que hacia destacar a la gente era eso que no se puede medir, el carisma, la genialidad, pero incluso ser genial no bastaba a altos niveles… lo que hacia a los artistas realmente grandes era ser genuino. Esto es algo que hablamos mucho entre nosotros, nos gustan los artistas de esa época. La honestidad a nivel artístico es importante en ´77. Tenemos un sonido en plan AC/DC claro, porque así sentimos el rock, eso es lo que puedes ver en nuestros shows y escuchar en nuestro disco. Yo opino que hoy en día el éxito es poder hacer las cosas como las sientes y salir adelante con ello. Es como lo que dice Woody Allen, para él una buena película es aquella en que el resultado final es el que había imaginado, cuando logra ser fiel a su idea. Tenemos por delante caminos mucho más fáciles y rentables que este pero no nos sentiríamos una gran banda de rock nunca. Transitar por vías sencillas es lo que hace cualquiera, como los zombies de “Dawn of the Dead”, ciegos por toda la basura que nos venden. Nos encanta saber de bandas que como nosotros van en esta dirección, como los ingleses Majik o los Dr. Explosion, les felicito por el trabajo que han hecho.

M80: Debo confesar que no conocía vuestro ep, me figuro que no quedarán copias ¿me equivoco? Por favor, habladnos un poco sobre él ¿lo tomasteis como una continuación de las demos o como un trabajo de presentación formal? Parece que incluye algunos cortes que también aparecen en el álbum…

G77: Sí quedan, muy pocas y sólo se consiguen en nuestros bolos o encargándonoslas por email: seventysevenrocksonline@gmail.com. Te hablo un poco del EP. Verás la experiencia de Asturias nos ayudó a progresar en muchos sentidos, decidimos que debíamos encerrarnos en el local para perfeccionar nuestro sonido y acabar de perfilar temas, pero sobre todo teníamos que encontrar un estudio en el que poder grabar algo digno de ser presentado como muestra de lo que la banda es capaz de hacer. Nuestros colegas Star Velvet Revolution habían grabado un EP que sonaba bien y nos hablaron de The Room BCN Studios, contactamos con ellos y conocimos a Gorka Dresbaj, es una gran ingeniero de sonido y músico, guitarra de la banda Cyan. Vino a ver un ensayo y enseguida entendió cual era el concepto que nos definía, Maximum Hard Rock. A partir de ahí fue fácil trabajar con él, Gorka es un gran músico además de gran conocedor de todos los aspectos de la producción musical. Estuvimos una semana en el estudio y grabamos todo en directo. El resultado fue bastante bueno, de nuevo topamos con el problema de hacerlo en directo en una sala pequeña pero estábamos mentalizados. Teníamos claro que tienes que tener todo listo antes de grabar, el sonido no se puede retocar después, tienes que premezclar y perfilar todo antes de empezar porque una vez acabadas las sesiones no puedes modificar casi nada. Todos los micros captan el sonido de la sala, donde esta todo reventando a la vez y las frecuencias se mezclan, eso transmite una sensación de directo que nos gusta, pero tiene sus hándicaps, por ejemplo los bajos siempre salen perjudicados cuando no se pueden separar las frecuencias, eso hace todo pierda un punto de fuerza y rabia. No es posible realzar nada ni arreglar lo que no te convence, como comentaba antes, todo debe estar premezclado y sonando como quieres antes de grabar. Debes tocar a la perfección ya que las tomas se graban integras no puedes, cortar antes del puente y luego empalmarlo como se hace hoy en día. Después queda mezclar un proceso en el que básicamente acabas de moldear lo que ya es el producto definitivo. Por suerte Gorka sacó gran partido a las posibilidades que teníamos y quedó bastante bien. Si alguna banda quiere un estudio con garantías que vaya a The Room BCN, sin duda. www.myspace.com/theroombcn

M80: Para “21st Century Rock” ¿Seguisteis el mismo proceso? En mi opinión el trabajo de Gorka D. está muy conseguido, trasmite mucha agresividad sin apenas distorsión… es limpia e intensa… Habladnos un poco sobre la grabación por favor.

G77: El primer punto fue encontrar un ingeniero de sonido, esta claro que de nuevo trabajamos con Gorka porque es el puto amo! En serio, en el estudio es un miembro más… yo como batería me siento muy cómodo con él porque es la primera persona que conozco que entiende como me gusta tocar y me dice ‘ok! Vamos a hacer que suene todo como es debido’ cuando lo normal es que el ingeniero de sonido te dé lecciones de estilo y técnica como si fueras tonto o en el peor de los casos que te pida que toques más flojo. Sonorizar la batería con él es muy sencillo, es como si te leyera el pensamiento porque antes de que le digas algo ya se le ha ocurrido a él, antes de que surja un problema ya esta tratando de resolverlo, es muy profesional y conoce su trabajo… así es muy fácil, sólo te preocupa tocar. Además en el estudio LG y Armand están muy pendientes de todo, ambos son grandes músicos, multiinstrumentistas y compositores… yo aprendí a tocar con ellos, me ayudaron a perfilar mi forma de marcar el ritmo, bueno entre ellos y Phil Rudd claro! para mi tocar en ’77 es lo mismo que ser el batería de la banda de mis sueños, además me dan toda la libertad y confianza que necesito.
Otro tema importante fue como grabar, repetir en directo era muy caro, debido a los problemas antes apuntados necesitaríamos un estudio con una sala muy grande y mucho tiempo para sonorizar y premezclar ya que un disco bien acabado, a la altura de nuestras expectativas lo requería. La otra opción era grabar por separado… esto no nos convencía, pero hablamos con Gorka, grabamos unas demos en directo y tanteamos ambas posibilidades. Finalmente decidimos grabar por separado. Tenemos muy claro como debemos sonar, siempre estamos los cuatro de acuerdo en ellos, nos entendemos bien y preparar los temas fue cuestión de dejarnos llevar y ser fieles a nosotros mismos, de modo que el disco iba a ser sí o sí una declaración de principios. Primero grabe yo con la banda tocando en la cabina y después grabaron ellos, por eso la batería suena muy natural, pudimos aprovechar el sonido de toda la sala. No tiene apenas distorsión, el disco se grabó con guitarras y amplis vintage, grabamos con superleads de 100W de los 70’s, válvulas de época y saturando los cabezales hasta que ardieran como debe ser. Los hermanos Valeta tocan de una forma muy característica y saben hacer sonar esos amplis. En cuanto al bajo, usamos una reedición del Ampeg SVT-VR y un bajo Gibson del ’68, Raw es un gran bajista… la frescura del disco es otro detalle que nos han comentado a menudo, el rollo es que las interpretaciones tienen personalidad.

Entre nuestras manos y vuestros oídos no hay más intermediario que el volumen y nuestro talento es lo que ninguna maquina puede suplantar. La pieza necesaria para que eso quede bien plasmado en el disco es Gorka, él entiende qué queremos y trata de que el resultado sea ese. En esta ocasión estuvimos poco más de 15 días en el estudio y los Valeta pudieron dedicar algo de tiempo a la mezcla. De ese modo logramos un resultado muy cercano a nuestro directo. De ahí lo que dices sobre el sonido de “21st Century Rock”, es cierto, la agresividad es inherente a la banda, a nuestra forma de tocar y entender el rock, sale de dentro, es todo muy visceral y autentico independientemente de que este grabado en directo o no, por eso el álbum es tan crudo. Estamos muy orgullosos de ‘21st Century Rock’.M80: ¿Estáis a gusto con Weight Recordings? No han hecho muchas cosas pero todas parecen muy buenas… ¿Habías buscado alguna otra compañía para editar el disco o llamasteis a su puerta directamente?
G77: Nos contacta gente de vez en cuando desde hace mucho pero suelen querer beneficios sin arriesgar nada y eso no va con ‘77. Nuestro manager es Marc Picanyol, máximo responsable de nuestra agencia de booking, Cactus 66 y de nuestra discográfica, Weight Recordings. Anduvimos un tiempo tras él porque sabíamos que era la persona adecuada para llevarnos en España ya que conocíamos su trabajo con Uzzhuaia. En ’08 escuchó nuestro EP y accedió a venir a vernos a la sala Apolo [2] de Barcelona, actuamos en el marco del SIMBA (Seminario Internacional de la Música de Barcelona) y cuando nos vio aceptó llevarnos. Nos montó una pequeña gira en ’08 para rodar un poco en directo antes de entrar a grabar, en diciembre de ese año fuimos al estudio y para enero estaba todo listo. Marc nos dio libertad absoluta, la gira de presentación ha sido un éxito. Estamos muy contentos con Marc.

M80: Bien, el disco lleva cuatro meses en la calle. ¿Os atrevéis a hacer una valoración sobre como está funcionando o es un poco pronto aun? ¿Qué resultado de ventas os parecería satisfactorio? ¿Tenéis algún objetivo en ese sentido?
G77: La verdad es que sacamos el disco sin plantearnos cuan exitoso sería. Queríamos hacerlo, encontramos el modo y listo. No hemos gastado dinero en promoción con lo que corríamos el riesgo de pasar desapercibidos pero el caso es que el disco ha gustado, hemos sido muy elogiados por ‘21st Century Rock’ y no ha habido más que palabras gratas para la banda en los shows. Para nosotros esto constituye un gran éxito. No hay muchas bandas españolas haciendo rock and roll como nosotros, que reciban tanto apoyo desinteresado de todos los medios de comunicación especializados, gracias al trabajo de nuestro manager y la calidad del disco, hasta Carlos Herrera (Onda Cero) nos pidió un vinilo. Hacer las cosas a nuestra manera y ser premiados con la aclamación de la crítica y el público es el mejor de los posibles resultados que podíamos obtener. Además el disco se vende bien tanto en los shows como en las tiendas, esta disponible en vinilo y en iTunes. No te puedo hablar de cifras porque no las sé, en cualquier caso no teníamos pretensiones exageradas, esperábamos gustarle a la gente y poder girar, ha sido así y estamos felices.

M80:Vuestros conciertos tienen fama de ser anfetamina pura, bueno, yo doy fe de ello… ¿Siempre salís a dar el 101% o depende un poco de la actitud del público cada noche?
G77:Salimos a reventar siempre, sin excepción, de hecho tú nos viste en una sala con no demasiada gente y tuvimos que salir a tocar casi a la 1 de la madrugada, estando despiertos desde las 9, tras hacer la hostia de kilómetros y dormir lo justo… pero da igual lo que pase antes y después de subir a un escenario porque es lo único que tiene sentido para nosotros. Esas dos horas de show lo justifican todo. Son tantos los problemas que debes afrontar para estar en una banda de rock, las dificultades con las que tienes que lidiar, no solo las que surgen por el hecho de estar en ella también las que tienes como cualquier persona… pero nos da igual, amamos salir a un escenario y lo que la gente ve es el resultado de nuestra pasión por tocar rock and roll. Así deberían ser todos los bolos a los que va la gente, pura entrega!!! y no tendríamos que quejarnos de que hay poco público amante de la música en directo, si hubiera más bandas que siguieran las enseñanzas de los Who del ’69… Ser tan apasionados y agresivos en vivo es un rasgo característico de ’77, a veces nos han comentado que acojona un poco vernos, nos preguntan si nos drogamos pero nada de esa mierda… es solo rock and roll. Nunca salimos a medio gas, por ningún motivo. El año pasado nos contrataron para actuar en un local de jazz, en el que la gente habitualmente cenaba mientras veía actuaciones, ya sabes, piano y escobillas. Llegamos y solo con vernos hubo gente que se fue (jajajajaja) El técnico de sonido era un máquina, muy fan del hard rock de modo que hizo un gran trabajo, además tenía un equipo cojonudo. El caso es que nos vieron él, un camarero o dos no me acuerdo y una pareja. Eran dos chavales muy fans de la banda que nos informaron de que ese no era el sitio idóneo para hacer un show de rock y además habíamos coincidido con una fiesta universitaria… de todos modos nos dejamos los huesos, de hecho entre los dos comprar 4 o 5 cd’s porque les encantó el concierto. Para nosotros es un privilegio y un gran honor poder dedicarnos a esto y la mejor forma de demostrarlo es que nadie pueda cerrar la boca mientras estamos tocando.

M80: En Gijón hicisteis sesión doble, primero como ‘77 y después como THE NIGHT PROWLERS, cubriendo viejos temas de AC/DC… ¿es ese el orden habitual? ¿Hacéis alguna vez el show de tributo solamente?
G77: Sí, esto fue una idea que nos propuso This is Rock. Ellos apoyan la gira con publicidad porque son grandes fans de la banda y le plantearon a nuestro manager que hiciéramos este doble cartel como ’77 y después como banda tributo a AC/DC. A Marc le pareció una gran idea y nosotros decidimos que sería divertido, además atrae a muchos curioso que luego quedan completamente enganchados a ’77, es como tejer una tela de araña hardrockera (jajajaja) hablando en serio, es un buen reclamo, una banda joven tocando dos horas al limite, a esto se suma que amamos los viejos temas de Bon Scott, hacemos nuestro show y luego tocamos ‘Squealer’, ‘She’s Got Balls’, ‘Gone Shootin’, ‘Live Wire’… ya sabes, esas canciones. A todo el mundo le ha encantado, de hecho en más de un sitio ni nos han dejado irnos del escenario bajo amenaza de ser agredidos (jajajaja) en Badajoz por ejemplo la gente gritaba tanto que ni nos oíamos. Es muy divertido hacer un doble cartel, es una forma de ofrecer algo más, algo poco habitual. Para los que no nos hayan visto aún que sepan que el tour continuará en invierno.

M80: Se me ocurre que dada la similitud de la voz de Armand con la de Bon Scott, sería una idea hacer unas cuantas versiones de AC/DC a partir del 80, para hacernos una idea de cómo hubiesen sonado “For Those About to Rock”, “Back in Black” o “Guns for Fire” de haber sido cantadas por Bon Scott… ¿habéis considerado la idea alguna vez?
G77: (jajajaja) Esto nos lo comentó también JF León. La verdad es que no hemos considerado esto nunca, tocamos temas de AC/DC porque nos gusta y la gente nos lo pide como te decía en la pregunta anterior… Alguna vez hemos tocado ‘Shock Me All Night Long’ (jajajajajaja)… Seríamos unos engreídos si creyéramos que podemos hacer algo así, no somos AC/DC… no tendría sentido. Armand canta así de forma natural, no imposta la voz, sorprende el parecido pero no es algo forzado, yo de hecho al conocerle tuve esa duda pero déjame que te cuente una anécdota: una vez íbamos en coche escuchando “Ride On”, él cantaba encima y parecía que hubiera dos voces identicas grabadas, estábamos solos en el coche y lo hacía de forma distraída… como amigo suyo creo que es un tipo genuino, de las personas más fieles a si mismas que conozco, un hombre chapado a la antigua como Clint Eastwood o Johnny Ramone (jajaja) Como espectador te diré que cuando les conocí, flipé, hasta tal punto que asistí a un concierto suyo por casualidad y al terminar el show les dije: “echar al batera y pillarme a mi, seremos la mejor puta banda del mundo”, yo no tenía mucha idea de tocar pero me daba igual, debía estar en el grupo (jajajaja) de hecho antes de ’77 tocaba en una tributo a The Cult, era una banda montada por unos colegas, nada serio y accedí a tocar con la condición de que únicamente tocáramos temas de tempo marcado en plan los del ‘Electric’, es la única forma en que me involucraría en una banda de rock de forma estable porque yo no tengo formación musical, no soy batera sino el batería de ’77… es a eso a lo que me refiero los cuatro hacemos esto porque es lo que sentimos y los Valeta son hermanos por que lo son, yo que carajo sé… ¡casualidad!, son los fundadores y lideres del asunto porque así debe ser, el resultado es una banda en plan AC/DC porque no podría ser de otra manera… así es como entendemos el rock, tenemos las mismas influencias que tuvieron ellos y creemos que llevaron el rock and roll a lo más alto, les rendimos tributo siguiendo su legado y de momento así seguiremos, perdona que insista pero es algo que queremos que quede claro. Volviendo a lo que preguntabas, ahora que lo pienso, en “21st Century Rock” están presentes influencias como Kiss, los Stones, The Who y Chuck Berry o Little Richard, también podríamos hacer versiones de Kiss para que la gente pudiera escuchar como serian las rítmicas tocadas por Malcom o de los Who para imaginar como serian los temas con Phill Rudd en la sección rítmica… (jajajajajaja) en mi opinión todo esto seria muy pretencioso por nuestra parte.

 

 

G77: Sí, en Ria Records, fuimos porque es un estudio analógico y barato. Hablamos con Ignacio Pozo, el ingeniero de sonido, y nos comentó que allí podríamos grabar en directo e intentar hacer un disco de rock crudo el resultado no fue el que esperábamos aun así no todo fue decepcionante. Nos gustó porque realmente fue todo muy artesanal, incluso registramos un blues en vivo íntegramente, con solo incluido, en una toma. Lo pasamos bien y fue una prueba de fuego ya que ahí nos demostramos que sabíamos tocar rock and roll los cuatro juntos. Grabamos diez canciones en dos días casi sin repetir tomas, no intervino ningún programa de ordenador en aquella grabación, era como estar en otra década, por otra parte nos dimos cuenta que sin un presupuesto holgado para tener por ejemplo una gran sala y material de primera en la cabina no puedes conseguir resultados excelentes de ese modo. No se trata sólo de sonar como un reloj. Los medios técnicos que existen hoy no nos acaban de convencer pero facilitan mucho las cosas y sobretodo las hacen asequibles, por mucho que deseáramos grabar en dos pistas como los Who no podríamos hacerlo, de hecho ahí tienes a Wolfmother que grabaron el disco con tecnología digital… en Ria Records chocamos con la realidad, no quedó plasmado el directo de la banda, es muy difícil grabar algo que suene rabioso y crudo como un show. Nos dimos cuenta de que saber interpretar rock te convierte en una banda que quema escenarios por doquier pero a la hora de ir al estudio debes tener en cuenta innumerables aspectos todos relacionados con como grabar y tratar el sonido. Ria Records es un estudio cool para tríos rockabillys o bandas garage pero a nosotros se nos quedó pequeño.

 

M80 Habéis hecho el festival “Hotter than hell” en Inglaterra y España y habéis abierto para una banda como JUNKYARD, ahora estáis presentando vuestro álbum por todo el país… ¿Cuál sería el escenario ideal para vosotros?
G77 Si pudiéramos diseñar un escenario seria uno gigante con una reproducción del Partenón detrás de la que saldría LG haciendo el feedback al empezar el bolo (jajajajaja) Lo del escenario es muy relativo, nos encanta tocar en sitios donde la gente se vuelve loca, montar una gran fiesta, nos gusta que el público caiga sobre el escenario, que LG se patee la barra… sea cual sea el escenario lo pasamos en grande si la gente disfruta. Si el ambiente esta apagado el escenario da lo mismo lo que te preocupa es que todos y cada uno de los que han asistido al show acaben extasiados… eso es lo importante.

M80 Bueno, por último, un pequeño juego. Me gustaría que eligieseis una de cada dos opciones y que por favor dijeseis la razón para escogerla.
“MARQUEE” o “WISKEY a GO-GO” – Marquee sin duda, es un sitio mítico por donde pasaron todos los grandes. Nos flipa el video del Marquee en el que los Who lo revientan todo y se quema el ampli de Pete. Bestial.

“LET THERE BE ROCK” o “HIGH VOLTAGE” – ‘Let There Be Rock’, es el disco que impulsó a los Valeta a llamar a la banda ’77, aunque también nos encanta ‘High Voltage’.

“POPULAR1” o “THIS IS ROCK” – No te puedo dar una respuesta cerrada, tenemos una excelente relación con ambas revistas. A This is Rock les estaremos eternamente agradecidos por el apoyo brindado a la gira de presentación de ‘21st Century Rock’ y Popular 1 es una revista de toda la vida. Como lector ambas me gustan, los reportajes sobre clásicos del This is Rock son la hostia y Popular 1 es la única publicación en la que encuentras números en los que entrevistan a Jodorowsky, Eugenio Mira y Little Steven. Las dos son muy interesantes.

“READING” o “MONSTERS OF ROCK” – Bueno… ambos festis son míticos, no hemos podidos asistir nunca a ninguno de los dos y por la edad no pudimos disfrutar de sus carteles más bestiales. El festival más cool en el que he estado y en el que mejor me lo he pasado es en el Serie Z, en su primera edicion tenia 16 o 17 años y fue la hostia, partí con los colegas a Jerez a ver a Michael Monroe y McCoy, lo pasé de puta madre, nunca me olvidaré del gran concierto que dieron los Dictators…

“GIBSON” o “FENDER” Bueno, Gibson para tocar, sin duda. Fender también nos gusta no en vano ha sido la marca de Jimi o Pete y la primera guitarra eléctrica de LG es una Fender. El rollo es que Gibson y Grestch son nuestras marcas.

M80: Bien, creo que por ahora es todo. Si queréis decir algo o dejar alguna dirección para que los fans compren material… ahora podéis hacerlo. Gracias por vuestras canciones.
G77: Gracias a vosotros por la entrevista, nuestro disco está disponible en CD y vinilo, si la gente no lo encuentra en las tiendas es por algún problema de distribución pero nos lo puede pedir a nosotros directamente y se lo mandamos en esta dirección de correo: seventysevenrocksonline@gmail.com. Además también se puede adquirir en iTunes. Volveremos a la carretera en invierno de modo que también pueden venir a un show y comprarlo. Saludos a todos y Rock and Roll.

CRONOLOGIA

MERCYFUL FATE: “Nuns have no fun” maxisingle

1.Doomed By The Living Dead (5:07)  2.Nuns Have No Fun (4:17)  3.A Corpse Without Soul (6:52) 4.Devil Eyes (5:48)

King Diamond – Voz
Hank Sherman – Guitarra
Michael Denner – Guitarra
Timi Hansen – Bajo
Kim Ruzz – Batería

JUDAS PRIEST aun no habían editado su debut “Rocka rolla”, cuando dió comienzo la carrera de King Diamond. Nacido como Kim Bendix Petersen en Junio del 56, este extraño danés fue el típico visionario con dificultades para encajar, debido en parte a su particular visión de la vida pero, sobre todo, a su forma de entender la música, un paso adelantado al resto.

BRAINSTORM, BRATS o BLACK ROSE fueron los nombres de algunas de las bandas de las que Diamond formó parte antes de dar el paso definitivo que le daría la fama internacional. La devoción por el hard rock del cantante quedaba patente en las canciones que las citadas bandas tocaban, pero su visión del espectáculo no le iba a la zaga. La influencia de ALICE COOPER dejó su marca en uno de los gimmiks que utilizaba Diamond, consistente en que dos tipos disfrazados de enfermera le sacaban a escena en silla de ruedas… Lo más curioso es que el bueno de King hacía este tipo de cosas en una banda que se limitaba a tocar versiones!. Una prueba clara de que su idea iba a otro nivel. En fin, tras los clásicos cambios de banda y el ir y venir de un lado a otro, encontró su asiento más importante en los citados BRATS.

Esta banda, liderada por el guitarrista Hank Shermman, tenía un pie en el heavy metal y otro en el Punk, hecho que King Diamond estaba decidido a cambiar con su incorporación orientando el sonido únicamente al heavy metal, como es evidente. Sherman llevaba algún tiempo pensando en la misma dirección, y la entrada en el grupo de Diamond terminó por decidirle a llevar a cabo tales cambios.

La banda contaba con un álbum en su haber y material suficiente para un segundo trabajo, por lo que invitó a un representante de la compañía CBS a escuchar sus canciones. El cambio de orientación del grupo les costó el rechazó por parte de la compañía que les exigía material más asequible, algo a lo que parte del grupo se negó. Está de más decir que Sherman y Diamond, junto a Karsten (el guitarra rítmica) fueron los que rechazaron el plan de la multinacional.

La escisión tomó forma y los tres, ayudados por amigos en la base rítmica, grabaron una demo que resultó ser tan agresiva que de inmediato asumieron la necesidad de cambiar su nombre.
Tras quedarse con el que todos conocemos , lo más urgente era estabilizar la formación, algo que tardaron en conseguir, pero que finalmente lograron fichando a Timi Hansen y Kim Ruzz en bajo y batería respectivamente,completando la banda junto a los uitarras Hank Sherman y Michael Denner, además de King Diamond, por supuesto

La oportunidad de inmortalizar sus canciones en un vinilo les vino de la mano del sello holandés Rave-On Records. Antes habían participado en un par de recopilatorios, pero esta iba a ser la primera ocasión en que su nombre aparecería ocupando la portada en solitario. “Nuns have no fun” fue el título que recibió aquel trabajo, grabado y mezclado en tres días en los Stone Sound Studios. La escasez de tiempo quedó impresa en algunas de las partes del discos, especialmente en los solos de guitarra, que están grabados en primera toma. El productor del disco, Jac Hustinx, era también el propietario de la compañía, por lo que no era fácil convencerle para que les diese más tiempo de estudio.

En cuanto al contenido de lo que grabaron, decir que se trata de cuatro grandes canciones, la primera de las cuales se titula “Doomed by a living Dead“. El riff de la misma es sencillamente, heavy metal clásico. Sin embargo hay algo en él que visto a toro pasado brillaba con luz propia. No sabría decir si era el rasgueo, la oscuridad de su melodía o qué exactamente, pero tenía algo que lo separaba del común de los grupos que en 1982 veían salir sus discos al mercado. Continuos cambios de ritmo interpretados sin el menor complejo que ponían a la banda en el mismo plano (salvando la distancia) en el que JUDAS PRIEST habían estado casi una década antes. Sorprendentemente, la secuencia giraba 180º con el segundo de los temas, “Nun have no fun“. La canción cuyo nombre se usaba para denominar al disco estaba mucho más en la línea de lo que se hacía en aquel lejano año, y la referencia inmediata eran los IRON MAIDEN de Paul Dianno con quienes comparte un lejano regustillo punkrockero. Quizá el hecho de que King Diamond se tome un pequeño respiro y decida ofrecernos una voz, digamos normal, ayuda a tal percepción…La vuelta a la ‘normalidad’ si por esto entendemos lo que uno espera de una banda como esta, viene de la mano de ” A Corpse without soul“, con sus casi siete minutos de tradición británica, aunque fuese hecha fuera de las Islas. De nuevo hay que recurrir a las evidentes referencias a la banda de Rob Halford y al buen hard rock oscuro de la décad de los setenta (NECROMANDUS, BLACK SABBATH, ATOMIC ROOSTER…) pero puesto al día.

Con “Devil eyes” se cierra el disco en una sorprendente vuelta de tuerca, que en esta ocasión nos lleva a recordar a THIN LIZZY. Entendámonos. La canción sigue en la misma trayectoria que el resto, pero su orientación es un poco más melódica y los dibujos de las guitarras están más trabajados y cuidados, cosa que nos lleva a pensar en la banda de Lynnott. No esperes un ‘Rosalie’ ni nada por el estilo. Simplemente trato de dar una referencia.

Es, en resumen, un trabajo muy sólido para su tiempo, que demustra un gran talento en lo que se refiere a la composición de los temas y su proyección en el tiempo, es decir, eran canciones con futuro que no caerían fácilmente en el olvido. Lo austero de su producción y la escasez de efectos vocales en comparación a lo que el futuro trajo a la banda, lo hacen aún más valioso y meritorio. Imprescindible!.

Miguel. Asturias

ARTWORK BY….

KEN KELLY

 

Hay artistas mucho más prolíficos dentro de la escena hard rock, de eso no cabe la menor duda, pero pocos que han conseguido crear portadas tan conocidas como las que Ken Kelly ha aportado a la historia del rock and roll. Los trabajos que hizo para KISS y RAINBOW en 1976 se convirtieron casi de inmediato en sendos iconos quedando asociados de por vida al mundo de rock. Son dos portadas que sencillamente describen de una forma difícilmente superable el contenido que ilustran, y tienen el mérito añadido de ser dos polos opuestos de un mismo estilo, lo que es una excusa suficiente para tratar de investigar un poco en la vida y milagros de este artista americano.

Su carrera profesional como ilustrador comenzó durante la década de los 70, posiblemente junto con la anterior la que más espacio dejó para la creatividad de los ilustradores. Sin embargo, como ocurre con a mayoría de los artistas, desde que tuvo capacidad motriz para coger un lápiz en la mano, Ken dio muestras de una creatividad desbordante. Con dos años Ken ya inmortalizaba su talento en los lugares más insospechados de la casa para desesperación de su madre que vió con alivio su entrada en el colegio con cuatro añitos. Las paredes y sofás del hogar familiar se tomarían un respiro, aunque no así las toneladas de papel que el pequeño Kelly consumía de forma compulsiva. El destino quiso que poco después entrase en su vida Mrs. Valerie, una profesora de arte que le tutelaría en el colegio e instituto, y que pondría todosu empeño en potenciar el talento de aquel mocoso.

El propio Ken recuerda a la Señorita Valerie como su mentora, y como la que convenció a los padres de Ken de que no le matriculasen en la escuela de arte antes de acabar los estudios del instituto, ya que según ella, eso condicionaría su propio estilo y mataría la espontaneidad del artista que nacía de si mismo de una forma natural. De esta manera, la relación entre Kelly y su profesora se alargó durante nueve años, desde los 9 a los 18, durante los que mostró a Ken cómo desarrollar y utilizar su talento natural. Ella le enseñó los principios del arte.

Con la mayoría de edad, Kelly quiso cumplir uno de sus sueños, que no era si no servir a su país en los marines de manera que pasó cuatro años alrededor del mundo, lo cual, con el tiempo, le serviría de inspiración para muchos de sus trabajos. Kelly estuvo presente en muchos paisajes de guerra y desolación en una época realmente conflictiva. No olvidemos que a finales de los sesenta aun había varios frentes abiertos entre el mundo occidental y el comunista. Sus destinos principales fueron Vietnam y China en Asia y parte del Mediterráneo entre 1965 y 1968, aunque durante la última temporada su destinó se asentó en Guantánamo (Cuba), desde donde combinó la vida militar y la artística dibujando las ilustraciones de la revista que editaba el cuerpo de Marines “The Gitmo Gazette”.

Con el deber cumplido y ya de vuelta a casa, en Nueva York, Ken decidió visitar el estudio de Frank Frazetta, un mito de la ilustración que era pariente político suyo (la esposa de Frank era hija del hermano de su padre) y que le ayudaría a modelar su talento dentro de un plano profesional. Impresionado por sus trabajos, Frazetta le acogió como pupilo tratando de potenciar sus virtudes y pulir sus defectos. Puso a su disposición sus trabajos para que Kelly los estudiase, auténticas joyas algunas de las cuaes han servido de artwork a varios artistas desde 1965. Como ocurre con Kelly, las portadas de discos nunca han sido la especialidad de Franzetta, pero no me resisto a mencionar que NAZARETH, WOLFMOTHER, YNGWIE MALMSTEEN o MOLLY HATCHET (quizá las más famosas y recordadas) han usado sus cuadros como arte en sus portadas. No es de extrañar que Kelly heredase parcialmente su estilo y su gusto por la anatomía humana y el mundo de la épica.

Además de eso, que no era poco, Ken consiguió entrar en la plantilla de Warren Publishing Company, la histórica editorial que ponía en circulación comics como Eerie, Creepy o Vampirella, estos dos últimos editados también en España. El salto fue notable tanto a nivel económico (por fin los lápices daban para comer) como artístico, ya que su presencia en la plantilla de esa casa le hizo popular y trajo de la mano (ya mediados los setenta) dos encargos definitivos tanto en su carrera como en la historia del hard rock: la cubierta del álbum “Rising” de RAINBOW y sobre todo la de “Destroyer” de KISS. El propio Ken la describió en tres palabras: “Tuve un pelotazo”.
Algo que caracterizaba los hábitos de trabajo de Ken era la implicación que tenía en ellos. Tanto para las portadas (repito: no muchas realmente) de los discos como para las de los libros (estas en una cantidad infinitamente mayor), Ken se molestaba en oír las canciones o leer los manuscritos a fin de captar una escena que pudiese definir el conjunto de la forma más concisa posible. De esta forma, el barroquismo y la profundidad de las canciones que daban forma a “Rising” están perfectamente plasmadas en los trazos y colores de su portada. Tonos cálidos y sin demasiados contrastes que reflejan la solidez de canciones como “Tarot Woman” o “Stargazer” al 100%.

La cubierta de “Destroyer” por el contrario, adelantaba que sus canciones eran puro fuego. Los cuatro miembros de la banda adquirían el status de superhéroes o súpervillanos que surgían de la nada con la intención de no dejar piedra sobre piedra (algo que se confirmaba en la contraportada, con aquel paisaje asolado y destruido).

Kelly también se hizo popular por sus aportaciones al mundo del juguete, ilustrando los envoltorios de una serie de figuras creadas por la compañía Mego llamadas Micronauts. El artista consiguió que aquellas figuras que medían apenas unos centímetros pareciesen monstruos mecánicos de cincuenta metros de alto, lo que excitaba la fantasía de los potenciales compradores. El éxito de aquellos juguetes fue tal que Marvel compró los derechos, llegado a editar una serie propia en cómicen la que sin embargo Kelly no participó. En España se publicó a través de Línea Editorial en 1983.

Siguiendo con la trayectoria de Kelly, no hubo realmente muchos acercamientos más al mundo de la música, o al menos los que hubo no alcanzaron las cotas míticas de sus dos aportaciones de 1976, pero a lo largo del tiempo varios de sus trabajos se han convertido en iconos de nuestra escena.

Con KISS repitió tan solo un año después con “Love Gun” su álbum de 1977 y no sería hasta mediados los ochenta que Kelly volvería a asociar su nombre al mundo de la música. Durante una gira que MANOWAR ofrecía en Inglaterra, Joey Di Maio descubrió un libro de espada y brujería titulado “Guardsman of Gor” cuya portada estaba ilustrada por Ken. El bajista descubrió asimismo que aquel tipo era el mismo que había trabajado en la década anterior con KISS y RAINBOW, lo que unido a que MANOWAR eran inmensos en aquellos años, hizo posible que Ken fuese contratado para el artwork de su álbum del 86 “Fightin the world”, cuya portada dejó asombrados a propios y extraños no tanto por su calidad, si no por su evidente (yo diría que flagrante) parecido a la de “Destroyer”.

Esto no impidió sin embargo, que la banda se rindiese ante el trabajo de Ken (Joey Dimaio pagó un montón de dinero por el lienzo original) y muchas de sus ediciones contasen con el arte de Kelly en las portadas: “Warriors Of The World” o “Gods of war” por ejemplo.

Parece claro que la especialidad de Ken Kelly ha sido y sigue siendo la temática de espada y brujería. No en vano es autor de docenas de portadas de varias series de CONAN. En lo musical, y en parte gracias a su aportación al universo MANOWAR ha seguido estando relacionado con el mundo del rock duro hasta el día de hoy.

Bien es cierto que los grupos para los que ha trabajado no son masivamente conocidos, ni su estilo se acerca al de Eric Adams y compañía, pero todos tienen en común el poder presumir de que sus trabajos están tocados por el arte de Kelly. ALABAMA THUNDERPUSSY, FATHOM o THE GATES OF SLAMBER son algunos ejemplos.En fin, poco queda por destacar de este artista excepto su enorme versatilidad, que además de hacerle tocar el cielo en el mundo de las cubiertas de discos, le ha llevado a ilustrar cientos de portadas de comics, calendarios, puzzles, juguetes, barajas e incluso a editar dos libros con sus propios trabajos. Si eres amante del arte épico este puede ser, sin lugar a dudas, uno de tus artistas de cabecera.

Miguel. Asturias